Восприятию картин должны предшествовать наблюдения в природе. Окружающая действительность поможет понять неповторимую красоту, созданную художником, откроет колористические возможности. И тогда, работая над рисунком, ребенок сможет найти золотистую гамму, характеризующую осень, холодные цвета зимы, нежно-голубые, светло-зеленые оттенки весны. Повторные наблюдения, художественное слово, музыка будут не только накапливать впечатления, но и воспитывать культуру образного видения, способствовать формированию художественного образа в рисунках.
Содержание произведений, которые показывают детям, должно быть богатым и разнообразным. Однако не каждая картина или скульптура доступны детям: в них могут быть выражены непонятные детям чувства и отношения – об этом надо помнить.
Восприятие искусства развивается постепенно, поэтому к произведениям, предназначенным для дошкольников, предъявляется ряд требований. Рисунок должен быть отчетливым, передавать ярко и выразительно наиболее характерные признаки предмета – форму, цвет, относительную величину частей, положение в пространстве.
В сюжетной картине или скульптуре должен быть ясно очерчен, охарактеризован каждый образ, чтобы детям по тем или иным признакам было понятно, кто изображен, что он делает, где и когда происходит действие. Существенное значение для понимания произведения имеет композиция. Четкое выделение основного, главного (либо расположением персонажей, либо цветом) облегчает восприятие целого и понимание изображенного.
Цвет привлекает и радует детей, поэтому большинство картин и иллюстраций для детей выполняются в цвете. Включение цвета придает большую полноту изображению, создает впечатление живой жизни, что очень важно для эстетического воспитания. Однако даже младшие дошкольники способны воспринимать рисунки, скульптуру, выполненные в одном цвете, линейно, из одноцветного материала.
Опираясь на общие требования к отбору произведений, воспитатель знакомит детей с различными видами изобразительного искусства.
Иллюстрации к книгам являются самым распространенным видом изобразительного искусства, с которым встречаются дети дошкольного возраста. Воплощая идейное содержание литературных произведений в художественных образах, ярких, выразительных, конкретных, искусство иллюстрации является одним из сильных средств воспитания. Иллюстрация тесно связана с текстом литературного произведения, помогает детям глубже и лучше воспринимать текст, быстрее запоминать его.
В основе художественных образов, созданных лучшими иллюстраторами детской книги: В. Лебедевым, Ю. Васнецовым, А. Пахомовым, В. Конашевичем, Е. Чарушиным, Е. Рачевым, К. Ротовым, А. Каневским,- лежит предметность, конкретность, эмоциональность. Их рисунки отличаются особой целостностью, четкостью композиции. Обладая каждый оригинальным почерком, эти художники добиваются высокой художественной выразительности, которую в состоянии воспринять и дети.
В детской книге иллюстрации обычно даются цветные. Однако не менее ценными являются и тоновые иллюстрации (размывка черной акварели и туши). Имеются иллюстрации, сделанные пером, карандашом. Подлинным мастером карандашного линейного рисунка является А. Пахомов.
Эстетическое воздействие книги определяется не только содержанием, иллюстрациями, но и обложкой, заставками, концовками, виньетками, а также форматом, бумагой. Обложка в детской книге играет большую роль – она привлекает ребенка, поэтому она обычно красочна, нарядна и передает самую суть содержания.
На титульном листе дается название произведения, фамилия автора, художника и небольшой рисунок, который тесно связан с текстом: портреты героев или несложный эпизод из иллюстрируемого произведения.
Умело найденная художником концовка придает произведению законченный вид.
Детей старшего дошкольного возраста и отчасти среднего можно знакомить с произведениями живописи. Взрослые люди, конечно, воспринимают и понимают картины гораздо полнее и глубже, но и то, что в этих произведениях понятно детям, оказывает на них большое воспитывающее влияние, воздействует на их мысли и чувства.
Наиболее доступны детям дошкольного возраста картины советских художников на темы, отражающие быт детей: Т. Яблонская «Весна», М. Божий «Таня, не моргай!», А. Дейнека «Будущие летчики», И. Шевандронова «В сельской библиотеке», A. Ткачев, С. Ткачев «Детвора» и др.
Доступны для восприятия детей некоторые пейзажи советских художников К. Юона, В. Бялыницкого-Бирули, Г. Нисского, B. Мешкова. Картины К. Юона «Зимний день», «Конец зимы», «Волшебница-зима» изображают русскую зиму с ее переливчатыми снегами, голубыми далями, тенистым кружевом ветвей.
Широко представлены в детских садах произведения русского реалистического искусства прошлого: И. Шишкин. «Утро в сосновом бору», «Корабельная роща», «Рожь»; пейзажи И. Левитана «Март», «Золотая осень», «Весна. Большая вода», «Березовая роща»; морские пейзажи И. Айвазовского; картины В. Васнецова «Аленушка», «Иван-царевич на Сером волке».
Для старших дошкольников доступны и некоторые произведения портретной живописи: И. Репин. «Стрекоза», В. Серов. «Мика Морозов», В. Тропинин. «Портрет сына художника».
Богатые возможности для развития эстетического восприятия представляет натюрморт. В этом жанре изображение предметов привлекает ребенка прежде всего своими выразительными средствами - цветом, формой. Доступны для восприятия натюрморты И. Машкова «Рябинка», «Фрукты», «Малинка», А. Куприна «Букет полевых цветов» и др.
В детском саду большое распространение получил эстамп (произведения станковой графики). В эстампах изображаются природа в различные времена года, общественная жизнь, труд людей в городе и селе, игры и быт детей, мир животных, сказочные сюжеты. Все эти темы дают возможность использовать эстампы в воспитательной работе.
В детском саду, как правило, широко используется скульптура малых форм. Наиболее доступно детям восприятие ясно выраженного действия, поэтому при ознакомлении со скульптурой следует обращать внимание на характер движений, постановку фигур, выражение лиц. Важно научить детей точно называть и определять характер действия.
Имеется скульптура жанрового характера, например «Девочка кормит кур», «Девочка с куклой», «Лыжник»; сказочные образы: «Снегурочка», «Аленушка», «Иванушка на гусе». Важно иметь набор скульптур, изображающих животных, птиц. Систематически рассматривая скульптуру с детьми, воспитатель обогатит их восприятие.
Таким образом, детей дошкольного возраста знакомят с разными видами изобразительного искусства. Это высокохудожественные произведения, богатые по идейному содержанию и совершенные по художественной форме, доступные для ребенка, как по содержанию, так и по средствам выразительности.
Если же говорить о живописной технике, то можно изучать использованные художественные приемы. Тут важно уметь отличать масляную живопись от темперной, сухую иглу от мягкого лака в гравюре. Отсюда следует вывод, что изучение произведения искусства — это вполне научная дисциплина, хотя надо заметить, что существуют и другие аспекты искусства — многогранного по своей сути, которые не укладываются в простую схему сбора сведений, а относятся к совсем иной области, где трудно дать объективную оценку и где определяющими факторами являются восприимчивость и вкус.
Помимо биографического, исторического или сугубо технического изучения, есть еще один путь приобщения к искусству — всегда смотреть на произведение искусства не предвзято и непосредственно, постаравшись, особенно при первом личном знакомстве, хоть на время забыть все то, что вы читали или слышали о нем и что способно в той или иной степени повлиять на ваше восприятие. Для этой цели можно купить постреры недорого различных направлений в живописи и постараться внимательно осознать ту или иную картину, но при этом стоит учитывать что плакат это бумага, и она не передает объема. Если же купить печать на холсте, то фактура самого холста, за счет преломления света создаст ощущение некого объема и картина приобретет живую перспективу. Если купить репродукцию, даже очень качественного оттиска, следует учитывать что 100% передачи палитры не будет.
И еще одно: важно заранее не настраивать себя на знакомство с произведением как с драгоценной, уникальной вещью, видя в нем прежде всего высшую ценность, требующую благоговейного почитания, а главное, не руководствоваться тем, во сколько тысяч долларов определена его стоимость. Нужно отдаться своим внутренним ощущениям и беспристрастно отдаться влиянию изображения, и не важно дорогой ли это оригинал или недорогой постер, печать на холсте или репродукция. Даже если купить картину недорого, она может настолько затронуть ваши эмоциональные нити что окажется для вас самым ценным и дорогим произведением искусства, как например ваш личный портрет. Заказать портрет маслом портрет маслом или напечатать фотографию на холсте сегодня не составляет труда. Технологии позволяют быстро и качественно это сделать, главное что бы внутренний комфорт при рассмотрении такой картины вас не покидал.
Зритель должен почувствовать, что картина становится для него как бы собеседником: отвечает на его вопросы, сама спрашивает о чем-то, заставляет задуматься. Тот момент, когда работа художника вызывает живой отзвук в нашей душе, когда мы начинаем ощущать, как произведение искусства постепенно раскрывает перед нами все огромное богатство своего содержания, своих образов, — это и есть момент истинного «понимания». И совершенно не важно что за автор, можно купить картину европейских авторов, или никому не известный пейзаж суть в одном - правильное восприятие, гармоничный отклик вашей души.
Чтобы пояснить эту мысль, мы выбрали два портрета, созданных в разных странах и в разное время, но ярко воплощающих образную идею. У Хуана де Парехи, изображенного на одном из самых известных портретов Веласкеса, открытый, умный и проницательный взгляд, горделивая поза. Картина выполнена широкими спокойными мазками, характеризующими манеру авторского письма.
Мятущаяся душа Ван Гога выражена в знаменитом «Автопортрете в соломенной шляпе». Избрав в качестве модели самого себя, художник не ограничился лишь передаче внешнего сходства; густые, гибкие беспокойные мазки свидетельствуют о состоянии болезненной напряженности, встревоженности. И по статистике при живом рассмотрении этой картины многие до сих пор испытывают тремор. Можно сегодня заказать печать портрета на холсте, при этом выбрать художника со схожим стилем написания, и при ее рассмотрении можно получить расстройство психики.
Мы не только получаем представление о личных качествах и особенностях конкретных и узнаваемых персонажей — созерцание, «понимание картины обогащает наши знания о самих себе. Восприятие, осмысление воплощенного в картинах разностороннего опыта многих биографий помогает глубже понять природу человека, сложный мир страстей, устремлений, характеров, интересов. Понимать искусство означает уметь видеть закатный свет в пейзаже Камилля Коро, узнавать в лицах мадонн, запечатленных художниками Возрождения, лица сотен женщин-матерей, ощутить движение в застывшей сцене игры в футбол. Понимание подразумевает диалог с картиной, а это требует воображения, полета мысли, а также определенных навыков и познаний. Чуткому, вдумчивому зрителю раскрывается многое.
Здесь уместно вспомнить высказывание Райнера Марии Рильке, который проявлял большой интерес к пластическим искусствам, особенно к творчеству Сезанна. Поэт называл произведения этого художника не¬высказанной речью, которую невозможно передать словами. Восприятие произведения искусства — процесс постижения того, что порой невозможно выразить в языковой форме.
Несмотря на эту заведомую сложность, зритель способен научиться хорошо и свободно понимать все тонкости художественного языка, что разовьет в нем творческое начало, будет способствовать его новому видению искусства. Поэтому порой при освещении тех или иных тем в книге мы прибегаем к иносказательности, метафоричности, аллюзиям, помогающим раскрыть своеобразные особенности живописи.
Художники древности, великие живописцы Возрождения и барокко, художники XX века воплощали на поверхности камня, деревянной доске, холсте явления действительности, реальной или воображаемой, которые продолжают жить под обращенным к ним взглядом зрителя, любопытным, вопрошающим, восхищенным. Либо удивленным.
Восприятие искусства вещь чрезвычайно субъективная. Процессы, проходящие в человеке во время восприятия, многообразны и едва ли поддаются прогнозированию, не просты для изучения. Заранее рассчитать успех или неуспех произведения представляется мало вероятным, хотя с глубокой древности предпринимаются попытки открыть некий эликсир красоты. Надо сказать, попытки небезуспешные. В настоящее время имеется целый свод законов и правил, придерживаясь которых, творец способен создавать произведения, отвечающие эстетическим требованиям.
Восприятие произведений изобразительного предполагает активную деятельность, для которой требуется соответствующая подготовка. Развитие художественного восприятия включает решение следующих основных учебных задач:
- а) развитие отзывчивости к произведению;
- б) развитие способности выразить свое отношение к произведению;
- в) расширение объема знаний и представлений об искусстве.
Чувства, страсти, эмоции преобразуются, создается метаморфоз чувств, они возвышаются над индивидуальными, обобщаются и становятся общественными.
Главное - это движение прочувствования, которое состоит в том, что эмоциональное, аффективное содержание произведения в двух противоположных, стремящихся к одной точке направлениях, в которой как бы наступает короткое замыкание, разрешающее аффект: происходит просветление чувства, катарсис.
Живопись - один из видов пластических (изящных) искусств. Пластические искусства предметны, представляют собой не развивающиеся во времени объемно-пространственные структуры реальные или воображаемые. Живопись воспроизводит предметы и явления с помощью красок и является изобразительным искусством. Когда автор уходит в область беспредметного, фигуративного (абстракционизм), его произведения перестают быть принадлежностью изобразительного искусства, и, следовательно, должны рассматриваться и анализироваться, скажем, как произведения декоративно-прикладные.
Одно из важнейших свойств произведений искусства - их эмоциональность, способность вызвать у зрителя эмоциональный отклик, сопереживание. На интуитивном, психофизиологическом уровне искусство воспринимается благодаря адекватности реакции людей на определенные сочетания цветовых пятен и линий. Идут ассоциативные параллели жизненному опыту. Леонардо да Винчи считал живопись разновидностью музыки, сравнивая краски с видимым звуком. Энергетика произведения искусства проявляется в характере живописи: колорите, фактуре, композиции, рисунке. Мощным энергетическим зарядом обладают работы Ван Гога.
Разного рода страшилки, типа показа анатомического театра под видом искусства, на самом деле, таковым не являются. Иное в произведениях живописи: например, «Крик» Э. Мунка. Глядя на эту пронзительную работу не испытываешь страха, а сопереживаешь. Эмоциональный отклик облагорожен.
На работах литовского художника и композитора К. Чюрлениса нет реального изображения мира - смутные образы, лишь намек на реальность, но каждая работа притягивает к себе, волнует, вызывая неясные предчувствия и ожидания. Эмоциональный отклик на его работы настолько силен, что недостатки знания ремесла не бросаются в глаза. Воспринимается не сюжет, а скорее общую атмосферу работ.
Сюжет в живописной работе второстепенен. Общее воздействие произведения через зрительный анализатор - вот что главное. Ассоциативность и тайна - важнейшие составляющие искусства.
Возможно, не интересны передвижники как раз из-за того, что их работы бесхитростны, документалистика сплошная, не предполагают ассоциативности. Отсутствует тайна. Отсюда и эмоциональный отклик у зрителя минимален. Кроме того, рисунок у многих не безупречен, композиция рыхлая, живопись вялая. Нет и намека на артистизм. То есть знание ремесла далеко от мастерства. Попытайтесь перестроить свой глаз и абстрагироваться от сюжета, попытайтесь видеть в их работах только музыку пятен и линий. Вы ее не увидите. Она отсутствует.
Философы, начиная с античности, касались вопросов восприятия произведений искусства. Аристотель понимал воздействие искусства как очищение души с помощью аффектов сострадания и страха.
Вплоть до конца ХIХ века в обществе, в среде философов и художников царило некое единение: искусство питалось реальностью и отображало ее в своих произведениях. Представитель немецкого Просвещения Г. Э. Лессинг в трактате «Лаокоон» отмечает основное различие словесного и изобразительного искусства: изобразительное искусство пространственное, а словесное (поэзия) временное. Утверждает примат красоты. Безобразному нет места в искусстве. Искусство должно услаждать глаз или ухо. Юрий Бореев пишет: «Гете выделяет три типа художественного восприятия:
- 1) наслаждение красотой не рассуждая;
- 2) суждение не наслаждаясь;
- 3) суждение наслаждаясь и наслаждение рассуждая
Третий тип художественного восприятия адекватен природе художественного произведения... ». Далее Бореев рассуждает о том, что для современной эстетики и теории искусства важно осмысление того, что воздействие произведения в разные эпохи, в разных рецептивных группах не тождественно, художественная рецепция обусловлена объективными социально-экономическими предпосылками, зависит от субъективных особенностей реципиента и объективных художественных качеств художественного произведения, от художественной традиции от общественного мнения. Субъективные аспекты восприятия определяются индивидуальными особенностями, присущими данному человеку: дарованием, фантазией памятью, культурной подготовкой ума и чувств. Подготовленность реципиента к художественному восприятию зависит от его личного опыта, от того, что он узнал из книг, почерпнул из других областей искусства.
В культуре существует «деформация» ценности и смысла произведения искусства от эпохи к эпохе. Важным психологическим фактором восприятия искусства является рецепционная установка, опирающаяся на предшествующую систему культуры, исторически закрепленную в нашем сознании. Наслаждение искусством - результат преодоления его условности, сличения художественного с реальным, узнавании реального в условном. Интенсивность художественного восприятия и наслаждения пропорциональна упорядоченности и сложности художественного феномена. Экспериментальное изучение художественной рецепции началось в конце ХIХ века.
Разрыв, потерю связи между зрителем и художником можно отнести к началу ХХ века, когда возникли такие течения в изобразительном искусстве как кубизм, абстракционизм и другие течения модернизма. Зритель перестает понимать художника. Исчезает реальность, а псевдореальность, которую пытаются сочинить творцы нового искусства, зрителю непонятна. Утерян язык для общения - изобразительный.
Ортега-и-Гассет в работе «Дегуманизация искусства» рассматривая искусство с социальной точки зрения, приходит к заключению, что новое искусство делит людей на тех, кто его понимает, и тех, кто не понимает. Оно изначально обращается к избранному меньшинству - отсюда и раздражение, которое вызывает у масс. По мнению автора, в настоящее время в мире существует новое эстетическое чувство, тенденция к дегуманизации искусства. Если художник ХIХ века правдиво отражал действительность, «очеловечивал объект», то современный художник избегает реальность, смело ее деформирует. «Он оставляет нас запертыми в неведом мире, заставляет общаться с вещами, связь с которыми для человека немыслима…Эстетическое наслаждение для нового художника проистекает из победы над «человеческим»… Сконструировать нечто, не являющееся копией «естественного» и тем не менее обладающее каким-то содержанием, необходима самая утонченная одаренность». Оправдывая дегуманизацию искусства автор говорит, что восприятие «живой» действительности и восприятие художественной формы принципиально несовместимы, ибо каждое из них требует различного приспособления органов восприятия, не разъясняя, правда, в чем состоит это различное приспособление.
А. Геллен считает: «Картина что-то нам говорит благодаря устойчивому значению, благодаря своему предметному смыслу. Напротив, лишенный смысла орнамент совершенно нем. Абстрактные картины совершенно лишены дара речи… ». Пытаясь осмыслить современную живопись Г.-Г. Гассет пишет об онемении картины.
Если мы откажемся от идеи гуманизации искусства, то это неминуемо и быстро приведет к концу и культуры и цивилизации.
Согласно высказываниям Альбера Камю из его «Бунтующего человека»: «Художественный язык, разрушенный иррациональным отрицанием, превращается в бессвязный бред… Художник обязан избегать как формалистического кривляния, так и тоталитарной эстетики реализма».
Карл Кантор в книге «Тысячеглазый Аргус» пишет: «Если бы не было противоречий между явлением и сущностью, между видимым и невидимым, если бы истина непосредственно совпадала с формой ее проявления не нужны были бы ни наука, ни искусство. Живопись снимает первичное, свойственное самой природе противоречие между видимым и невидимым, но она не устраняет вообще; более того сама живопись покоится на этом противоречии, то есть: чем реалистичнее живопись, тем более она символична, тем более она исключает буквальное ее восприятие.
Нет искусства более трудного, чем реалистичная живопись. Картины Леонардо, Брейгеля, Рембрандта, Гойи, Сезанна, Пикассо имеют свойство «не пускать» в себя. В самом деле, не так легко понять, например, что сезанновский натюрморт с яблоками «это не понимание Сезанном яблок вне картины, а понимание чего-то посредством этих изображенных яблок, вернее порождение ими понимания чего-то другого. Сезанн «мыслит яблоками» - в сознании реализуется нечто, к чему просто вниманием глаз мы не приведем». Тут не поможет долгое пассивно-созерцательное выстаивание перед картиной. Нужна внутренняя духовная наполненность, самостоятельная работа мысли, а не просто смотрение.
Чтобы не получить никаких впечатлений от живописи, достаточно отвести от нее глаза, но чтобы получить не какие-то вообще впечатления, чтобы не «застрять» на узнавании похожести на то, что есть, на то, что было в других картинах, на то, что привычно и принято, а проникнуть через видимое в невидимое (ведомое), нужна способность умопостижения, причем особенно тонко разработанная, когда «видимое» реалистической живописи кажется «иллюзионизмом» (что, разумеется, не исключает существования в живописи иллюзионизма, который к реализму отношения не имеет)».
«Восприятие живописи детьми дошкольного возраста»
Сценарий занятия Семейного клуба
для детей и родителей подготовительной к школе группы
Вступительное слово воспитателя по изодеятельности.
Ранние эмоциональные переживания, связанные с восприятием искусства, красоты, нередко оставляют неизгладимый след в душе ребёнка. С годами это первое, не всегда осознанное, тяготение к прекрасному переходит в потребность знать и понимать искусство.
В детском саду дети получают начальные сведения об искусстве, общаясь с разными его видами. Однако, дошкольники, в силу возрастных особенностей, не в полной мере могут оценить глубину произведений живописи и их художественное значение. Мы стремимся активно направлять внимание ребёнка при восприятии произведений искусства, учим его наблюдать и выделять выразительные средства.
Приобщать ребёнка к искусству важно для его эстетического развития, так как при этом приобретается социокультурный опыт. Именно культура, являясь идеальным средством самовыражения, помогает человеку стать личностью. В целостном процессе приобщения к миру культуры и эстетическим ценностям происходит активизация нравственно-эстетических чувств и познавательных интересов.
Детское изобразительное творчество является формой развития художественной культуры и способствует социализации личности в определённой среде, поэтому так важна деятельность в сфере искусства. Благодаря общению с искусством ребёнок узнаёт о разнообразии художественных материалов, о многообразии произведений искусства, знакомится с различными видами и жанрами.
Когда и как следует начинать приобщение ребенка к миру прекрасного?
Приобщение к прекрасному начинается с пробуждения и развития души ребёнка, с его самых первых дней жизни. Тёплые отношения между родителями и внимание к своему чаду, эстетическая атмосфера дома, игрушки, напевы народных колыбельных песен у кроватки – всё это умиротворяет сознание и душу ребёнка, настраивает на общение и развитие добрых чувств, облегчает первые шаги в большую, тревожную и совсем не понятную для него жизнь.
Если ребёнка дома окружают доброта и забота, гармония отношений взрослых, красивые простые вещи, книги, игрушки, то это уже залог пробуждения души, каковы бы темперамент и уровень способностей у него ни были. Наши отношения всегда зеркальны. На добро мы отвечаем добром, зло стараемся нейтрализовать, а красота мира формирует нашу внутреннюю красоту, которая, развиваясь и приобретая зрелость, становится активной художественной силой, творчески влияющей на реальность.
Постижение искусства и мира в целом прямо пропорционально глубине человеческой личности. Чем раньше мы начинаем «копать» вглубь, тем богаче, сложнее и выразительнее предстаёт перед всеми нами мироздание.
Чтобы дети познали прекрасное - взрослые сами должны хорошенько усвоить это и очень сильно захотеть передать им.
Какие приёмы можно посоветовать
для приобщения ребенка к миру прекрасного?
Лучше всего ходить с ребятами в музеи, на выставки. В нашем провинциальном городе выставки художников можно посещать в ДХШ, в ДК, в клубе «Юбилейный».
Конечно, следует постепенно собирать домашнюю библиотеку по искусству: книги и альбомы о художниках, музейных собраниях, репродукции с картин, как отечественных, так и мирового искусства. Выписывать журналы, в которых не только рассказывают о художниках, но и показывают, как на практике пользоваться многообразием художественных материалов. Можно брать эти издания для просмотра в библиотеке. Кстати, в детской библиотеке в отделе «Искусств» часто проводятся мероприятия по знакомству с творчеством художников (план мероприятий можно взять у меня или в самой библиотеке).
Целесообразно привлекать дошкольников к просмотру познавательных детских передач, например, на телевизионном канале «Бибигон», «Карусель», где есть очень интересная и познавательная передача для детей «Академия искусств».
Кроме того, и это тоже важно, все ребята с удовольствием сами рисуют картины. Хорошо бы, чтобы родители постоянно подкладывали художественные материалы на детский столик и следили за их качеством и разнообразием. Наличие цветных карандашей и фломастеров безусловно не вызовут у ребёнка большого желания рисовать и уж точно не разовьют в ребёнке задатки творчества, стремление и любовь к прекрасному. Гуашь, акварель, восковые, акварельные и масляные мелки, пастель, соус, различные пластилины, краски для батика и многие-многие другие современные качественные изоматериалы можно найти в отделах канцтоваров и в магазинах для художественного творчества.
Не забудьте и о том, как важно позаботиться о зрении и двигательной координации ребёнка, а занятия с красками не просто способствуют развитию этих функций, но и объединяют их.
С уважением относитесь к творчеству ребёнка. Заведите папку для детских работ, аккуратно складывайте детские рисунки, отмечайте дату и название каждого произведения. Выделяйте время для совместного рассматривания и обсуждения. Самые яркие работы можно оформить в паспарту или даже в рамку. Устраивайте персональные выставки работ вашего ребёнка к каким либо праздникам и событиям, пусть это станет вашими семейными традициями. Своим проявлением внимания, вы дадите понять ребёнку, что уважаете и цените его труд и творчество.
Если ребёнок начал активно рисовать и видно, что ему нравится, – отдайте его в студию к хорошему, деликатному учителю, который исподволь раскроет его способности, а детский коллектив поможет стать ему общительным, весёлым, коммуникабельным человеком.
Конечно же, не все дети станут художниками – это дело таланта и осознанного выбора. Пусть ваш ребёнок станет инженером или врачом. Можно ведь и не быть художником, но любить и понимать прекрасное. И этой любви они научатся от вас и от нас во время игр-занятий с красками, цель которых – научить растущего человека думать, фантазировать, мыслить смело и свободно, в полной мере проявлять свои способности.
Занятие-викторина «Если видишь на картине…»
Воспитатель: Уважаемые дети и взрослые! Сегодня в зале мы видим много разных красивых картин. Написали их художники. Картины, написанные разными красками или другими цветными материалами, такими, как пастель, восковые мелки, называются живописью. Это слово легко запомнить: оно состоит из двух простых слов – живо и писать.
Что такое живопись –
Многим не понятно:
Красочные линии?
Брызги? Тени? Пятна?
А живопись – хорошее
И ясное название:
Она на жизнь похожее,
Живое рисование.
(Андрей Усачёв)
Воспитатель: Каждая картина рассказывает о чём-то своём, и называются картины тоже по-разному, каждая картина отвечает какому-то жанру. Ребята, какие вы знаете жанры живописи? (Ответы детей).
Воспитатель: Чтобы подробнее поговорить о жанрах живописи, предлагаю вам «Собрать свои картины» и определить их жанр. (Дети собирают картины по типу «разрезных картинок»).
Воспитатель: Молодцы! Справились с заданием. А теперь я предлагаю вам посоветоваться, придумать название своей картине и назвать её жанр. (Группа детей, собравших свою картину, даёт ей красивое название, определяет жанр и рассказывает о соблюдении законов живописи).
После каждого выступления включается музыкальное оформление к жанру – песни Г. Гладкова.
Воспитатель: Все ли из вас знают о жанрах, не путают ли? Давайте проверим.
Задание «Найди нужный тебе жанр». Дети разбирают репродукции картин по жанрам.
Воспитатель: Хорошие знания показали наши дети. А вот смогут ли они применить их на практике? Сегодня, ребята, вам предстоит своим маленьким коллективом создать картину. Это не простое дело, вначале надо договориться: что и как вы будете делать, где располагать. Думаю, что и родители захотят вам помочь и поучаствовать в создании картины. Я приглашаю всех желающих расположиться за столами, чтобы начать эту интересную работу над своей картиной. Удачи вам.
По окончании, совместные работы рассматриваются, уточняется жанр, соблюдение законов, подбор цвета, эстетика и т.д. Картины оформляются в рамки.
Воспитатель: Мы сегодня не просто рисовали, а сделали чудесные картины в технике аппликации. А ведь художнику и не важно, из каких материалов он создает своё произведение. Главное, чтобы он любил и хотел это делать. Наше занятие мне хочется закончить замечательными строчками из стихотворения Андрея Усачева:
Художник хочет рисовать.
Пусть не дают ему тетрадь…
На то художник и художник
Рисует он, где только может;
Он чертит палкой на земле,
Зимою – пальцем на стекле.
И пишет углем на заборе,
И на обоях в коридоре…
Рисует мелом на доске,
На глине пишет и песке.
Пусть нет бумаги под руками,
Нет денег на его холсты,
Он будет рисовать на камне
И на кусочке бересты.
Салютом он раскрасит воздух,
Взяв вилы, пишет на воде,
Художник потому художник,
Что может рисовать везде.
А кто художнику мешает,
Тот Землю красоты лишает!
Загрузка...