Большинство известных художников, таких как , или Микеланджело, начали рисовать с детства. Они завершили свои первые знаменитые работы, не достигнув и 30-летнего возраста. Ниже представлены первые работы известных художников, написанных в раннем возрасте.
, «Пейзаж близ Фигераса» (6 лет)
«Пейзаж близ Фигераса» - одна из самых ранних сохранившихся работ Сальвадора Дали, которая была создана им в возрасте 6 лет на почтовой открытке. Написана картина тонким слоем масляной краски, поэтому можно видеть проступающие по краям элементы оформления почтовой карточки. Многие из его первых работ отражают традиционные каталонские пейзажи, которые были его родиной.
Пауль Клее был одной из крупнейших фигур европейского авангарда. После окончания художественной школы он разобрал свои детские эскизы, и рисунок ниже — один из них, который он выделил среди всех остальных. Позже в своей карьере он также использовал детские наброски в рамках собственных работ, поскольку считал, что детское «сырое» искусство является самым ценным.
Немецкий живописец Альбрехт Дюрер считается одним из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. С именем Дюрера также связано становление североевропейского автопортрета как самостоятельного жанра, поэтому он считается одним лучших портретистов своего времени. Первый портрет был написан, когда он начал работать для своего отца в ювелирном мастерской, но очень скоро Альбрехт понял свое истинное призвание и начал свое художественное образование под началом ведущего нюрнбергского художника того времени — Михаэля Вольгемута.
Эдвард Хоппер, один из крупнейших урбанистов 20 века, начал рисовать в возрасте 5 лет. Он любил рисовать всё, что его окружало, особенно море, которое он видел, когда его семья выезжала летом на побережье Массачусетса. Эскиз, приведенный ниже, был наброшен на табель успеваемости Хоппера в третьем классе в 1891 году.
, «Пикадор» (8 лет)
Пикассо начал рисовать с раннего детства. «Пикадор» считается самой ранней из сохранившихся, а также первой серьёзной картиной маслом Пабло Пикассо — она была написана им в возрасте 8 лет. Мальчик написал её под впечатлением от боя быков.
В 2008 году автором этой картины был признан 12-ти или 13-летний Микеланджело — это самая ранняя сохранившаяся его работа. В июле 2008 года картина была приобретена на аукционе «Сотбис» за 2 миллиона долларов как произведение мастерской Доменико Гирландайо, в которой среди прочих обучался и Микеланджело. «Терзания святого Антония» - самое дорогое на сегодняшний день произведение искусства, созданное ребёнком.
Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.
Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали , чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.
Понятно, что «странность» - это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.
«Крик»
Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», - говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево - три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица... представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.
«Герника»
Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид
.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» - «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
«Руки противятся ему»
Билл Стоунхэм. 1972.
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, - это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь - представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла - проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
«Труд» спросил у второклассников, что они думают о художникахКак выглядит художник?
Катя Дорожко:
— У него специальная шляпа с бубончиком, короче, он почти как поэт. Художник ходит в длинной одежде типа платьица и в штанах. А волосы у него длинные: художник все время рисует, и бывают дни, когда он постоянно рисует, поэтому некогда постричься.
Карина Пономарева:
— Мультик один раз показывали, художник там был в беретке, в пиджачке, в штанах и в каких-то не очень новых ботинках. Но теперь они по-разному выглядят, мультик был давненько.
Андрей Прокофьев:
— У него есть кисть за ухом, и он всегда в длинной одежде. По крайней мере так выглядели художники, которые были давно.
Какая у художника дома обстановка?
Алеша Бабичев:
— Если он художник, то у него одни краски и картины, и если у него дома грязно, он заказывает себе домоуборщицу.
Карина Пономарева:
— У него там картины, краски, кисточки, палитры. А если художник только нарисовал и ничего не убрал, то у него бардак и нечисто.
Что чаще всего рисует художник?
Катя Дорожко:
— Чаще всего он рисует портреты, потому что он ходит на работу, и к нему приходят пациенты, которые выбирают, какой им рисунок надо, а художник рисует. Иногда получаются просто портреты, иногда — с телом животных.
Алеша Бабичев:
— Город или горы, людей тоже рисует, если они поместятся на его картину, туда может поместиться только лес.
Андрей Прокофьев:
— Портреты, потому что художники чаще всего рисуют эпизоды с реальной жизни. Они привыкли рисовать живых людей, повторять четко все контуры.
Художник рисует днем или ночью?
Алеша Бабичев:
— Он только днем рисует, а ночью спать надо, а то летучие мыши прилетят, покусают, присосутся, и все.
Карина Пономарева:
— Днем, в парках смешные морды рисует, и человек, которого срисовывают, приходит днем. Ночью они рисуют только тогда, когда заказ, а они не успевают его сделать.
Андрей Прокофьев:
— Бывает, что его вечером вдохновило, он встает, за кисть берется и начинает рисовать.
Картины художника дорогие?
Алеша Бабичев:
— Если купить, могут быть и дорогими, если на них есть циклоп, то может и тысячу стоить, и сорок. Картины есть разные — самая большая, где красивые леса, стоит 3 миллиарда!
Андрей Прокофьев:
— Зависит, сколько труда на них ушло: если два дня, то тысячи две, не больше. Вот «Мона Лиза» — очень дорогая картина, во-первых, эта улыбка, очень выразительная, плюс она была нарисована давным-давно, но до сих пор сохранилась. Она имеет историческую ценность, очень большую.
Где художник учится?
Катя Дорожко:
— В детстве он ходил в рисовальную школу, а потом бросил её, потому что там постоянно ругаются, если что-то неправильно нарисовал, и художник потом учится дома.
Алеша Бабичев:
— Школа может быть такая, как «Спорт по рисованию», в садике нас учили рисовать. Есть ещё секретные школы, где узнают секрет художника — почему можно нарисовать картину, и такую красивую, тогда художники не рисуют, как дети, а как люди.
Андрей Прокофьев:
— В специальных школах, где они учатся мастерству год-два, не меньше. Но чтобы человек родился и все умел рисовать, не может быть. Может быть, только лицо своей мамы. И если маленький ребенок такое нарисовал, сразу понятно, что у него талант, его отводят в школу.
Что художнику рисовать сложнее всего?
Катя Дорожко:
— Художнику сложно рисовать картину, когда просят нарисовать большую семью или множество животных на одном листе, ведь если животных, то они же разных цветов бывают, и могут даже краски закончиться.
Алеша Бабичев:
— Картину размером с окно, а ещё гигантскую гору, над которой летит самолет и задевает её. А ещё вулкан, потому что лава течет, и она может уничтожить художника, она же кипятящая, она горячая.
Дети говорят
Катя Дорожко
В такие дни, когда кризис, картины художника дорогие, а когда нет кризиса-то среднего размера цена. А вообще она зависит от того, что можно с рамкой покупать или без рамки.
.jpg)
Карина Пономарева
Сложнее всего художнику рисовать портреты, ведь люди могут вертеться по-разному, и художнику трудно сообразить и сориентироваться, он может злиться.
Ирина Кулик
Искусство всегда было грязной работой, и художники носили рабочую одежду. Со временем из функциональной она все больше превращалась в символическую. Чем радикальнее становилось искусство, тем больше его создатели стремились соответствовать своим произведениям. Модернисты поставили знак равенства между эпатажем на холсте и в поведении, авангардисты готовы были перекроить по новым лекалам весь мир, но сначала - костюм. Сегодня всякому ясно, что работа над образом - это тоже художественный проект. «Артхроника» выяснила, с какой исторической вешалки сняты самые популярные имиджи и что сейчас модно в этом виде искусства.
От усов до трусов
Представления о том, что художники выглядят совсем не как обыватели, восходят к середине XIX века. Появившееся во Франции словечко «богема», дословно «цыганщина», вошло в обиход еще до появления импрессионизма, ставшего первым модернистским течением. Но именно модернизм, по сути, обязал художника к экстравагантности и творчества, и образа жизни, сделав его как ниспровергателем общепринятой моды, так и законодателем новой.
ЖИЛЕТКА ГОГЕНА И ШАРФ МОДИЛЬЯНИ
Экстравагантные наряды Поля Гогена, по возвращении с Таити в 1893 году шокировавшего парижскую публику ярко-синими сюртуками с перламутровыми пуговицами и лазурными жилетами с пестрой вышивкой, вызывали только насмешки. А вот широкополые шляпы, длинные шарфы, бархатные пиджаки и блузы с шейными платками Амедео Модильяни стали своего рода каноном романтической богемной моды. И даже его привычка публично раздеваться, можно сказать, породила своих последователей. Правда, в 1960-е, когда обнажиться на сцене в качестве контркультурного жеста пытался, например, Джим Моррисон, у художников романтический стиль в духе богемного Монпарнаса давно вышел из моды. Новые поколения художников меньше всего хотели соответствовать расхожим представлениям и о том, каким должно быть искусство, и о том, как должен выглядеть художник.
УСЫ ДАЛИ И БРОВИ ФРИДЫ
В отличие от богемных модернистов авангардисты не полагались на бесконтрольное вдохновение. Они выстраивали собственные интеллектуальные теории искусства и творчества и не стремились выглядеть как-то особенно артистично. Даже фотографии таких мастеров авангардного поведения, как футуристы, дадаисты или сюрреалисты, показывают серьезного вида молодых людей в обычных костюмах того времени. Знаменитые усы Сальвадора Дали, для многих являющиеся чуть ли не эмблемой сюрреализма, если не авангарда вообще, были, конечно, вызовом не только буржуа, но и собратьям-художникам. Усы эти, обретшие свою каноническую форму в 1940-е, когда Дали уже не нуждался в поддержке коллег по сюрреалистической группе и полагал, что он сам и есть сюрреализм, были столь же вызывающе анахроничны, как и его скрупулезно гладкая манера письма. Если в живописи Дали провозглашал себя последователем Вермеера, то фасон усов он вроде бы позаимствовал у другого своего любимого классика - Веласкеса.
Но несмотря на декларативные отсылки к мастерам прошлого, в своем подходе к имиджу Дали сильно опередил многих своих современников, создав один из самых узнаваемых образов художника. Усами дело не ограничивалось. Дали, одним из первых сумевший стать настоящей медиазвездой, разработал целую стратегию создания личного мифа. В ход шло все - от муравьеда, которого Дали выгуливал на поводке по парижским улицам перед многочисленными камерами, до приобретения настоящего средневекового замка Пуболь, который он подарил Гале, а заодно и титула маркиза де Пуболь, пожалованного ему в 1982 году королем Испании, титула, удивительно подходящего к его барочным усам.
Женщинам, ставшим активными участницами художественного процесса опять-таки в эпоху модернизма, было, наверное, еще сложнее создать убедительный имидж, не идя при этом на уступки банальной моде. В случае знаменитой Фриды Кало невозможно сказать, что известно в большей степени - ее произведения, ее облик или ее биография, тем более что создавала художница в основном автопортреты, а также написала ставший не менее культовым, чем ее живопись, «Дневник». Говоря современным языком, Фрида Кало была своим собственным проектом - и ее сросшиеся брови, украшенные цветами косы, экзотические мексиканские этнические наряды и ацтекские украшения играли в нем не меньшую роль, чем ее коммунистические убеждения и патриотизм, брак с Риверой и роман с Троцким, бисексуальность и болезнь. Даже свои увечья Фрида смогла превратить в атрибут стиля - ортопедический корсет, который она носила, на ее картинах и фотографиях превращается в нечто вроде экстравагантной и фетишистской детали туалета. Радикально противостоявшая моде, Кало смогла стать ее иконой: на одном из показов Жана-Поля Готье манекенщицы дефилировали с нарисованными сросшимися бровями а-ля Фрида.
БОТИНКИ ПОЛЛОКА, ПАРИК УОРХОЛА И ШЛЯПА БОЙСА
Во второй половине ХХ века, когда медийность стала играть все большую роль, в том числе и в искусстве, в своего рода эмблемы стиля превратились и далекие от дендизма художники. Джексон Поллок, уже при жизни, в 1949 году, названный величайшим художником Америки, буквально стал частью собственного искусства благодаря придуманной им «живописи действия», новаторской технике создания картин, оказавшейся переходным этапом на пути к искусству перформанса. Фотографии худощавого лысого человека, одетого в черные джинсы, которые войдут в моду лет через пятнадцать, разбрызгивающего краску по холсту, прославились не меньше, чем сами полотна. В 1951 году Ханс Намут снял Поллока в документальном фильме. Забрызганные краской грубые ботинки, которые художник надевает перед сеансом живописи, появляются в первых же кадрах. Здесь угадывался отсыл к знаменитой серии картин Ван Гога, изображавшей старые башмаки. Ботинки Поллока претендовали на роль столь же универсального символа нового искусства.
В книге «Попизм» Уорхол напоминает, как тщательно выдерживали свой имидж абстрактные экспрессионисты, культивировавшие мачизм и крутость. Сам Уорхол, конечно, демонстрировал совершенно иной, манерно отрешенный стиль поведения. И совершенно новый облик. Парики, которые Энди носил с конца 1960-х, были существенной частью этого имиджа, а также своего рода камуфляжем. Слава, как известно, была одной из главных тем Уорхола, но, пожалуй, не столько целью, сколько предметом исследования. На пике известности он, наоборот, наслаждался возможностью быть инкогнито и рассылал вместо себя на тусовки двойников, благо парик и очки могли кому угодно обеспечить пятнадцать минут славы Уорхола. Уорхол одним из первых понял, что быть правильно одетым недостаточно - нужно быть переодетым. И переодетым он провел почти всю жизнь: мало кто видел его без парика.
Достойное место рядом с париком Уорхола занимает шляпа его главного соперника и антагониста Йозефа Бойса. Свою вечную фетровую шляпу Бойс носил едва ли не как стигмат: считается, что под ней он скрывал шрамы, полученные во время Второй мировой, когда его самолет был сбит в Крыму. Войлок, мед и жир, при помощи которых немецкого летчика -> выходили татары, стали основополагающими для его индивидуального мифа и главными материалами его искусства. Шляпа Бойса не просто головной убор, но часть индивидуальной мифологии, ее фетр - в сущности, тот же войлок. Где-то с середины 1960-х Бойс стал постоянно носить жилетку со множеством карманов и высокие армейские ботинки. Этот костюм делал Бойса похожим на искателя приключений, Индиану Джонса. Облик Бойса в совокупности с его историей и есть, по сути, главное его произведение. Не случайно американская художница Элейн Стуртевант, занимающаяся в качестве концептуального проекта изготовлением точных копий хрестоматийных произведений современного искусства, обратившись к Бойсу, не стала копировать его инсталляции, а просто сфотографировалась в его костюме и шляпе, воспроизведя один из самых известных его снимков.
КОСТЮМ КУНСА И РОЖКИ ОРЛАН
К концу 1960-х, в период расцвета новой богемы, тех, кто выглядел как художник, стало явно больше, чем настоящих художников. Тем радикальнее смотрелись появившиеся на художественной сцене в 1969 году британцы Гилберт и Джордж, предъявлявшие себя на всевозможных выставках в качестве «живых скульптур». Они не только не делали ничего особенного, но и выглядели до скандальности не артистично: какие художники, кроме настоящих новаторов, в то время могли одеваться в серые костюмы клерков и носить зализанные короткие волосы.
Пример Гилберта и Джорджа, впрочем, не стал заразительным. Художники и прочая богема по-прежнему стремились выглядеть не как все, и альтернативная мода и современное искусство шли рука об руку, так что провести между ними границу не всегда было возможно. Одним из главных героев основного проекта Венецианской биеннале 2005 года стал Ли Бовери, скончавшийся в 1994 году культовый герой лондонского андерграунда 1980–1990-х годов, дизайнер, клубный промоутер, профессиональный фрик и любимый натурщик Люсьена Фрейда. Облачения из атласа, латекса, блесток и бог знает чего еще, которые Ли Бовери создавал и демонстрировал в клубах, не были собственно костюмами. Они напоминали те абстрактные конструкции, в которых выступали актеры авангардного театра, например, в «Победе над Солнцем» Казимира Малевича и Михаила Матюшина, или в балетах Оскара Шлеммера в Баухаузе. Произведения Ли Бовери были не столько переодеванием, сколько пересозданием тела - как и пирсинг, которым он так же не пренебрегал.
Пересозданием собственного тела прославилась и француженка Орлан, начавшая эксперименты с пластической хирургией в 1990-е годы. Сначала она попыталась превратить свое лицо в набор цитат из классической живописи, а затем, бросив вызов традиционным представлениям о красоте, имплантировала себе в лоб две шишки. С тех пор каждое ее появление на арт-событиях в отчаянном макияже и с прической в стиле манга-панк превращается в мини-перформанс.
Художники следующей генерации к собственному облику относятся, пожалуй, более сдержанно. Джефф Кунс появляется на людях в казенном черном костюме и белой рубашке. Лауреат Тернеровской премии, британец Грэйсон Перри, на собственных выставках предстает в образе трансвестита Клер, а на другие события, например, на открытие Frieze, приходит в партикулярном мужском обличье. По-видимому, и тот и другой следуют не только собственным желаниям и вкусам, но и строгим правилам придуманной ими художественной стратегии. В качестве такой артистической стратегии можно выбрать и модничанье как таковое, не связанное с созданием какого-либо искусства. Так действуют, например, Ева и Адель, удивительные бритоголовые создания в кукольных розовых нарядах - их ошибочно принимают за трансвеститов, хотя они гетеросексуальная пара. Эти арт-персоны из Германии вроде бы делают какие-то объекты и фотографии, но понятно, что главный их проект - это светские выходы. «Там, где мы, - музей», - заявляют они. И правда, должен же хоть кто-то взять на себя труд как следует подготовиться к вернисажу: сделать полный макияж, встать на каблуки и облачиться во что-нибудь блескучее, шуршащее и вообще страшно неудобное.
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
Загрузка...