Современные методики преподавания изобразительного искусства - документ. Методика преподавания изобразительного искусства в школе Основы изобразительного искусства с методикой обучения

· Методика обучения как система единой деятельности преподавателя и учеников по усвоению определенной части программы.

· Понятия методов и приемов, дидактических принципов, средств и форм обучения.

Методика - совокупность эффективных приемов обучения и воспитания. Это специальный отдел педагогики, который изучает правила и законы построения учебно-воспитательного процесса. В этом смысле методика может быть общей, рассматривающей способы и приемы обучения, присущие всем предметам, и частной, имеющей в виду способы обучения, применимые к какому-нибудь одному учебному предмету.

Методика может быть общей, в ней рассматриваются приемы обучения, присущие всем предметам и частной - способы и приемы, применяемые при обучении какому-либо одному предмету.

Методика обучения предмету включает в себя:

Метод обучения - способ работы педагога с учениками, при помощи которого достигается лучшее усвоение учебного материала. Термин «метод» происходит от греческого слова «methodos», что означает путь, способ продвижение к истине, к ожидаемому результату. Выбор методов обучения зависит от учебных целей, а также от возраста учащихся.

Прием обучения – это отдельный момент, из нескольких приемов складывается метод обучения. Из совокупности приемов и методов обучения, объединенных общим направлением, складывается система обучения.

Цели обучения - заранее планируемый результат педагогической деятельности, достигаемый с помощью различных приемов, методов и средств обучения.

Образовательные цели - формирование общей культуры личности обучающихся на основе усвоения обязательного минимума содержания образовательных программ;

Развивающие цели - развитие способностей (логического мышления, памяти, наблюдательности, умения правильно обобщать данные и делать выводы, сравнивать, умения составлять план и пользоваться им, и т. д.)

Воспитывающие цели - воспитание чувства гуманизма, коллективизма, уважения к старшим, взаимопомощи, отзывчивости, вежливости, отрицательного отношения к вредным привычкам, ценности физического здоровья и т.д.

Практическая цель обучения связана с его направленностью, с тем, какой навык формируется в результате процесса обучения

Принципы обучения - дидактические принципы:

· Принцип сознательности и активности - осознанное, осмысленное, целенаправленное обучение (с точки зрения обучаемого).

· Принцип наглядности – использование педагогом зрительного канала восприятия, который позволяет в короткие сроки преподнести максимум нового материала и значительно повышает эффективность усвоения новой информации и способствует интенсивности обучения.

· Принцип систематичности и последовательности придает системный характер процессу обучения

· Принцип прочности. Целью этого принципа является прочное и долговременное усвоение полученных знаний.

· Принцип доступности подразумевает разработку содержания процесса обучения с учетом возможностей обучаемых.

· Принцип научности заключается в тщательном подборе информации, составляющей содержание обучения. Ученикам должны предлагаться для усвоения только прочно устоявшиеся, научно обоснованные знания.

· Принцип связи теории с практикой, т.к. практика – основной материал для познания.

Средства обучения - совокупность материальных, технических, информационных и организационных ресурсов, используемых для обеспечения многообразных методов обучения.

Формы обучения - это способ взаимодействия участников обучения, способ его существования. Обычно выделяются три группы форм обучения:

Фронтальные (коллективные),

Групповые,

Индивидуальные.

Методика преподавания изобразительного искусства как наука теоретически обобщает практический опыт работы, формулирует законы и правила обучения, выделяет технологию наиболее эффективных методов, предлагает их для внедрения. Методика основывается на научных данных педагогики, психологии, эстетики и искусствознания.

Конечно, в живом процессе преподавания у каждого педагога складывается своя методика работы, однако она должна строиться в соответствии с общими целями и задачами современного преподавания изобразительного искусства, которые были выработаны не сразу, до этого методика прошла сложный путь развития.

Методика преподавания ИЗО как науки обобщает практический опыт работы, предлагает такие методы обучения, которые уже оправдали себя и дают наилучшие результаты.

Методика преподавания изобразительного искусства – живая развивающаяся наука, впитывающая в себя все новации. Но для того чтобы новые технологии успешно реализовывались в практику необходимо знать исторический опыт и направления развития преподавания изобразительного искусства.

Успех воспитания и обучения во многом зависит от того, какие методы и приемы использует педагог, чтобы донести до детей определенное содержание, сформировать у них знания, умения, навыки, а также развить способности в той или иной области деятельности.

Под методами обучения изобразительной деятельности и конструированию понимают систему действий педагога, организующего практическую и познавательную деятельность детей, которая направлена на усвоение содержания, определенного Федеральным государственным образовательным стандартом начального общего образования.

Приемами обучения называют отдельные детали, составные части метода.

Традиционно методы обучения классифицируются по тому источнику, из которого дети получают знания, навыки и умения, по тем средствам, с помощью которых эти знания, умения и навыки преподносятся.

Так как дети школьного возраста приобретают знания в процессе непосредственного восприятия предметов и явлений окружающей действительности и из сообщений педагога (объяснения, рассказы), а также в непосредственной практической деятельности (конструирование, лепка, рисование и т.п.), то выделяют методы:

Наглядные;

Словесные;

Практические.

Это традиционная классификация. В последнее время разработана новая классификация методов. Авторами новой классификации являются: Лернер И.Я., Скаткин М.Н. она включает следующие методы обучения:

информативно - рецептивный;

репродуктивный;

исследовательский;

эвристический;

метод проблемного изложения материала

В информационно - рецептивный метод включаются следующие приемы:

рассматривание;

наблюдение;

экскурсия;

образец воспитателя;

показ воспитателя.

Словесный метод включает в себя:

рассказ, искусствоведческий рассказ;

использование образцов педагога;

художественное слово.

Репродуктивный метод - это метод, направленный на закрепление знаний и навыков детей. Это метод упражнений, доводящих навыки до автоматизма. Он включает в себя:

прием повтора;

работа на черновиках;

выполнение формообразующих движений рукой.

Эвристический метод направлен на проявление самостоятельности в каком- либо моменте работы на занятии, т.е. педагог предлагает ребенку выполнить часть работы самостоятельно.

Исследовательский метод направлен на развитие у детей не только самостоятельности, но и фантазии и творчества. Педагог предлагает самостоятельно выполнить не какую-либо часть, а всю работу. Метод проблемного изложения, по мнению дидактов не может быть использован в обучении младших школьников: он применим только лишь для старших школьников.

В своей деятельности учитель использует различные методы и приемы в рисовании, лепке, аппликации и конструировании.

Так в рисовании основной прием для первого класса - показ, как следует пользоваться карандашами и красками. Наиболее эффективный прием - пассивные движения, когда ребенок действует не самостоятельно, а с помощью. Эффективны игровые изобразительные движения однородного, ритмичного характера с проговариванием слов: «туда - сюда», «сверху - вниз» и т.д. Такой прием дает возможность связать образ предмета с изобразительным движением.

Использование литературных, музыкальных инструментов - важнейший методический прием. Еще один прием работы в начальных классах - сотворчество педагога с детьми.

В младших классах на занятиях по рисованию активно используется информационно - рецептивный метод. Особенно полезен перед занятием действенный способ знакомства с формой предмета: дети обводят форму рукой, играют с флажками, мячами, шарами, ощупывают их очертания. Такое обследование предмета создает более полное представление о нем.

Также эффективен прием обследования предмета движением руки по контуру и показ этого движения в воздухе.

Итак, основными методическими принципами обучения изобразительному искусству является ряд характеристик:

1. Доступность заданий.

Процесс рисования, связан с восприятием и изучением предметов действительности, с осмысливанием особенностей восприятия формы, среды, освещения, влияния одного цвета на другой и т.д. Каждый учитель знает о большом интересе детей к рисованию, всем знакома смелость и подчас большая выразительность самостоятельных детских рисунков. В связи с этим иногда возможности детей переоцениваются - им даются непосильные задания. Это не приносит им пользы.

Но не должно быть также и недооценки возможностей учащихся, чрезмерного сужения задач, ограничения круга изображаемых предметов. Такие требования могли иметь место в копировальной системе обучения, но оно несовместимо с задачами обучения реалистическому изображению, которое основано на зрительном восприятии предметов и явлений действительности.

С первых шагов обучения рисования, наряду с развитием восприятия конкретных предметов и явлений действительности, дети подводятся к пониманию элементов абстракции.

Чем глубже и полнее познают дети разнообразные явления действительности (например, перспективу, освещение), осмысливают особенности зрительного восприятия, тем становятся им доступнее приемы анализа видимой формы предметов, понимание правил построения рисунка переносится с одного предмета на другие, аналогичные по форме. Наряду с этим, делая выводы из наблюдений одного и того же явления на разных объектах и в разных условиях, конкретные представления абстрагируются учащимися в общие понятия и представления. Результатом каждого задания должен быть рисунок, в котором по возможности полно и убедительно учащийся передает предметы действительности.

Следовательно, доступность заданий в очень большой мере определяется характером изображения, к которому учитель подводит учащихся в решении конкретной задачи.

Таким образом, учет общего развития учащихся с нарушением слуха, развития их изобразительных возможностей определяет доступность выполнения заданий и требований к их рисункам.

2. Последовательность учебных задач

Определяя последовательность задач рисования, необходимо учитывать особенности восприятия учащимися предметов действительности и процесс изображения их на плоскости.

Процесс изображения протекает во времени, он расчленяется на отдельные этапы. Поэтому обучение рисованию связано с выработкой у учащихся умения вычленять в целостном зрительном образе отдельные стороны для того, чтобы передать их на плоскости, не упуская при этом целого.

Наряду с этим, с самого начала обучения у детей вырабатывается умение видеть в рисунке изображаемые предметы (за линиями, штрихами, тоном, цветом также целостно, как в действительности), а также, сравнивая изображение с действительностью, оценивать рисунок на всех стадиях его выполнения.

На любом этапе обучения, при любом самом простом задании в передаче целостных зрительных образов предметов, перед учащимися всегда ставится группа задач.

В обучении рисованию ведущее значение имеют задачи линейного построения формы предметов на плоскости листа. Основное развитие этих задач связано с постепенным овладением передачей в рисунке объема предметов и положения их в пространстве. На занятиях живописью акцент ставится на анализ цвета, рефлексию своих эмоций, связанных с тем или иным цветом.

3. Требования к рисункам учащихся.

Требования к рисункам учащихся можно объединить в две основные группы, соответствующие различным учебным задачам: требования, связанные с технической стороной работы и требования, связанные с эстетической стороной изобразительной деятельности:

Итак, технические требования могут быть таковы:

правильное расположение рисунка на листе;

передача пропорции предметов в соответствии с изображаемой действительностью;

овладение линией и пятном как средствами передачи формы предметов на плоскости;

передача характерных особенностей цвета предметов.

Также существуют требования к рисункам учащихся связанные с перспективным изображением предметов:

при изображении предметов с натуры передавать перспективные явления так, как они видны учащемуся с его точки зрения;

начиная с 3 класса рисования с натуры отдельных предметов прямоугольной формы передавать сокращения повернутых в глубину поверхностей предметов с определенной точки зрения, не нарушая при этом конструкции и пропорции;

правильно передавать направление линий основания и верха предметов, учитывая уровень своего зрения, и согласовывать в рисунке верх и низ изображаемого предмета, ориентируясь на определенный уровень зрения;

передавать дальнюю границу горизонтальной плоскости, на которой расположены предметы;

рисуя с натуры группы предметов, передавать на листе основания ближних предметов ниже, основания дальних - выше, в соответствии с конкретными пространственными взаимоотношениями предметов в натуре.

4. Сознательность и эмоциональность учебного процесса.

Для того чтобы достичь хороших результатов в обучении рисованию, наряду с правильным отбором заданий очень большую роль играет использование учителем всех учебно-воспитательных возможностей, заложенных в рисовании, как в процессе развития эстетических потребностей. Возможности его очень широки, так как процесс рисования - осмысленная передача действительности, обусловленная не только зрительным восприятием, но и пониманием ее сущности, осознанием особенностей.

Основные предпосылки активности учебного процесса - понимание детьми задач изображения и эмоциональное отношение как к натуре, так и к самому процессу рисования.

Для повышения качества всего процесса рисования необходимо возбудить у детей эмоциональное отношение, вызвать радостное ожидание интересной работы. Наряду с этим интерес должен закрепляться и поддерживаться эстетическими качествами самой натуры - ее формой, цветом, поверхностью, тем как она поставлена, освещена, на каком она фоне и хорошо ли видна рисующим. Они должны увидеть особенности натуры, осмыслить их, разобраться в том, что в предметах и положении их в пространстве для них знакомо, что - ново.

Первоначальное восприятие натуры бывает обычно целостно. Очень важно, чтобы оно было и эмоционально. Это оказывает большое воздействие и на дальнейшее развитие восприятия, связанное с анализом натуры.

Начиная рисование, необходимо пробудить у учащихся эмоциональное отношение к теме. Учитель может направить внимание учеников на просмотр картин, слушание музыки и т.п. Дополняя друг друга, эти средства эмоционального воздействия постепенно подведут детей к более полному восприятию действительности, а также и к выбору доступных им средств изображения.

На разных этапах обучения дети обычно испытывают чувство радости и эстетического удовлетворения от работы. Важным моментом в занятиях изобразительным искусством является рефлексия, формирование оценочного компонента. Анализируя свои рисунки в процессе работы и рисунки товарищей по окончании работы, школьники учатся не только передавать средствами изобразительного искусства окружающую действительность, но и сознавать понятия «прекрасное - некрасивое», «хорошее - дурное»… Это дает учителю возможность развивать вкус учащихся, знакомить их с материальной культурой современности и прошлого, совершенствовать технические умения.

Дидактические принципы и методы обучения на уроках изобразительного искусства и художественного труда

Введение

На протяжении веков школа накопила достаточно большой опыт обучения детей. Таким образом, сложились различные точки зрения на понятие, эффективность применения различных методов и принципов обучения.

Процесс обучения достаточно сложное явление, и его нельзя представлять как простую передачу знаний учителем ученикам, которые этими знаниями ещё не обладают. Здесь, естественно, возникают вопросы: «Чему учить?» и «Как учить?»

Законы, или правила, действующие в любой науке, отражают объективные, существенные и устойчивые её связи, а также обозначают определенные тенденции их развития. Однако эти законы не содержат непосредственных указаний для практических действий: они являются лишь теоретической основой для выработки технологии практической деятельности.

Задача дидактики состоит в том, чтобы на основе знаний об объективном развитии учебного процесса выяснить, как на основе закономерностей его развития разрабатываются принципы и правила обучения, которыми руководствуется учитель в своей практической работе. Все это актуализирует тему исследования.

Объект исследования: уроки изобразительного искусства и художественного труда.

Предмет исследования: дидактические принципы и методы обучения изобразительному искусству и художественному труду.

Гипотеза: правильно и умело организованное, методически грамотное использование дидактических принципов и методов обучения на уроках художественного труда и изобразительного искусства способствует повышению эффективности учебно-воспитательного процесса, а именно:

· Способствует повышению активности, заинтересованности учеников, что отражается на результатах труда.

· Способствует развитию любви к изобразительному искусству и художественному труду.

· Развивает такие качества, как: восприятие, внимание, воображение, мышление, память, речь, самоконтроль и д.р.

· Способствует быстрому и прочному усвоению знаний, которые перерастают в умения и навыки.

· Формирует умения применять полученные знания на практике.

Ц ель работы: изучение и обоснование влияния дидактических принципов и методов обучения на учебно-воспитательный процесс на уроках художественного труда и изобразительного искусства.

Из цели вытекают следующие задачи :

1.Рассмотреть понятия «дидактические принципы» и методы обучения.

2.Рассмотреть классификации методов и принципов обучения, их взаимосвязи.

3.Определить основные методы и принципы обучения, используемые на уроках художественного труда и изобразительного искусства.

4.Изучить особенности реализации основных методов и принципов, используемых на этих уроках.

5.Обосновать влияние дидактических принципов и методов обучения на активность школьников и эффективность учебно-воспитательного процесса.

При написании работы были использованы следующие методы психолого-педагогического исследования:

1. Изучение методической, психолого-педагогической литературы по рассматриваемой теме.

2. Наблюдение за учащимися.

3. Анализ собственного опыта работы в школе.

4. Анализ уроков художественного труда и изобразительного искусства.

Практическая значимость работы: представленный материал можно использовать в результате подготовки к урокам изобразительного искусства и художественного труда.

База исследования: средняя школа №165 г. Минска.

Объем работы: введение, основная часть и заключение.

1. Дидактические принципы и методы обучения на уроках изобразительного искусства и художественного труда

1.1 Понятие дидактических принципов обучения и их классификация

Принципы обучения являются необходимым инструментом в преподавательской деятельности. Благодаря этим принципам, происходит процесс соединения теоретических представлений с педагогической практикой. Принципы обучения в педагогике носят, прежде всего, рекомендательный характер, а необязательный. Это происходит потому, что деятельность педагога, во время процесса, обучения может преломляться через различные формы и приемы.

Принципы обучения – руководящие положения, лежащие в основе обучения и определяющие его содержание, методы и формы организации.

Принципы – основные исходные положения какой-либо теории, науки в целом, это основные требования, предъявляемые к чему-либо.

Педагогические принципы – это основные идеи, следование которым помогает наилучшим образом достигать поставленных педагогических целей.

Коменский в основу познания и обучения поставил чувственный опыт и теоретически обосновал, подробно раскрыл принцип наглядности. Наглядность применялась и до него. О ней говорили педагоги – гуманисты, пример, Томас Мор, характеризуя обучение на острове «утопия». Книги, как рукописные, так и печатные, снабжались нередко рисунками и раньше, но это было, так сказать, эмпирическое применение наглядности без теоретического обоснования ее, которое впервые дал Коменский.

Он понимал наглядность широко, не только как зрительное восприятие, но и как привлечение всех органов чувств к лучшему и ясному восприятию вещей и явлений. Коменский требовал, чтобы учение начиналось не со словесного толкования о вещах, а с конкретных наблюдений над ними.

Следует наблюдать, что возможно, в натуре; а в случае невозможности непосредственного наблюдения вещей их надо заменять картинами, моделями, рисунками.

Велика заслуга Коменского в разработке наглядности как одного из важнейших дидактических принципов: он гениально обосновал, обобщил, углубил и расширил имевшийся уже к тому времени некоторый практический опыт наглядного обучения, применил широко наглядность на практике, снабдив свои учебники рисунками.

Коменский настаивал на систематичности обучения. Он указывал на необходимость доводить учащихся до понимания связи между явлениями и так организовать учебный материал, чтобы он не казался учащимся хаосом, а был бы кратко изложен в виде немногих основных положений. Он считал, что в обучении надо идти от фактов к выводам, от примеров к правилам, которые систематизируют, обобщают эти факты и примеры; идти от конкретного к абстрактному, от легкого к трудному, от общего к частному; сначала давать общее представление о предмете или явлении, затем переходить к изучению отдельных его сторон.

Большое значение, по Коменскому, имеет последовательность обучения. Все предлагаемое ученикам для усвоения надо располагать – так, чтобы изучение нового материала было подготовлено предыдущими занятиями. Считаясь с возрастными особенностями детей, Коменский советует сначала развивать ощущения (чувства) учащихся, затем память, далее мышление и, наконец, речь и руку, так как ученик должен уметь правильно выразить усвоенное и применить это на деле.

Ценные указания дал Коменский, выдвинув дидактическое требование посильности обучения для учащихся. Детям следует давать для обучения только то, что доступно их возрасту. Посильность, доступность в обучении достигаются ясностью преподавания, сообщением основного без излишних деталей.

Выдвинув дидактическое требование прочности усвоения учащимися учебного материала, Коменский говорил, что надо закладывать «прочное основание», не спешить в обучении, добиваться, чтобы учащиеся вполне усвоили преподаваемое им: все имеющее связь должно преподаваться «в связи». Каждая тема должна резюмироваться в кратких, точных правилах.

Огромное значение для прочного усвоения имеют упражнения и повторение усвоенного учащимися материала. Сообщив новый учебный материал учащимся, учитель требует, чтобы вызванный им ученик изложил, повторил то, что было сказано им; вызывает и другого ученика сделать то же. Благодаря такому упражнению и повторению учитель ясно видит, что осталось непонятым учениками из его изложения. Повторенное несколько раз прочно запоминается. Большую роль при этом повторении вслух имеет развитие умения выразить то, что усвоил, да и самое усвоение становится более отчетливым и прочным. С этой целью Коменский рекомендует, чтобы учащиеся, усвоив что-либо, старались обучить этому других.

«Тому, что следует выполнять, нужно учиться на деле», – говорит Коменский, давая правила, по которым следует организовать упражнения. «Пусть в школах учатся писать, упражняясь в письме, говорить – упражняясь в речи, петь – упражняясь в пении, умозаключениям – упражняясь в умозаключениях, и т.д., чтобы школы были не чем иным, как мастерскими, в которых кипит работа».

Для правильного обучения навыкам надо учащимся дать определенную форму и норму того, что следует выполнять; употребление инструментов (например, при рисовании и т.п.) показать на деле, а не только рассказать, как инструменты употреблять. Упражнения надо начинать с элементов, а не с выполнения целых работ; это относится и к чтению (сначала буквы и слоги, затем слова, наконец фразы), и к рисованию (выполнение упражнений на рисование отдельных форм), и к художественному труду (сначала знакомство с видами швов, а потом изготовление игрушки), и к письму, и к грамматике, и к другим навыкам.

Показав учащимся, образец для подражания, учитель вначале должен требовать строгого, точного подражания форме, впоследствии выполнение может быть более свободным. Все допущенные учащимися отклонения от образцов должны тут же исправляться учителем, который свои замечания подкрепляет ссылкой на правила. При обучении надо сочетать синтез с анализом.

Коменский стремился, возможно, сильнее развивать познавательные способности учащихся, «воспламенить жажду знания и пылкое усердие к учению», для чего надо, указывал он, соединять приятное с полезным, поощрять детскую любознательность.

«У своих учеников я всегда развиваю самостоятельность в наблюдении, в речи, в практике и в применении» – писал он.

МЕТОДИКА ПРЕПОДАВАНИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

Краткий курс лекций

Кемерово 2015

Настоящее издание является учебно-методическим пособием по подготовке к междисциплинарному государственному экзамену по профессиональному модулю «Педагогическая деятельность» и включает краткий курс лекций по истории методов преподавания изобразительного искусства, теории и методике организации современного урока изобразительного искусства

Предназначен для студентов направления подготовки специалистов по специальностям 54.02.05 «Живопись: станковая живопись», 54.02.01 «Дизайн в культуре и искусстве», 54.02.02 «ДПИ и народные промыслы: художественная керамика»

Составители: А.М.Осипов, художественный руководитель,

преп. ГОУ СПО «КОХК»,

Е.О.Щербакова, методист ГОУ СПО «КОХК».

Зам.директора по УМР Т.В Семенец

Кемеровский областной художественный колледж, 2015

Тема 1. Цели и задачи художественно-педагогического образования……………………...……....4

Тема 2. Методика преподавания изобразительного искусства как предмет изучения…...………6

Тема 3. Методы обучения рисованию в Древнем мире и Средневековье……………..…………..8

Тема 4. Значение методических положений искусства эпохи Возрождения………………..……11

Тема 5. Модели художественного образования Нового времени в Западной Европе………….14

Тема 6.Формирование отечественной школы художественной педагогики в XVIII–XIX вв….…18

Тема 7. Академическая система художественного образования в России. ………………...……22

Тема 8. Методы обучения рисованию в советской школе……………………………………………25

Тема 9. Анализ программы Б.М.Неменского «Изобразительное искусство

и художественный труд»………………………………………..………………………………………….28

Тема 10. Учебные планы и программы………………………………………….………………………31

Тема 11. Раскадровка учебных заданий на уроках изобразительного искусства……………….33

Тема 12. Урок как основная форма организации учебного процесса……………..……………….36

Тема 13. Методические формы завершения урока. ………………...………………………………..39

Тема 14.Основные методические положения ведения изобразительной деятельности с дошкольниками……………………………………………………………………………...……………….42

Тема 15. Методика преподавания рисунка в ДХШ…………………………………………...………..45

Тема 16. Методика преподавания живописи в ДХШ…………………………….…………………….48

Тема 17. Методика преподавания композиции в ДХШ………………………………………..………49

Тема 18. Методика преподавания декоративно-прикладного искусства в ДХШ…………………50

Тема 19. Уроки-беседы по истории изобразительного искусства и методика их проведения…52

Тема 20. Роль наглядных материалов в процессе преподавания изобразительного искусства………………………………………………………………………………………………………55

Список используемой литературы…………………………………………………………………....….58

Учитель ИЗО должен сам владеть изобразительной грамотой, основы которой он преподает, должен уметь методически верно объяснить и наглядно показать процесс изображения того или иного объекта, того или иного приема, правила работы карандашом, кистью. Практика показывает: если педагог сам слабо владеет изобразительной грамотой, плохо рисует, не умеет связать закономерности перспективы, цветоведения, композиции с практикой рисования, то и его ученики не обладают этими знаниями и умениями.

Систематическое посещение учителем художественных выставок и мастерских художников, музеев, общение с художественной интеллигенцией, регулярное чтение книг и журналов по изобразительному искусству, творческая работа - необходимое условие повышения научно-теоретического, профессионального уровня педагога.

Методика преподавания изобразительного искусства как наука теоретически обобщает практический опыт работы, формулирует законы и правила обучения, выделяет технологию наиболее эффективных методов, предлагает их для внедрения. Методика основывается на научных данных педагогики, психологии, эстетики и искусствознания.

Конечно, в живом процессе преподавания у каждого педагога складывается своя методика работы, однако она должна строиться в соответствии с общими целями и задачами современного преподавания изобразительного искусства, которые были выработаны не сразу, до этого методика прошла сложный путь развития.

Методика преподавания ИЗО как науки обобщает практический опыт работы, предлагает такие методы обучения, которые уже оправдали себя и дают наилучшие результаты.

Методика преподавания изобразительного искусства – живая развивающаяся наука, впитывающая в себя все новации. Но для того чтобы новые технологии успешно реализовывались в практику необходимо знать исторический опыт и направления развития преподавания изобразительного искусства.

РАЗДЕЛ 2. ПЕДАГОГИЧЕСКИЕ ПРИНЦИПЫ РАЗЛИЧНЫХ ШКОЛ

Эпоха античной Греции была самой блестящей эпохой в истории развития изобразительного искусства древнего мира. Значение греческого изобразительного искусства чрезвычайно велико. Здесь был заложен метод научного понимания искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в чем она заключается. По их мнению, красота заключалась в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная закономерность человеческого тела в своем единстве создает гармонию красоты. Главный принцип софистов гласил: «Человек - мера всех вещей». Это положение легло в основу всего искусства Древней Греции.

Методы преподавания рисования в древнем Риме. Римляне очень любили изобразительное искусство, особенно произведения греческих художников. Широкое распространение получает портретное искусство, но римляне не внесли ничего нового в методику и систему преподавания, продолжая пользоваться достижениями греческих художников. Более того, много ценных положений рисунка они растеряли, не сумев их сохранить. Художники Рима в основном копировали произведения художников Греции. Постановка преподавания была иной, чем в греческих школах.

Римское общество требовало большого количества художников-ремесленников для оформления помещений, общественных зданий, сроки обучения были короткими. Поэтому метод обучения рисунку был ненаучный, рисунок стал условным и схематичным. При обучении рисованию преобладало копирование с образцов, механическое повторение приемов работы, что в свою очередь заставляло римских художников-педагогов все больше и больше отходить от методов обучения, которыми пользовались художники-педагоги Греции. Многие знатные вельможи и патриции сами занимались рисованием и живописью (например, Фабий Пиктор, Педий, Юлий Цезарь, Нерон и др.). В технике рисунка римляне впервые стали употреблять в качестве рисовального материала сангину.

Велика роль античной культуры в развитии реалистического искусства, в становлении и развитии академической системы обучения рисунку. Она и сегодня вдохновляет нас на поиски более эффективных методов преподавания изобразительного искусства, на научную разработку методов обучения рисованию.

Рисование в Средние века. В эпоху средневековья достижения реалистического искусства были преданы забвению. Художники не знали тех принципов построения изображения на плоскости, которыми пользовались в Древней Греции. Основой обучения считается механическое копирование образцов, а не рисование с натуры.

Живописцы первых веков христианства еще пользовались художественными формами античной живописи. За короткий срок были забыты и растеряны традиции реалистического искусства, рисунок стал условным и схематичным. Погибли рукописи - теоретические труды великих художников, а также многие прославленные произведения, которые могли служить образцами. Не практиковалось изучение природы и натуры в академическом понимании, т. к. реалистичная натура вызывала «земное» чувство, которое в эту эпоху заменилось духовными исканиями. Средневековые художники работали не с натуры, а по образцам, которые сшивались в тетради, представляли собой контурные зарисовки композиций различных церковных сюжетов, отдельных фигур, мотивов драпировок и т. д. На них ориентировались при выполнении как стенных росписей, так и произведений станковой живописи. Обучение рисованию проходило у мастера, который не соблюдал ни строгой системы, ни четких методов обучения. В основном ученики занимались самостоятельно, приглядываясь к работе мастера.

В основу обучения рисунку Прейслер кладет геометрию. Геометрия помогает рисовальщику видеть и понимать форму предмета, а при изображении ее на плоскости облегчает процесс построения. Однако, предупреждает Прейслер, применение геометрических фигур должно сочетаться со знанием правил и законов перспективы и пластической анатомии.

Руководство Прейслера очень высоко оценивалось современниками, оно несколько раз переиздавалось как за границей, так и в России. Более обстоятельной и четкой методической разработки по учебному рисунку в то время не было, поэтому труд Прейслера в России долгое время использовался не только в общеобразовательных учебных заведениях, но и в специальных художественных школах.

Безусловно, сегодня можно найти недостатки в книге Прейслера, но ради исторической правды надо указать, что для своего времени это было лучшее руководство. Те знания, которые ученик получал на основе изучения курса Прейслера, помогали ему в дальнейшем рисовать с натуры, а также рисовать по памяти и по представлению, что так важно для художника.

В 1834 году был опубликован в Санкт-Петербурге первый учебник А.П.Сапожникова - судьбоносное издание для российского искусства. Курс рисования А. П. Сапожников начинает со знакомства с различными линиями, потом знакомит с углами, после чего идет освоение различных геометрических фигур. Прежде чем приступить к рисованию объемных предметов, Сапожников предлагает продемонстрировать перед учащимися с помощью специальных моделей закон перспективы, опять начиная с линий, затем переходя к различным поверхностям и, наконец, к геометрическим телам. Далее идет знакомство с законами светотени, также при помощи показа моделей. Когда рисование простых геометрических тел хорошо освоено, Сапожников предлагает переходить к рисованию сложных тел: сначала даются группы геометрических тел, затем постепенно идет усложнение заданий вплоть до рисования гипсовых голов. Для показа конструкции человеческой головы автор предлагает пользоваться специально изготовленной им проволочной моделью, которая должна постоянно находиться рядом с гипсовой головой, в аналогичном повороте и положении.

Ценность метода Сапожникова заключается в том, что он основан на рисовании с натуры, причем это не просто копирование натуры, а анализ формы. Сапожников поставил своей целью приучить рисующих с натуры мыслить, анализировать, рассуждать.

Положительные моменты методики преподавания А. П. Сапожникова не потеряли своей значимости и в наше время, они используются отечественными методистами. По-военному лаконичная и простая, система легла в основу методики советской школы и стала государственной.

Изучая историю методики рисования, необходимо ознакомиться и с работой Г. А. Гиппиуса . В 1844 году он издает труд «Очерки теории рисования как общего учебного предмета». Это был первый капитальный труд по методике обучения рисованию в общеобразовательной школе. Здесь были сконцентрированы все передовые идеи педагогики того времени. Книга делится на две части - теоретическую и практическую. В теоретической части излагаются основные положения педагогики и изобразительного искусства. В практической части раскрывается методика обучения.

Гиппиус стремится научно - теоретически обосновать каждое положение методики преподавания рисования. По-новому он рассматривает и сам процесс преподавания. Методика преподавания, говорит Гиппиус, не должна придерживаться определенного шаблона, разными методами преподавания можно достигнуть хороших результатов. Чтобы научиться правильно рисовать, нужно научиться рассуждать и мыслить, говорит Гиппиус, а это необходимо всем людям, и надо это развивать с детского возраста. Много ценных методических советов и рекомендаций дает Гиппиус во второй части своей книги. Методика преподавания, по мнению Гиппиуса, должна основываться не только на данных практической работы, но и на данных науки, и прежде всего психологии. К учителю Гиппиус предъявляет очень высокие требования. Педагог должен не только много знать и уметь, но и выступать перед учениками как актер. Работа каждого ученика должна быть в поле зрения преподавателя. С вопросами методики Гиппиус тесно связывает обеспечение класса оборудованием и материалами.

Труд Г. А. Гиппиуса явился значительным вкладом в теорию и практику преподавания рисования как общеобразовательного предмета, он во многом обогатил методику преподавания. Такого серьезного и глубокого изучения вопросов методики преподавания в тот период мы не находим ни у одного, даже самого выдающегося представителя педагогической мысли.

В 1804 году школьным уставом рисование вводится во все уездные училища и гимназии. Из-за недостатка учителей в 1825 году в Москве по инициативе графа С. Г. Строганова основывается Училище технического рисования, где было отделение, готовившее учителей рисования для общеобразовательной школы. В 1843 году Министерство народного просвещения издало циркулярное предложение о замещении не имевших специального художественного образования учителей рисования, черчения и чистописания в уездных училищах учениками школы Строганова. До 1879 года это училище было единственным Учебным заведением, которое специально готовило преподавателей рисования.

Со второй половины XIX века вопросам методики преподавания начинают уделять особое внимание не только выдающиеся художники-педагоги, но и рядовые учителя школ. Они понимали, что без специальной методической подготовки нельзя успешно вести педагогическую работу

В 1864 году уставом средних учебных заведений рисование было исключено из числа обязательных предметов. В 1872 году рисование вновь включается в круг учебных предметов реальных и городских училищ. В том же 1872 году были учреждены «Бесплатные воскресные классы рисования для народа». Преподавание в этих классах велось вначале под наблюдением профессора живописи В. П. Верещагина и академика архитектуры А. М. Горностаева. С целью выработки методов преподавания рисования в общеобразовательных школах была создана специальная комиссия при Академии художеств. В эту комиссию входили выдающиеся художники: Н.Н. Ге, И.Н. Крамской, П.П. Чистяков. Комиссия занималась также составлением программы для средних учебных заведений.

Особенности художественной школы рисования П. П. Чистякова. Русский художник и профессор Академии художеств П. П. Чистяков считал, что Академия художеств времени его преподавания (1872-1892) нуждается в реформе и новых методах работы с воспитанниками, необходимо усовершенствовать методику преподавания рисунка, живописи, композиции.

Система преподавания Чистякова, охватывала различные стороны художественного процесса: взаимоотношения натуры и искусства, художника и действительности, психологии творчества и восприятия и т. д. Метод Чистякова воспитывал не просто художника-мастера, но художника-творца. Чистяков придавал решающее значение в своей системе рисунку, призывал проникать в самую суть видимых форм, воссоздавать на условном пространстве листа их убедительную конструктивную модель.

Достоинством системы преподавания Чистякова были целостность, единство на методологическом уровне всех ее элементов, логическое следование от одного этапа к другому: от рисунка, к светотени, затем к цвету, к сочинению (композиции).

Он придавал огромное значение цвету, видя в цвете важнейшее средство образной выразительности, раскрытия содержания произведения.

Сочинение картины есть итог обучения художника, когда тот был уже в состоянии осмыслить явления окружающей жизни, обобщить свои впечатления и знания в убедительных образах «По сюжету и прием» - было любимым выражением Чистякова.

Проводя анализ педагогической деятельности П. П. Чистякова, можно обозначить основные составляющие системы его работы, благодаря которым достигался высокий уровень качества обучения рисунку. Она складывалась из взаимодействия следующих компонентов:

· цели и задачи преподавания как отправная точка педагогической системы;

· научно обоснованное содержание учебного материала;

· применение разнообразных видов и форм проведения занятий, благодаря которым организовывалась деятельность учащихся по усвоению художественной грамоты по рисунку;

· различные формы контроля, с помощью которого предупреждались возможные отклонения от поставленных задач при выполнении рисунка;

· постоянное самосовершенствование самого П. П. Чистякова, которое было направлено, прежде всего, на совершенствование положительного воздействия на обучаемых.

Также составной частью системы работы Павла Петровича Чистякова являлись выстроенные взаимоотношения с учащимися, обращенные на общение с подопечными, диалог и уважение к личности. «Настоящий, развитой, хороший учитель палкой ученика не дует, в случае ошибки, неудачи и пр. старается осторожно разъяснить суть дела и ловко навести ученика на путь истинный». Обучая учеников рисованию надо стремиться активизировать их познавательную деятельность. Учитель должен дать направление, обратить внимание на главное, а решить эти задачи ученик должен сам. Что бы правильно решить эти задачи педагогу необходимо научить воспитанника не только обращать внимание на предмет, но и видеть его характерные стороны. Методы Чистякова, его способность угадать особый язык каждого таланта, бережное отношение к любому дарованию дали удивительные результаты. Его система преподавания воспитывала художника в подлинном смысле этого слова. Разнообразие творческих индивидуальностей учеников мастера говорит само за себя - это В. М. Васнецов, М. А. Врубель, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, А П. Рябушкин, В. А. Серов, В. И. Суриков и др.

Педагогические взгляды П. П. Чистякова получили признание уже в советское время. Его педагогическая система, революционная по своему характеру, не имеет аналогий в теории и практике других национальных художественных школ.

Как и обучение рисунку, науку живописи Чистяков разбивает на несколько этапов.

Первый этап - это овладение образным характером цвета, выработка у молодого художника, умения быть точным в определении цветового оттенка и в нахождении его верного пространственного положения. Второй этап должен научить ученика понимать движение цвета по форме как основное средство передачи натуры, третий - научить решать те ила иные сюжетно-пластические задачи с помощью цвета. Чистяков был подлинным новатором, превратившим педагогику в высокое творчество.

Тема 7. Академическая система художественного образования в России

· Императорская академия художества в России XVIII – в первой половине XIX в. и Воспитательное училище.

· А.П.Лосенко, А.Е.Егоров, В.К.Шебуев.

С 1758 г. научным и методическим центром художественного образования стала «Академия трех знатнейших художеств» и на протяжении всей своей истории Петербургская Академия была главным российским центром художественного образования. Крупнейшие русские архитекторы, скульпторы, живописцы, граверы прошли строгую, взыскательную выучку в Академии.

Академия художеств с самого возникновения была не только образовательным и воспитательным заведением, но и центром художественного просвещения, поскольку регулярно устраивала выставки. При ней были основаны музеи, научная библиотека. Чтобы развивать у учащихся хороший художественный вкус и возбудить интерес к искусствам, основатель и первый главный директор И.И.Шувалов решил окружить воспитанников блестящими произведениями. Он жертвует академии свое собрание картин и рисунков, а также личную библиотеку. После Шувалова академия сохраняла эту традицию многие годы, и она приносила делу большой успех, воспитывала у учеников чувство глубокого уважения к искусству и к академии. Академия снабжала учеников всеми необходимыми для работы материалами: бумагой всех сортов, красками, карандашами, холстом, подрамниками, кистями и лаками.

Основным учебным предметом в академии был рисунок. За лучшие учебные рисунки Совет академии выдавал авторам награды - малые и большие серебряные медали. По инициативе скульптора Жилле в 1760 году при академии был организован натурный класс, где серьезное внимание уделялось изучению анатомического строения человеческого тела. Здесь тщательно изучается скелет и «ободранная фигура», как тогда называли анатомический муляж.

Занятия рисованием строились следующим образом: «Классы разделялись на утренние, от 9 до 11, и вечерние, от 5 до 7 ч. В течение утренних классов каждый занимался своей специальностью, а вечером все, кто бы в каком классе ни был, рисовали французским карандашом. По истечении месяца рисунки выставлялись в классах на рассмотрение профессоров; это было что-то вроде экзаменов. Кроме того, каждую неделю выставлялись фигуры, гипсовые головы, по отношению к которым требовалось, чтобы контуры с них делались бы самые верные, хотя тушевка при этом и не была окончена. На месячные рассмотрения, или экзамены, эти недельные работы могли не представляться учениками, так как их рассматривал профессор в течение недели, но некоторые работы, исключительно приготовляемые для месячного экзамена, уже выставлялись к назначенному сроку непременно».

Воспитанники академии разделялись на группы по возрастам:

1-я группа - с 6 до 9 лет,

2-я - с 9 до 12,

3-я - с 12 до 15 лет,

4-я - с 15 до 18 лет.

1-я группа: В первой группе, помимо общеобразовательных дисциплин, практиковалось рисование с оригиналов, гипсов и с натуры. Рисование начиналось со знакомства с техникой и технологией. Карандаш требовалось держать дальше от очищенного конца, что давало большую свободу и подвижность руки. Образцами в оригинальных классах служили гравюры с рисунков выдающихся мастеров, рисунки преподавателей академии, а также и рисунки особо отличившихся учеников. Особой популярностью у преподавателей и воспитанников пользовались рисунки Греза. Выразительность линий в его рисунках помогала учащимся наглядно видеть и понимать пластику форм.

2-я группа: Во второй группе рисовали с оригиналов, гипсов и с натуры. К концу года ученика начинали копировать с оригиналов рисунки голов, частей человеческого тела и обнаженные человеческие фигуры (академии), вначале гипсовые, а затем живые. С натуры рисовали орнаменты и гипсовые головы.

3-я группа: Третьей группе изучались перспектива, рисование с оригиналов, гипсов и с натуры, живопись, скульптура, архитектура, гравировальное искусство. С натуры рисовали гипсовые фигуры Антиноя, Аполлона, Германика, Геракла, Геркулеса, Венеры Медицейской. Здесь ученик рисовал с гипсовых слепков до тех пор, пока у него не появлялись необходимые профессиональные навыки. После этого он мог перейти к рисованию живой натуры в натурном классе.

Чтобы досконально заучить фигуру, ученику приходилось рисовать одну и ту же постановку несколько раз. Чтобы досконально заучить фигуру, ученику приходилось рисовать одну и ту же постановку несколько раз. Известно, что К. П. Брюллов сделал сорок рисунков с группы Лаокоона. Мастерство было настолько велико, что некоторые академики могли начать рисунок с любого места.

При обучении рисунку большое значение придавалось личному показу. В инструкциях того времени указывалось, что учителя академии должны рисовать ту же натуру, что и ученики, - так воспитанники будут видеть, как должен протекать процесс построения рисунка и какого качества следует добиваться.

В одном из архивных документов читаем: «Предписать профессорам и учителям адъюнктам, чтобы все адъюнкты были в своих назначенных часах для рисования натуры, також смотреть, как Фонтебасс работает». То же мы читаем и в инструкции А. И. Мусина-Пушкина: «В Натурном классе быть всегда двум дежурным гг. художникам, из коих одному ставить натуру и поправлять работы ученические, а другому в то же время самому с ними рисовать или лепить».

К сожалению, этот прогрессивный метод подготовки будущих художников в дальнейшем вышел из употребления в педагогической практике. Если в современных учебных заведениях студент обязан выполнить программу курса в течение года, невзирая на успехи, то в академии XVIII века, а также в первой половине XIX века воспитанник мог переходить из одного класса в другой, например из гипсофигурного в натурный, только достигнув определенных успехов.

4-я группа: Воспитанники четвертой группы рисовали обнаженную живую натуру и изучали анатомию. Затем шел класс манекена и композиции, а также копирования живописных произведений в Эрмитаже.

Большой вклад в методику преподавания рисунка был сделан художниками и педагогами Академии художеств А. П. Лосенко и В. К. Шебуевым.

А. П. Лосенко начинает преподавать в академии с 1769 года. Прекрасный рисовальщик и замечательный педагог, уделявший много внимания не только практике, но и теории рисунка. Его яркая педагогическая деятельность очень скоро завоевала всеобщее признание. Начиная с Лосенко, русская академическая школа рисунка получила свое особое направление.

Лосенко поставил своей задачей дать научно-теоретическое обоснование каждому положению академического рисунка и прежде всего при рисовании фигуры человека. Для этой цели он начал основательно изучать пластическую анатомию, искать правила и законы пропорционального членения фигуры на части, вычерчивать схемы и таблицы для наглядного показа своим ученикам. С этого времени метод преподавания рисунка стал основываться на серьезном изучении анатомии, пропорций человеческой фигуры, перспективы. Все эти научные знания, необходимые художнику, Лосенко с большой убедительностью и ярким педагогическим талантом умел передавать своим ученикам. Понимая сложность и трудность сочетания двух различных дел - самостоятельной творческой работы и преподавания, Лосенко не жалел ни времени, ни сил ради дела, которому он служил. Отмечая эту особенность Лосенко как художник а-педагога, А. Н. Андреев писал: «Он проводил с ними (учениками) целые дни и ночи, учил их словом и делом, сам чертил для них академические этюды и анатомические рисунки, издал для руководства академии анатомию и пропорцию человеческого тела, коими пользовались и доныне пользуется вся последующая за ним школа; завел натурные классы, сам писал на одной скамье со своими учениками и произведениями своими еще более помогал к усовершенствованию вкуса учеников академии».

Заслуга Лосенко состоит не только в том, что он хорошо поставил дело преподавания рисования в Академии художеств, но и в том, что он позаботился о дальнейшем его развитии. В этом свою роль должны были сыграть его теоретические труды и учебные пособия.

К началу 19 века рисование как общеобразовательный предмет начинает получать широкое распространение. Много было сделано в этот период и в области издания различных пособий, руководств и самоучителей по рисованию.

Основные виды деятельности

· изображение на плоскости и в объеме (с натуры, по памяти и по представлению); декоративная и конструктивная работа;

· аппликация;

· объемно-пространственное моделирование;

· проектно-конструктивная деятельность;

· художественное фотографирование и видеосъемка; восприятие явлений действительности и произведений искусства;

· обсуждение работ товарищей, результатов коллективного творчества и индивидуальной работы на уроках;

· изучение художественного наследия;

· прослушивание музыкальных и литературных произведений

Учебно-методическое обеспечение - методические комплекты по программе, включающие учебники, рабочие тетради для школьников и методические пособия для учителей. Все издания под редакцией Б.М.Неменского.

I этап – начальная школа.

1 класс - фундамент - знакомство со способами работы, различными художественными материалами, развитие зоркости и владение материалом. «Ты изображаешь, украшаешь и строишь».

2 класс - « Ты и искусство» - введение ребят в мир искусства, эмоционально связанный с миром личных наблюдений, переживаний, раздумий. Формирование представлений о содержании и роли искусства

3 класс - «Искусство вокруг тебя» - приобщение детей к миру окружающей красоты.

4 класс - «Каждый народ художник» - формирование представления о многообразии и увлекательности худ. творчества во всех уголках

земли и у каждого народа.

II этап - средняя школа. Основы художественного мышления и знания. Углубленное изучение разнообразных видов и жанров искусства в контексте исторического развития, усиливаются межпредметные связи с уроками истории.

5 класс - Связи декоративной группы искусств с жизнью. Чувство гармонии с материалом

6 - 7 класс - Связи изобразительной группы искусств с жизнью. Освоение художественно-образных закономерностей искусства и их систематизация. Творчество художников.

8 класс - «Связи конструктивной группы искусств с жизнью». Архитектура - синтез всех видов искусства.

9 класс - обобщение пройденного. «Синтез пространственных и временных искусств».

III этап. Основы художественного сознания. Разделение практической и теоретической работы на параллельные курсы.

10-11 классы - Исторические связи искусств.

РАЗДЕЛ 3. ОРГАНИЗАЦИЯ И ПЛАНИРОВАНИЕ

Выполнение форэскизов.

Форэскизы – это композиционные наброски будущего рисунка, предшествующие работе на основном листе. Для этого можно пользоваться видоискателем – кусочком картона или бумаги, в котором вырезано небольшое прямоугольное отверстие. Студент, глядя через видоискатель, должен как бы видеть рамку будущей картины. Размеры рамки устанавливаются в зависимости от размеров основного листа бумаги. Сделав с помощью видоискателя несколько композиционных набросков, студент выбирает наиболее удовлетворяющий поставленной задаче и начинает работать на основном листе.

3. Стадии работы на формате .

Первый этап начинается с композиционного размещения изображения на листе бумаги. Затем устанавливаются основные пропорции и намечается общий вид натуры. Определяется пластическая характеристика главных масс. Чтобы детали не отвлекали внимание начинающего от основного характера формы, предлагается прищуривать глаза так, чтобы форма смотрелась как силуэт, как общее пятно, а детали исчезали. Изображение начинается легкими штрихами. Нужно избегать преждевременной загрузки листа ненужными пятнами и линиями. Форма прорисовывается очень обобщенно и схематично. Выявляется основной характер большой формы. Если это целая группа предметов (натюрморт), то студент должен уметь приравнять (вписать) их к единой фигуре, то есть обобщить.

Второй этап – конструктивное выявление формы предметов при помощи линий. Разная толщина контрастной линии позволяет выявить воздушность перспективы, конструкцию. Предметы должны выглядеть прозрачными, стеклянными.

Третий этап – пластическая моделировка формы тоном и детальная проработка рисунка.

Проработка деталей также требует определенной закономерности – каждую деталь надо рисовать в связи с другими. Рисуя деталь, нужно видеть целое.

Стадии проработки деталей активного анализа форм, выявление материальности натуры и взаимоотношения предметов в пространстве – этап ответственный. Используя законы перспективы (как линейной, так и воздушной), надо строить изображения на основе точного анализа отношений между всеми элементами формы. На данном этапе работы происходит детальная характеристика натуры: выявляется фактура модели, передается материальность предметов (гипс, ткань), рисунок тщательно прорабатывается в тональных отношениях. Когда все детали прорисованы и рисунок тщательно промоделирован тоном, начинается процесс обобщения.

Четвертый этап – подведение итогов. Это последняя и самая ответственная стадия работы над рисунком. На этом этапе студент подводит итоги проделанной работы: проверяет общее состояние рисунка, подчиняет детали целому, уточняет рисунок в тоне (подчиняет свет и тени, блики, рефлексы и полутона общему тону). На заключительном этапе работы желательно опять вернуться к свежему

первоначальному восприятию.

Последовательное ведение работы по живописи

Приступая к живописи, нужно, прежде всего, всмотреться в натуру, определив основные тональные и цветовые отношения

Предварительный эскиз

· поиск композиции (цветовая, колористическая организация) –

· поиск решения формы, пропорций, конструктивного строения

· поиск больших тонально-цветовых отношений (теплых и холодных, насыщенных и слабонасыщенных, светлых и темных цветов)

· окончательное определение формата и размера будущего этюда

Необходимо выполнить не менее трех эскизов, отличных один от другого, выбрать наилучший вариант, на основе которого будет выполняться работа. Эскиз должен сохраняться до конца работы над основным этюдом.

2. Подготовительный рисунок под живопись

Перенос композиции эскиза на основной холст. Рисунок под живопись должен быть точным и определенным, но его не следует детализировать

Работа над деталями

Переход от общих цветовых отношений к лепке формы цветом. Прописку формы надо вести равномерно по всей картинной плоскости.

Обобщение

Этап одновременного обобщения и подчеркивания характерных моментов для общего цветового единства

Итогом каждого из двух полугодий должна стать, как минимум, одна законченная композиция в цвете или графическая, может быть и серия цветовых или графических листов. Техника исполнения и формат работы обсуждается с преподавателем.

Самостоятельные работы по композиции просматриваются преподавателем еженедельно. Самостоятельная (внеаудиторная) работа может быть использована на выполнение домашнего задания детьми, посещение ими учреждений культуры (выставок, галерей, музеев и т. д.), участие детей в творческих мероприятиях, конкурсах и культурно-просветительской деятельности образовательного учреждения. Оценкой отмечаются все этапы работы: сбор материала, эскиз, картон, итоговая работа. Необходимо дать возможность ученику глубже проникнуть в предмет изображения, создав условия для проявления его творческой индивидуальности.

Типы уроков.

Наиболее распространенную и используемую на практике классификацию ввёл Б. П. Есипов и выделил следующие типы уроков:

1 тип: Изучение нового материала.

Вид урока.

Методика преподавания изобразительного искусства

В настоящее время существует очень большое количество методик рисования. И от того как мы научить рисовать детей, а сейчас еще и стало много обучаться искусству и взрослые люди, важно знать как же правильно нужно учить?

Мы в данной контрольной работе рассмотрим исторические периоды, эпохи разных цивилизаций и постараемся понять, что же такого важного и нужного для нашего поколения людей, живущих в период информационных технологий, во времени, где машины способны выполнять очень много функций. Но в этом наша с вами проблема, железо не в состоянии передать такое количество эмоций и переживаний, на которое способно человеческое умение в сфере искусства. На важно уметь понимать разницу между тем, что сделано с душой и теплотой, а что просто на фабрике, наштамповано в многотысячном экземпляре, но без души.

«История методов преподавания рисования - это не просто собрание интересных и достоверных фактов, это прежде всего история развития педагогических идей и взглядов», пишет Ростовцев в своей книге, посвященной изучению методов рисования в зарубежных странах, - «история методов преподавания не только рассказывает о прошлом, но и хранит накопленный опыт предыдущих поколений, помогает правильно решать современные задачи».

Эпоха первобытного общества.

Уже в ранний первобытный период люди стали учиться рисовать. Четкими линиями на поверхности кости или стены пещеры человек твердой и уверенной рукой воспроизводил различные предметы, животных и даже людей.

Для таких четких изображений ему необходимо было тренировать глаза и твердости руки. С таких моментов и в наше время начинается обучение в художественных школах и художественных училищах. Нас также учат контролировались движение руки, координируя ее с глазом и разумом.

Возможно усвоение навыков в древности носило характер непосредственного, живого наблюдения и подражания. Когда человек рисовал животных и сцены охоты, заинтересованная молодежь внимательно следила за его увлекательной работой. Возможно, кое-кто тут же начинал подражать ему, а другие позднее повторяли приемы работы. Такие же приемы используют у нас, проводя различные мастер – классы, открытые занятия.

В период неолита реалистическое направление идет по нисходящей линии. Умельцы постепенно утрачивают навыки правильной передачи форм предметов, изображения становятся все более схематичными и условными, первобытный художник приобретает способность абстрагировать, обобщать, понимать основу формообразования, подмечать сходство и различие в характере формы предметов. Это тоже задания, которые проходят и в наше время, когда учат делать стилизованные, упрощенные рисунки, особенно для тех, кто занимается дизайном.

В завершение древнего периода художник той поры придерживался определенных канонизированных форм и правил, которым он обучал своего ученика. А это тоже есть и у нас, различные пособия и таблицы, обучающие рисованию.

Эпоха Древнего Египта.

Древнего Египет – это время, во время которого впервые создаются специальные художественные школы, с ясной системой обучения, с четкой методикой преподавания рисунка. Эти школы учили правилам и законам построения изображения и требовали от учеников неукоснительного их соблюдения.

Были разработаны каноны для изображения человека, цветка лотоса, священных животных и различных предметов. Эти раз и навсегда установленные каноны, с одной стороны, помогали начинающему художнику быстро усваивать процесс построения изображения предметов, а с другой - сковывали и ограничивали его творческие возможности. Этот прием интересен нам в том, что на первых порах рисования, по нашему мнению, эту методику можно применить, рассказывая, показывая, а можно даже заучить правила построения многих предметов и живых существ, для того чтобы добиться большей реалистичности в рисунке.

При изображении человеческой фигуры глиняную поверхность доски египтяне предварительно расчерчивали тонкими линиями на ровные квадраты. Эти клетки служили ученику ориентирами для правильного изображения человеческой фигуры. В законченном рисунке эти клетки уничтожались: заминались пальцем и аккуратно разравнивалась поверхность доски.

Очень похож этот метод на наш, когда мы переносим эскиз на большой формат. Мы также используем сетку, ведь именно такой способ способствует тому, чтобы перенести рисунок правильно и не изменив его пропорции, а только увеличить масштаб.

Эпоха Античности.

Греческие художники позаимствовали у египтян метод изучении пропорциональных закономерностей строения человеческой фигуры - математический расчет. Но при этом греки, изучая природу, наблюдая красоту обнаженного человеческого тела, находили много прелести и гармонии, что не случайно и богов стали изображать по образу и подобию людей.

Это важно и нам научиться чувствовать, а не только механически передавать сходство предметов.

Аполлодор Афинский считается первым станковым живописцем, введшим в технику живописи смешивание красок между собой и их градации сообразно свету и тени.

А это произошло в V веке до н. э. Кто - то разве усомниться в правильности такого использования красок в современной натуралистической художественной школе. Научиться правильно сочетать цвета важная задачи.

Зевксис, художник Древней Греции, старался найти и установить идеал и канон красоты на основе изучения натуры. Это то чему учит современная школа рисования – научись создавать композицию, используя натурный материал.

Линия в рисунке играла первостепенную роль в эпохе Древней Греции. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, линиями наметить форму предмета. А это можно было сделать только в результате многолетней школьной выучки. Греческие художники владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела.

Разве мы не учимся рисовать с натуры, запоминать пропорции? Это важно, если мы хотим владеть правильным академическим рисунком.

Греческие художники впервые в истории развития учебного рисунка ввели в употребление светотень и дали образцы перспективного построения изображения на плоскости, заложив основы реалистического рисования с натуры.

Греческие художники-педагоги установили правильный метод обучения рисованию, в основе которого лежало рисование с натуры. Впервые у греков рисование как учебный предмет получает нужное направление. Особого внимания в этом отношении заслуживает сикионская школа рисунка и ее фактический глава - Памфил, благодаря которому рисование стало рассматриваться как общеобразовательный предмет и было введено во всех общеобразовательных школах Греции. Он первый понял, что рисование развивает пространственное мышление и образное представление, которые необходимы людям всех профессий.

Этот очень важный факт пытаются забыть нынешние учителя и дети в общеобразовательной школе. С каждым годом все меньше часов дается на изучение изо. А это, как мы видим, важный урок развития ребенка.

В эпоху римской империи художник-педагог меньше задумывался над высокими проблемами художественного творчества, его в основном интересовала ремесленно-техническая сторона дела. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование с образцов, механическое повторение приемов работы, что в свою очередь заставляло римских художников все больше и больше отходить от тех глубоко продуманных методов обучения.

Этот момент заслуживает нашего внимание, потому что мы всегда должны помнить, то что мы создаем своими руками, мы вкладываем свои эмоции. Не следует слепо повторять за кем-то, не обдумывая и прочувствовав. Если мы хотим сделать то, что заставит многих задуматься над жизнью – вот задача нашей работы. А простым штампованием пусть пользуются менее образованные люди.

Эпоха Средневековья.

В эпоху средневековья достижения реалистического искусства были преданы забвению. Художники не знали ни тех принципов построения изображения на плоскости, которыми пользовались великие мастера Древней Греции, ни достижений в области методики обучения, с помощью которых те воспитывали замечательных рисовальщиков и живописцев.

Идеологи средневекового изобразительного искусства отвергали реалистические тенденции потому, что реалистически переданная натура вызывала «земное» чувство у зрителя.

Мы можем также использовать этот метод тогда, когда желаем передать глубокий сюжетный смысл в изображении, чем и пользуются художники – абстракционисты.

В средние века очень большое внимание уделялось копированию, этот способ был главным в изображении. Вот один из вариантов, как нужно делать копии: «Если же на задней стороне подлинника нет ни рисунка, ни пятен, то наложи на него непромасленную бумагу, приставь его, против света, к окну или к оконной раме, и, видя все черты, тщательно вырисуй их на бумаге твоей, а света обозначь красною краскою. Снимок, сделанный таким образом, будет сходен с подлинником так же, как и первый».

Этим способом пользуемся и мы в наше время, прислоняя листы к окну, или размещая на стеклянной столешнице, подсвеченной пучком света. Такой метод копирования дает очень точный повторный рисунок.

Метод обучения рисунку в мастерских средневековья был чисто ремесленный: копирование образцов и приемов работы мастера. Не практиковалось изучение природы и натуры в академическом понимании. Обучение рисованию проходило у мастера, который не соблюдал ни строгой системы, ни четких методов обучения. В основном ученики занимались самостоятельно, приглядываясь к работе мастера.

Этот прием могут использовать учителя, которые не хотят научить строгим законам правил пропорций и перспективы. По нашему мнению, такие моменты обучения рисованию применимы в сфере дополнительно образования на занятия внеурочной деятельности, где нет таких строго закрепленных правил рисования, как в противовес художественных школ.

Эпоха Возрождения.

Эпоха возрождения тесно связана с искусством античности. Так как все крупные мастера, изучая раскопки древности, вдохновлялись к созданию своих произведений. Над проблемами рисунка начинают работать лучшие мастера изобразительного искусства, они стремятся возродить античную культуру, собирают и изучают памятники античного искусства. В своих изысканиях они опираются на достижения оптики, математики, анатомии. Учения о пропорциях, перспективе и пластической анатомии находятся в центре внимания теоретиков и практиков искусства.

Это означает, что для того чтобы создать ценный продукт в искусстве, не достаточно только правильно срисовать, проанализировав предмет. Важно и знать его конструкцию, его функцию, все внутренние части, чтобы суметь правильно передать характер предмета.

Ченнино Ченнини в своем «Трактате о живописи» писал: «Знай, что для того, чтобы научиться, надо немало времени: так, сначала в детстве, по крайней мере с год, надо упражняться в рисовании на дощечке. Затем - пробыть некоторое время у учителя в мастерской, чтобы уметь работать во всех отраслях нашего искусства. Затем - приняться за стирание красок и заниматься этим некоторое время, потом молоть гипс, приобрести навык в грунтовке гипсом досок, делать из гипса рельефы, скоблить, золотить, хорошо зернить. И так надо в течение шести лет. Затем - еще шесть лет практиковаться в живописи, орнаментировать при помощи протрав, писать золотые ткани, упражняться в работе на стене, все время рисовать, не пропуская ни праздничных, ни рабочих дней».

Только так и в наше время можно освоить все тонкости изготовления работ. В художественных училищах и высших учреждениях, студентам нужно научиться делать все этапы от изготовления подрамника до написания художественной работы на холсте. При этом стараться не пропускать занятий, работая каждый день, не замечая выходных и праздников.

«Три книги о живописи» создано величайшим флорентийским зодчим Леоном Баттистом Альберти. Альберти рассматривает рисование не как механическое упражнение, а как упражнение ума. Эта мудрая установка, а рисунок дала позже Микеланджело основание сказать: «Рисуют головой, а не руками». Очень важное замечание в практике рисования. Нужно обязательно продумывать, осознавать как и в какой последовательности вести работу.

Характерной особенностью методики преподавания рисования в эту эпоху был метод личного показа.

К методическим установкам относится также совет Альберти давать изображение крупного размера: «Смотри только не делай, как многие, которые учатся рисовать на маленьких дощечках. Я хочу, чтобы ты упражнялся в больших рисунках, почти равных по величине тому, что ты срисовываешь, ибо в маленьких рисунках легко скрадывается любая большая ошибка, но малейшая ошибка прекрасно видна на большом рисунке».

Этот момент важен, ведь и вправду, если научиться верно изображать в большом формате, то в меньшем будет так же легко и правильно.

Леонардо да Винчи неоднократно говорит о том, что научная теория в практической деятельности играет колоссальную роль, поэтому ученику необходимо сначала изучить теорию, а затем переходить к практике, он писал: «Обучайся сначала науке, а затем обратись к практике, порожденной этой наукой».

Из этого следует, что важно не только учиться механически овладевать навыками рисования, но и нужно обязательно изучать теорию. Книги – важное средство для достижения успеха.

Леонардо дает советы, как лучше организовать обучение рисованию: «Я говорю и утверждаю, что рисовать в обществе много лучше, чем одному и по многим основаниям. Первое - это то, что тебе будет стыдно, если в среде рисовальщиков на тебя будут смотреть, как на неуспевающего, и этот стыд будет причиной хорошего учения; во-вторых, хорошая зависть тебя побудит быть в числе более восхваляемых, чем ты, так как похвалы другим будут тебя пришпоривать; и еще то, что ты позаимствуешь от работы тех, кто делает лучше тебя».

Это предложение несет в себе много вопросов: количество воспитанников на занятии, возрастные особенности и т. д. Но сам факт того, что на этапе учения важно находиться в коллективе единомышленников, важный пункт для создания творческой атмосферы.

Труды другого художника эпохи Возрождения-Альбрехта Дюрера мы рассмотрим.

Особенно большую ценность для художественной педагогики представляет разработанный Дюрером метод обобщения формы (позднее получивший название обрубовки). Дать правильное перспективное изображение сложной фигуры, например головы, кисти руки, фигуры человека, очень трудно, а для новичка - просто невозможно. Но если предельно обобщить сложную форму до прямолинейных геометрических форм, то можно легко справиться с задачей не только опытному, но и начинающему художнику.

Этому методу нас учат и сейчас, анализируя фигуры и ее элементы, мы находим множество геометрических фигур, которые упрощают рисунок, избегая ненужной детализации.

В эпоху Возрождения метод конструктивного анализа формы широко применялся художниками - педагогами. Об этом убедительно говорят многие рисунки, в том числе рисунок Гольбейна, где показана не только схема конструктивного строения головы, но и изменения перспективного вида конструкции при каждом повороте. Если голова наклонена вниз, то и вершины конструктивных дуг обращены книзу; если голова запрокинута вверх, то и вершины дуг обращены вверх; если голова находится на уровне зрения рисовальщика, то они превращаются в параллельные прямые.

Эти знания мы применяем на практике, когда трудно определить, наклонена голова вниз или запрокинута вверх, то знание закономерности конструктивного строения головы поможет правильно установить в рисунке ее наклон и поворот.

Труды мастеров эпохи Возрождения в области перспективы помогли художникам справиться с труднейшей проблемой построения трехмерной формы предметов на плоскости. Они доказали правильность и обоснованность своих положений как теоретически, так и практически. Много внимания уделяли живописцы Возрождения также изучению пластической анатомии. Почти всех рисовальщиков интересовали законы пропорционального соотношения частей человеческого тела.

Мастера Возрождения умело использовали данные своих наблюдений в практике изобразительного искусства. Их произведения поражают зрителя глубоким знанием анатомии, перспективы, законов оптики.

Положив в основу изобразительного искусства данные науки, художники Возрождения особое внимание уделили рисунку. Рисунок, заявляли они, содержит в себе все самое главное, что требуется для успешной творческой работы.

Эпоха XVII века.

XVII век в истории методов обучения рисованию следует рассматривать как период становления рисования как учебного предмета и развития новой педагогической системы преподавания - академической. Самой характерной особенностью этого периода является создание специальных учебных заведений -академий художеств и художественных школ, где было серьезно поставлено преподавание рисунка.

Академическая школа Карраччи давала хорошие результаты. Каждый окончивший ее прекрасно владел любым рисовальным материалом, понимал значение тона, знал законы перспективы и пластическую анатомию.

Карраччи впервые в истории обучения рисунку ввели в своей Академии награды за лучшее исполнение учебной работы. Выделение лучшего, поощрение его успехов - плодотворный метод работы с учениками. Распределяя награды среди лучших воспитанников, Карраччи добивались того, что менее успевающие старались приложить все силы к тому, чтобы выйти на первое место и получить награду. Это своеобразное соревнование вселяло в каждого ученика стремление стать первым.

Этот метод поощрения применяется и в наше дни, что особенно важно для студентов, когда за хорошее исполнение можно получить не только приятную оценку, но и материальное вознаграждение.

Характерной чертой всех последующих академий стала традиционность. Изучая наследие и воспринимая художественную культуру своих предшественников, академии несли все это следующему поколению художников, строго оберегая ту великую и незыблемую основу, на которой создалась эта традиция.

В период увлечения новыми течениями в изобразительном искусстве, которое началось в конце XIX и получило широкий размах в первой четверти XX века, академическая система обучения подвергалась порой незаслуженной критике. Многие художники и искусствоведы стали скептически относиться к академическому направлению в искусстве.

По нашему мнению, ничто новое и непонятное не имеет такой ценности, как говорили некоторые «сухой академизм». Нельзя создавать, не зная правил. Только при тщательном обучении всех закономерностей, можно прийти к реалистическому академическому изображению. А вот потом, по настроению каждого художника, можно отправляться на изучение и создание чего – то нового, экстравагантного.

Рисунок - основа основ. Овладеть рисунком без серьезных научных знаний нельзя. Овладевая рисунком, ученик одновременно познает мир. Так можно делать вывод - занятия рисованием полезны для всех.

Недостатком академической системы обучения того времени было не уделение внимания индивидуальности молодого художника. Здесь сыграла свою роль эстетика классицизма, где индивидуальность целиком подчинена интересам нации, государства, вела к идеализации природы и человека, к отказу от передачи индивидуальных черт натуры.

Эпоха XVIII - середины XIX веков.

Начиная с XVIII и до второй половины XIX века художественные академии франции, Англии, России, Германии переживают свой «золотой век». Они указывают художникам пути к вершинам искусства, воспитывают художественный вкус, определяют эстетический идеал. Рисунок как основа основ изобразительного искусства стоит в центре внимания всех академий. Ему придается особое значение как самостоятельному учебному предмету.

Вот и сегодня начиная с художественных школ рисунок является отдельным самостоятельным предметом.

Особенно много было сделано академиями в области разработки методики преподавания рисунка, живописи, композиции. Почти каждый преподаватель академии думал над тем, как усовершенствовать методику, как облегчить и сократить процесс усвоения материала учениками.

И в наши дни многие создают свои методики, разрабатывают программы по обучению в сфере рисования.

В искусстве идет спор между академизмом и реальностью. Гёте пишет: «Ученику сперва нужно знать, чего ему следует искать, чем может художник воспользоваться в природе, как должен он использовать это в целях искусства. Если же у него нет этих предварительных знаний, то ему не поможет никакой опыт, и он, как многие из наших современников, станет изображать лишь обычное, полузанимательное, или сбившись в сентиментальность, - ложно занимательное». И далее: «Не следует, однако, забывать, что, толкая ученика без художественного образования к природе, его удаляют одновременно и от природы и от искусства».

В современном искусстве мы встретим все жанры, техники исполнения рисования. Нынешнее время очень разнородно. Это и хорошо и плохо. Поэтому очень важно сначала освоить академизм, а затем творить по своему усмотрению, при этом понимая, что является идеалом в искусстве.

Придавая большое значение методическому руководству, впервые в западноевропейской художественной педагогике Рейнольде выдвигает мысль, что преподавание требует творческого подхода, что обучение рисованию - тоже искусство.

Об этом идет речь и сейчас – наука или творчество – из чего же состоит педагогика. Думается, что нужно уметь правильно совместить эти два направления, тогда и появится современное правильное занятие, куда дети захотят пойти учится.

Создавая новое в искусстве, надо бережно относиться к старому, призывает Луи Давид: « Не заблуждайтесь, граждане, музей отнюдь не бесполезное собрание предметов роскоши и развлечения, которые способны лишь удовлетворять любопытство. Он должен сделаться серьезной школой. Учителя пошлют туда своих юных питомцев, отец поведет туда сына. При виде гениальных творений юноша почувствует, как заговорят в нем те способности к наукам или искусству, которые вдохнула в него природа».

Мы и сейчас стараемся не только дать теорию, практику, но и научить видеть и помнить созданные другими художниками произведения. Это в большей мере эмоционально выражается при поездках на экскурсии, выставки, походы в музеи.

Очень интересна методика рисунка Дюпюи: начинать изображение не с частей, а с общего (с большой формы). Для осуществления этой задачи Дюпюи сделал специальные группы моделей головы, частей тела, человеческой фигуры. Каждая группа состояла из четырех моделей и отражала определенную методическую последовательность в построении изображения. Например, для объяснения последовательности изображения головы предлагались четыре модели: первая - показывала форму головы в общих чертах; вторая - в виде обрубовки; третья - с намеком на детали и последняя- с детальной проработкой формы. Таким же образом анализировалась форма кистей рук, ног. Такая методика работы с учениками была настолько эффективна, что этот метод преподавания нашел широкое распространение и в общеобразовательной школе, и в специальной художественной.

Этот методика рисунка очень познавательна. Многие моменты есть и сейчас, но только небольшого количества главных атрибутов, конечно было бы лучше, если бы все специальные учреждения имели хорошую материальную, наглядную базу.

Песталоцци утверждал, что рисование должно предшествовать письму,- не только потому, что оно облегчает процесс овладения начертанием букв, но и потому, что оно легче усваивается.

Конечно же дети сначала осваивают простые навыки в рисунке, а затем написание букв и цифр, это явно видно в методике преподавания занятий в детских садах.

Педагогическое понимание особенностей развития человека, в особенности в его детские годы, помогает учителям рисования правильно строить учебный процесс в школах. Особая роль рисованию отводится как общеобразовательному предмету.

Наиболее прогрессивным и действенным признается геометральный метод, так как он помогает ребенку анализировать форму предметов, легче усваивать законы перспективы.

Эпоха конца XIX – начала XX века.

Со второй половины XIX века интерес к вопросам методики преподавания рисования в специальной художественной школе заметно ослабевает. В то же время в средней школе методика обучения разрабатывается в более широком плане. Методикой преподавания рисования занимаются не только художники, но и искусствоведы, психологи, врачи; они ведут наблюдения за учениками, проводят эксперименты, на основе которых предлагают формы и методы обучения, применяют специальные модели и наглядные пособия, которые помогают учащимся быстрее и лучше усваивать учебный материал. Особенно много издается пособий по начальному обучению рисованию.

В наше время большое внимание уделяется раннему развитию детей, осваивается с самого раннего возраста методика нетрадиционного рисования.

Л. Тэдд уже начинает включать в предмет рисование в школе более широкий круг занятий - лепку из глины, резьбу по дереву, металлические работы и т. д. По его мнению, «при изображении форм рисунком, глиной или на дереве, благодаря разнообразию материалов, приобретаются и усваиваются всевозможные физические координации. После занятий общего элементарного курса следуют работы столярные, металлические, черчение механическое и архитектурное, рисование и живопись с натуры».

В наше время также существует множество организаций дополнительного образования, училищ, где дети могут освоить разнообразные техники, изучить множество материалов и работу с ними.

Исследуя методы преподавания рисования в общеобразовательных школах в конце XIX - начале XX века мы увидим, что в этот период учебный предмет рисование включал уже четыре вида занятий: рисование с натуры где занимались рисунком и живописью, декоративное рисование (занятия декоративно-прикладным искусством), тематическое рисование и беседы об искусстве

Это все дисциплины включены в современную программу в художественной школе.

Исследуя историю преподавания рисования в общеобразовательных школах с последней четверти XIX века и до середины XX века, мы увидим, что разработка методов обучения пошла по двум направлениям: представители геометрального метода отстаивают академическое направление в обучении рисунку, научное содержание и руководящую роль педагога. Представители натурального метода, отвергая академическое направление в искусстве и направляющую роль учителя в обучении рисунку, придерживаются метода «свободного воспитания».

За короткий промежуток времени на Западе возникают различные художественные направления: неоимпрессионизм, кубизм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм и многие другие. Беспорядочная борьба мнений и веяний в эту эпоху вносила еще большую неорганизованность и путаницу в методику преподавания художественных дисциплин и прежде всего рисунка. Многие выступали против академического обучения, считая, что в школе художник теряет свои природные качества. В результате господства этих взглядов искусство стало деградировать.

«Изучая историю методов преподавания рисования как в общеобразовательных, так и в художественных учебных заведениях, мы должны взять на вооружение все лучшее, что было в прошлом, и не только из зарубежных школ, но и из нашей русской школы», - пишет Ростовцев.

От того кто и как преподает в учреждениях, обучающих искусство, то такое поколение мы получим в будущем. Нача с вами задача научиться самим синтезировать все знания рисунка и академические и свободолюбивые. Только после мы сможем научить наших воспитанников всему, главное привить им желание творить и создавать красоту.