Стили иллюстраций — как развить свой стиль. Стили и направления живописи

Художники всех времен и народов рисовали лишь то, что они хотели. Они отображали на холстах мир таким, каким видят его только они. Донести свои чувства, эмоции, цвета, оттенки и игру теней до других людей весьма проблематично, поэтому они создавали новые стили рисования и техники. Конечно, нельзя распределить все искусство по нескольким категориям, но это помогает увидеть общую картину и создать правильное

впечатление. Как и в случае с одеждой, в изобразительном мода на определенные стили, которые время от времени сменяют друг друга. Давайте же посмотрим, какими основными категориями они представлены на сегодняшний день.

Абстракционизм

Это направление не признается многими простыми обывателями, поскольку на картинах нельзя увидеть привычные для нас формы и цвета. Но именно на этом и делают акцент художники. Сам термин в переводе означает удаление или отвлечение от реальности. Главная цель - достичь гармонии форм и оттенков цветов, тем самым вызывая у созерцателя определенные ассоциации. Основоположником был Василий Кандинский, но, пожалуй, самым известным произведением искусства стал «Черный квадрат» Казимира Малевича.

Импрессионизм

Стили рисования данного направления воссоздают впечатления от увиденного, форма не имеет значения. Картины, как правило, создаются энергичными штрихами, а мелкие детали практически отсутствуют. Зародилось направление во Франции в конце 19 века. Главным для художника было не то, что он рисует, а то, как оно выглядит на холсте. Проблемой этого стиля можно назвать чрезмерную позитивность и полное отсутствие социальных проблем, в итоге это привело к расколу среди импрессионистов.

Ярким представителем являлся Клод Моне («Впечатление. Восходящее солнце»)

Сюрреализм

Отличительной особенностью данного стиля являются аллюзии и невероятные сочетания форм и размеров предметов. Тем, кто привнес эту идеологию в искусство, был а наиболее ярким последователем оказался Сальвадор Дали. Если описать картины в двух словах, то они скорее похожи на что-то среднее между сном и реальностью. Стили рисования в данном направлении были далеки от рациональной эстетики, так как привычные детали предстают перед нами в вытянутом, увеличенном или чересчур уменьшенном виде, не говоря уже о том, что само сочетание их абсурдно.

Реализм

Стили рисования, с которых мы начали, далеки от реальности, однако самым распространенным направлением все-таки считается именно реализм.

С него начинается обучение в школе умение отобразить на листе бумаги то, что мы видим, в правильных пропорциях и в естественных цветах.

Гиперреализм

А вот современные стили рисования, гиперреализм, к примеру, отличаются такой правдоподобностью, что они больше похожи на фотографии, нежели на рисунок. Именно этот момент и заставляет замирать при виде картин, написанных представителями этого направления. На портретах можно разглядеть каждый волосок, малейшие блики в глазах и даже морщинки. А от мурашки по телу бегут. Теперь вы знаете, какие бывают стили рисования, и можете спокойно идти на выставку, не боясь выставить себя абсолютным дилетантом в данном вопросе.

Персонаж - вымышленное одушевленное лицо, обладающее определенным характером и уникальными внешними данными. В изобразительном искусстве персонажи делятся на две основные категории: анимационные и статичные. Принципиальное отличие анимационного персонажа от статичного, заключается в особом построении персонажа, благодаря которому работа аниматоров с героем будет значительно облегчена.

РАЗРАБОТКА ОБРАЗА ПЕРСОНАЖА

Поиск образа персонажа является самым ответственным и интересным этапом. В выборе образа необходимо учесть не только личные качества героя, но и его гармоничное сочетание с окружающим миром. Также персонаж должен быть выразительным и "не избитым", обладать определенной долей шарма.

Для начала необходимо изучить вводные материалы (ТЗ, сценарий, литературное и режиссерское описание персонажей), пообщаться с режиссером, который попытается как можно точнее донести свои мысли до художника. Ознакомиться с особенностями стилистики проекта, про которую расскажет художник-постановщик, либо режиссер, если на этапе создания персонажей художника-постановщика на проекте еще нет. По результатам знакомства с проектом стоит сделать ряд зарисовок, отметив для себя какие-то наиболее важные моменты, которые пригодятся в дальнейшей работе с персонажем.

В первую очередь необходимо представить самые яркие эпизоды из прочитанного сценария, и попытаться накидать простые концепты наиболее впечатливших сцен с участием главного героя. Это делается для того, чтобы прочувствовать основные признаки будущего персонажа - его массу, осанку, телосложение.

После того, как вам удалось поймать подходящий на ваш взгляд образ, обладающий размытыми, но уже более-менее понятными очертаниями, можно приступить к уточнению стиля - поиску формы прически, одежды, персональных предметов не вдаваясь в детали. На этом этапе не следует цепляться за какой-то удачно получившийся образ. Задача художника нарисовать много различных вариантов не связанных между собой , из которых потом будет выбран наиболее удачный.

Не стоит также забывать, что персонаж должен легко "читаться" зрителем. Для проверки "читабельности" персонажа достаточно закрасить его черным цветом , после чего силуэт персонажа должен быть узнаваем и выглядеть достаточно эффектно.

Следующий этап - "обкатка" персонажа.
Выбранный, но пока сырой вариант обыгрывается в действии. Для этого потребуется нарисовать персонажа в присущих ему позах. Лишние детали по ходу работы исключаются и заменяются на новые, более подходящие для героя и наиболее удобные в работе.

К заключительному этапу в создании образа персонажа, как правило, приступают после утверждения и корректировки наиболее подходящего варианта выбранного режиссером (заказчиком). Теперь задача художника - это работа с деталями и доведение образа.

Последний штрих - покраска персонажа .
Итоговый вариант персонажа в цвете сопровождается комментариями, в которых указываются используемые цветовые значения для каждого отдельного элемента образа в RGB или CMYK (в зависимости от используемого на проекте софта). Использование нетрадиционной стилистики при наложении на персонажа света и тени, подразумевает дополнительную разработку схемы свето-теней.

ХАРАКТЕРНЫЕ ПОЗЫ ПЕРСОНАЖА

Характерные позы персонажа дополняют описание литературного образа героя. Они помогают визуально показать характер героя, его привычки и поведение. Ключевая задача художника - максимально точно передать идею режиссера, наделив героя свойственными ему (по сценарию) качествами.

Характерные позы персонажа бывают "Естественные" (непринужденные), "Привычные" (рефлекторные) и "Постановочные" (эмоциональные):

- "Естественные позы " - это спокойные состояния персонажа в положении стоя с опорой на одну ногу. Реже опорными являются обе ноги, с равномерно распределенным центром тяжести.

- "Привычные позы " - характерные для героя положения тела, принимаемые рефлекторно в соответствии с настроением персонажа, например: задумчивость, возбужденность, усталость.

- "Постановочные позы " - нарочито-преувеличенные позы принимаемые героем в присутствии третьего лица, например: флирт, восторг, удивление, стыд.

Вне зависимости от типа, поза должна быть достаточно яркой и выразительной. Нужный эффект достигается за счет осанки*, постановки рук и ног, положения головы, мимики и жестов.

Любопытный факт:

При создании персонажей, многие художники непроизвольно наделяют своих героев искривленной, с медицинской точки зрения осанкой. Если рассмотреть различные типы осанок по Ф.Штаффелю, то искривление позвоночника присуще почти всем типажам:

- "Плоско-вогнутая " спина характерна для женщин. Такой изгиб спины хорошо подчеркивает женские формы в области талии и бедер;

- "Плоская спина " свойственна военным, когда нужно преувеличенно показать выправку;

- "Круглая спина ", как правило, принадлежит долговязому, неуверенному в себе молодому чело-веку или высокому, худощавому старцу;

- "Вогнуто-круглой спиной" обладают монстры с мощным торсом.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

Позиция головы, в сочетании с мимикой и жестами, выразительней передает настрой персонажа. Голова имеет пять основных положений: прямо, вниз, вверх, вверх, вбок, в сторону.

Положение головы персонажа напрямую связано с настроением героя. К примеру: голова приподнятая вверх подчеркнет уверенность, высокомерие или мечтательность; опущенная - ярость и агрессию, усталость или грусть; чуть опущенная с наклоном в сторону - смущение и флирт, а в положении прямо - удивление, страх или раздражение. Несмотря на определенную закономерность, существуют приемы, нарушающие эти принципы, но это уже можно считать исключением из правил.

В отличие от художников со стажем, полагающихся на свой опыт и интуицию, начинающим художникам будет не лишним почитать специальную литературу по психологии мимики и жеста, тем более эта тема достаточно интересна и помогает художнику выявлять определенные закономерности в поведении человека самостоятельно.

ПОСТРОЕНИЕ ПЕРСОНАЖА

При создании анимационного персонажа, художник должен не только представлять как персонаж будет двигаться, но и наглядно объяснить это аниматору, который в последствии будет работать с персонажем. Для этого персонаж разбирается на так называемые "болванки", после чего рисуется схема построения персонажа .

Как мы знаем, любой сложный объект состоит из простых форм (кружков, овалов, треугольников, прямоугольников). Задача художника детально разобрать своего персонажа на простые формы, показать способы их соединения на осевых линиях и уточнить пропорции. Схема построения персонажа должна быть проста, логична, удобна и понятна. Чем грамотнее продумана схема построения, тем проще будет дальнейшая работа с персонажем. Стоит отметить, что техника создания персонажа у каждого художника индивидуальна - одни сразу строят персонажа при его создании, другие рисуют персонажа без построения, ориентируясь на свой опыт и интуицию. Тем не менее, независимо от техники создания персонажа, разбирать его на "болванки" всеже придется, если конечно речь не идет об особой анимационной стилистике, где важен только образ, а построение персонажа не играет большой роли.

Примерно так может выглядеть персонаж

Не редко бывают случаи, когда возникает необходимость приспособить (адаптировать) статичного персонажа с иллюстрации для анимационного проекта. Для этого достаточно заново построить персонажа, разбив его на "болванки", вместе с тем упрощая мелкие детали.

Пример статичного персонажа приспособленного (адаптированного) к анимации.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

С животными работа происходит по той же схеме как и с людьми.

ЭМОЦИИ ПЕРСОНАЖА

Любой персонаж должен уметь выражать свои эмоции на происходящие события . Чем ярче и разнообразнее мимика персонажа, тем интересней можно обыграть его реакцию на то или иное событие. Стилистика персонажа задает рамки, в которых создаются эмоции в преувеличенном виде, степень которых зависит от "мультяшности" героя.

В зависимости от сложности проекта, карта эмоций может сильно отличаться. Конкретные эмоции и их количество, необходимое для определенного проекта обычно обусловлено техническим заданием.

УТОЧНЕНИЕ ДЕТАЛЕЙ

Аксессуары, элементы одежды и прическа персонажа, играют важную роль в создании уникального, запоминающегося образа. В процессе разработки деталей, важно не только визуальную воплотить идею расположения дополнительных элементов в образе персонажа, но и уточнить как эти детали "работают". Художник должен понимать функциональное назначение придуманных им элементов, их практическое применение, взаимодействие с персонажем, как они будут двигаться в анимации, чтобы передать это визуально в комплекте документов по разработке персонажа.

Для уточнения деталей создаются дополнительные листы.

СРАВНИТЕЛЬНАЯ ТАБЛИЦА

Сравнительная таблица персонажей (линейка) - разлинованный лист, на котором размещены все герои мультипликационного фильма таким образом, чтобы с помощью сравнительных линий или масштабной сетки, можно было наглядно продемонстрировать пропорциональное соотношение персонажей (в первую очередь их рост).

Эпизодичные персонажи, как правило, не включаются в сравнительную таблицу. Для них создается отдельный лист, привязанный к "линейке" с помощью масштабной сетки. Либо делается сравнение с героем из таблицы (с которым взаимодействует эпизодичный персонаж).

Под стилем понимают сформировавшийся комплекс изобразительных приемов, выразительных средств, идентифицирующий художественную самобытность явления искусства. Слово «стиль» происходит от лат. stilus, от греч. stylos, что означает «остроконечная палочка для письма». Стили между собой неравнозначны — какой-то стиль существует веками, какой-то был актуален всего несколько лет. Деление творчества художников на стили, или направления, носит условный характер. Происходит это потому, что четко обозначить границы того или иного стиля не представляется возможным. Количество стилей и их виды – величина непостоянная; непрерывно происходят движения, изменения, развитие. Существует практически бесконечное их разнообразие.

Абстракционизм

В.В. Кандинский «Доминирующая кривая»

Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) – направление в живописи, характеризуемое отказом от стремления к максимальному приближению изображаемых предметов к формам реального предметного мира. Абстракционизм еще называют «искусство под знаком «нуля форм»», «беспредметное искусство», «нонфигуративное искусство», «беспредметничество». Абстракционизм как направление сложился в 10-х гг. ХХ в., и является крайней степенью проявления модернизма. Художники этого направления при создании произведений использовали только формальные элементы, такие как: линии, цветовые пятна, конфигурации. В ХХ веке в России наиболее яркими представителями абстракционизма являются В. Кандинский, Казимир Малевич (автор очень известной картины «Черный квадрат»), а также создатель супрематизма и Михаил Федорович Ларионов, который был основоположником такого течения как «лучизм» (1910-1912 гг. ХХ в.).

М.Ф. Ларионов «Лучистые линии»

С позиции лучизма , целью живописи выступает изображение не самих предметов, а отраженных от них цветовых лучей, т.к. это в наивысшей мере близко к тому, как предметы воспринимаются человеческим глазом. В лучизме работали: Михаил Лё-Дантю, Н.С. Гончарова, С.М, Романович.

Авангардизм

Авангардизм (от франц. avant-gardisme, от avant-garde — передовой отряд) – совокупность направлений искусства, для которых характерны недооценка и разрыв с существовавшими прежде канонами и традициями творчества, непрерывный поиск новых форм выражения, возведение новаторства в ранг важнейшей ценности. Сам термин «авангардизм» появился в 20-х гг. ХХ в. и окончательно утвердился в 50-х гг. В различные периоды к авангардизму относили различные направления (кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, и др.)

Академизм

К. Брюллов «Всадница»

Академизм (от фр. academisme) – направление в живописи, характеризуемое возведением в идеал и строгим следованием определенным канонам. Данное направление выделяли в живописи XVI-XIX вв., когда нормы какой-либо художественной школы возводились в ранг эталона, образца для остальных. С одной стороны, академизм способствовал приведению в систему художественного образования и закреплению традиций; с другой, разрастался в бесконечную систему «предписаний». В качестве основы произведений академизм понимал искусство античности и итальянского Возрождения. Например, при обучении в художественных академиях обязательным было выполнение дипломных работ на мифологические, исторические или библейские сюжеты. Избрание других тем не позволялось, что повлекло за собой неизбежный разрыв между реалиями жизни и искусством. Протесты художников против следования существующим канонам постепенно привели к тому, что термин «академизм» приобрел негативную окраску.

Акционизм

Акционизм (от англ. action art — искусство действия) – направление искусства, характеризуемое отвлечением внимания зрителя с самого произведения на процесс его создания. Близки к акционизму хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм искусства. Акционизм возник в 60-е гг. ХХ в. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью, вовлекая зрителя/художника в какое-либо действие, акцию.

Ампир

Ж.Л. Давид «Клятва Горациев»

Ампир (франц. empire - империя от лат. imperium- командование, власть) – суть этого направления искусства отражена в названии. Для него характерно отображение на картинах мощи и силы армии, величия государства; достигалось это обращением к древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансным фрескам и орнаментам. Ярче всего ампир проявился в архитектуре. Ампир возник во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Как и классицизм, ампир строго следует канонам. Но имеет ряд особенностей: для ампира характерно использование ярких цветов – красного, синего, белого с золотом; композиция картины построена (как правило) на контрасте однотонных поверхностей интерьера, посуды и минимального орнамента, расположенного в строго отведенном месте, тогда как в классицизме границы интерьера размыты. Ампир – стиль жесткий, холодный. Ему присущи монументализм, лаконизм. Декоративные мотивы стиля ампир состоят в основном из элементов древнеримского военного снаряжения: легионерских знаков с орлами, связок копий, щитов, пучков стрел, дикторских топоров.

Андеграунд

Л. Кропивницкий «Неопровержимые доводы»

Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) – направление в искусстве, характеризуемое противопоставлением массовой культуре, существующим ограничением и условностям; намеренным нарушением принятых норм. Андеграунд возник в США в конце 50-х гг. ХХ в. В советское время под понятие «андеграунд» подпадало практически любое неофициальное (неодобренное властью) искусство. Темы, наиболее часто фигурировавшие в произведениях данного стиля — «сексуальная революция», наркотики, проблемы маргинальных групп. После распада СССР и снятия запретов на свободу творчества, андеграунд потерял свою актуальность и суть.

Арт-деко

Т.де Лемпицке «Кизетта на балконе»

Арт-деко, также ар-деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif , букв. «декоративное искусство») – эклектичный стиль, который представляет собой смешение нескольких направлений таких как модерн, неоклассицизм, а также кубизма, футуризма и конструктивизма. Характерные черты: богатая палитра цветов, роскошь, шик, множество орнаментов, следование закономерностям, но вместе с тем использование смелых геометрических форм, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов (слоновая кость, кожа крокодила, серебро, черное — эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже шкурки ящериц). Часто изображались фантастические существа, томные бледные женщины с распущенными волосами. От картин, написанных в стиле арт-деко веет усталостью, пресыщенностью. Стиль арт-деко возник во Франции в 20-х гг. ХХ в., позже распространился по всему миру (к 40-м гг.). Арт-деко называют последним из художественных стилей, «соединявшим несоединимое».

Барокко

П.П. Рубенс «Портрет маркизы Бригитты Спинола Дориа

Барокко — направление в искусстве, характеризуемое изобилием декоративных подробностей, пышностью, грандиозностью, контрастностью (света, тени, материалов, масштабов), тяжестью, колоссальностью при создании произведений. Отдельного внимания заслуживает история происхождение этого слова, т.к. до конца не выяснено, от какого слова первоначально было образовано название этого стиля. Слово «барокко» в португальском языке использовалось моряками как название бракованных жемчужин причудливой, искаженной формы (perola barroca). Позже, в середине XVI в. это слово было заимствовано итальянцами и стало синонимом грубого, фальшивого, неуклюжего. Французское слово «baroquer» у ювелиров означало «смягчить контур, сделать форму более живописной»; а в 1718 г. Это слово появилось во французских словарях и трактовалось как ругательное. В связи с чем это слово долго отказывались использовать как название стиля в искусстве. Сам стиль барокко возник около 1600 г. в Италии и Риме, позже распространился по всей Европе и стал одним из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI - середины XVIII вв. Самые яркие представители барокко в живописи – П. Рубенс и М. Караваджо.

Веризм

Дж. Фаттори «Битва при Монтенбло»

Веризм (от итал. il verismo, от слова vero - истинный, правдивый) - направление в искусстве, характеризуемое стремлением наиболее полно передать правдивость, истинность описываемых событий. Сам термин возник еще в XVII веке и служил для обозначения реалистического течения в живописи барокко. Позднее (во второй половине XIX века) термин приобретает другое значение, отражая стремление не к реализму, а к натурализму.

Возрождение, или Ренессанс

Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. Rinascimentoм- возрождение) - одно из важнейших направлений искусства, характеризуемое антропоцентризмом (интерес к человеку и его деятельности), светским характером культуры, гуманистическим мировоззрением, обращением к античному культурном наследию (т.е. происходит «возрождение»). Достаточно сложно установить хронологические рамки ренессанса: в Италии XIV-XVI вв., в других странах – XV-XVI вв. Художники по-прежнему обращаются к традиционной религиозной тематике, но вместе с тем начинают использовать в своих полотнах и новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволяет достичь большей реалистичности изображения, «оживляет их». Ренессанс характеризуется изменениями в культуре общества в целом, касающимися ориентации и содержания искусства; человек и окружающий его мир утверждается как наивысшая ценность. Возрождение оказало сильно действие на все последующее развитие европейского искусства.

Готика

«Богоматерь с младенецм» витраж собора в Шартре, созд. до 1200 г.

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) – направление, возникшее в середине XII в., характеризуется органической связью изобразительного искусства с архитектурой и интерьером, сложностью и богатством композиции, одухотворённостью и возвышенностью образов. В эпоху Возрождения это искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику. Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа.

Дадаизм, или дада

Ф. Пикабиа «Парад любви»

Дадаизм, или дада – направление в искусстве, характеризуемое отрицанием канонов, стандартов искусства, бессистемностью и разочарованностью, иррациональностью. Дадаизм возник в Швейцарии как ответные действия творческих личностей на Первую мировую войну. Швейцария соблюдала нейтралитет, и художники могли наблюдать жизнь беженцев и дезертиров. Основная идея дадаизма заключалась в последовательном разрушении всяческой эстетики. Объяснение этому – причиной войн и конфликтов дадаисты полагали рациональность и логику. Протестуя против этого, в своих произведениях они разрушали и отказывались от эстетики, принятых норм. Термин «дадаизм» происходит от слова «дада», имеющего несколько значений: хвост священной коровы; мать, детская деревянная лошадка, удвоенным утверждением в (русском и румынском языках); а также младенческий лепет. В целом – что-то бессмысленное, что и отразило суть этого стиля. Распространенной формой творчества дадаистов был коллаж. Этот стиль быстро себя исчерпал, однако оказал большое влияние на развитие искусства. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма.

Декадентство

Декадентство (от фр. décadence, décadentisme - упадок, упадочничество) – собирательное наименование явлений в искусстве, вызванных кризисом традиционных идей и ценностей. Было распространено во второй половине ХIХ — начале XX в. Характерные черты: настроения уныния, пессимизма, отрицание исторически сложившихся духовных идеалов и ценностей, неприятие обыденной реальности, принципиальная аполитичность, склонность к иррационализму и мистицизму, смутная тоска по неземному идеалу, нарочитая неясность и загадочность образов, мотивы скепсиса и безнадежности, интерес к эротике, пристальное внимание к теме смерти. Декаденты требовали создания новых форм в искусстве, не предлагая конкретных мер и идей. Философским основанием выступили идеи А. Шопенгауэра, Ф. Ницше, Э. Гартмана, М. Нордау.

Импрессионизм

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression – впечатление) – направление в искусстве, характеризуемое стремлением запечатлеть красоту реального мира «так как она есть», передать ее изменчивость, отразить свои мимолетные впечатления. Импрессионизм возник во Франции, период существования можно отметить как последняя треть XIX – начало XX в. Сам термин «импрессионизм» впервые был употреблен критиком Л. Леруа, с пренебрежением отозвавшемся о выставке художников 1874 года, в том числе была выставлена К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце. ». Импрессионисты в своих произведениях стремились передать свежесть восприятия жизни, изображали сиюминутные, вырванные из потока реальности ситуации, сильные страсти.

Выделяют неоимпрессионизм (франц. neo-impressionnisme) и постимпрессионизм (от лат. post -после и импрессионизм). Неоимпрессионизм возник во Франции около 1885, его особенность — применение в искусстве последних достижений в области оптики. Постимпрессионизм — собирательное название течений в живописи, особенность – поиск средств выражения не только конкретного мгновения жизни, но и осмысление длительных состояний окружающего мира.

Классицизм

Н. Пуссен «Вдохновение поэта»

Классицизм (произошло от лат. classicus — образцовый) – направление в искусстве, характеризуемое обращением к античному наследию как эталону для подражания. Наибольшую ценность для классицизма имеет вечное и неизменное, индивидуальные признаки отходят на второй план, главенствующим становится поиск существенных, типовых черт. Произведения строились на основании канонов (именно в классицизме появилось разделение жанров на «высокие» и «низкие», при этом их смешение не допускалось) для передачи логичности и совершенства всего мироздания. Идеология классицизма придает важное значение общественной и воспитательной функции искусства. Характерные черты классицизма: гармония, порядок, логичность, четкость, пластическая ясность живописных построений, отражение темы природы, неподвластной времени, обращение к темам человеческой жизни и истории. Классицизм проявился в работах художников XVII в. — начала XIX в. Со временем классицизм трансформировался в академизм.

Кубизм

П. Пикассо «Авиньонские девицы»

Кубизм (от франц. cubisme, от cube - куб) — направление в живописи, характеризуемое стремлением изобразить предметы действительности посредством геометрических фигур — прямых линий, граней, кубоподобных форм, пересекающихся плоскостей. Зародился кубизм в 1910-х гг. Примечательно, что термин «кубисты» первоначально был употреблен французским критиком по отношению к художникам как насмешка. Наиболее яркие представители кубизма – П. Пикассо и Ж. Брак.

Маньери́зм

Маньери́зм (от итальянского maniera, манера) - направление в искусстве, характеризуемое отсутствием гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Художники придают чрезмерное значение пластичности, чувственности, экспрессии. Изображения на картинах либо «чрезмерно красивые», предметы вытянутые, удлиненные либо наоборот. Маньеризм (от итал. manierismo, от maniera — манера, стиль) — стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы. Хронологические рамки маньеризма — XVI в. до первой трети XVII в. Часть исследователей считает маньеризм переходом от ренессанса к барокко, называя маньеризм ранней фазой барокко.

Модерн, или Ар нуво

А. Муха «Зодиак»

Модерн, или Ар нуво (также Арт нуво) (от фр. art nouveau, букв. «новое искусство»). Ар нуво обязан своим происхождением витражам – так назывался магазин в Париже, где продавали витражи, впоследствии приобретшие необычайную популярность. Синонимами ар нуво являются югендстиль (нем.), сецессион (австр.), либерти (итал.), модернисимо (исп.). Данные направления очень близки между собой, поэтому отметим наиболее ярко выраженные черты: использование извилистых, плавных линий, декоративность, «природность» — изобилие природных и растительных мотивов (кувшинки, лилии, осьминоги, бабочки, стрекозы), обязательное соблюдение стилистического единства, сочетание различных текстур и материалов. Этот стиль возник в 1880-1900 годах, был популярен в Европе и Америке, однако недолго. «Второе дыхание» этот стиль получил в 50-х г. ХХ в.

Натурализм

К. Менье «Возвращение из шахты»

Натурализм (фр. naturalisme, от лат. natura – природа) – направление в искусстве, характеризуемое стремлением к объективному изображению реальности, без прикрас и табу. Представители этого направления исходили из представлений о полной предопределенности судьбы, зависимости духовного мира человека от социальной среды, проявляли повышенный интерес к биологическим сторонам жизни, что приводило к откровенному отображению физиологических проявлений человека, его патологий, сцен насилия и жестокости. Натурализм возник в последней трети XIX века в Европе и США. Натурализм характеризуется отказом от обобщений, интересом к изображению «социального дна», воспроизведением действительности без ее идейного осмысления, оценки и отбора.

Поп-арт

Поп-арт (от англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) — направление в живописи, распространившееся в США и Англии в 1950-е гг., характеризуемое вовлечением и трансформацией образов массовой культуры. Художники поп-арта ставят своей целью отразить «жизнь, как она есть», отразить реальность, а источником вдохновения выступает массе медиа: реклама, комиксы, кино, джаз, газеты и журналы и пр. Поп-искусство обязательно использует сложившиеся стереотипы и символы.

Реализм

Реализм — направление, характеризуемое стремлением с максимальной правдоподобностью, достоверностью и объективностью изобразить внешнюю и внутреннюю сущность явлений и предметов действительности. Границы реализма размыты и четко не определены. Под реализмом в узком смысле понимают направление в искусстве второй половины XIX века. Термин «реализм» впервые был употреблен французским критиком Ж. Шанфлёри в 50-х гг. XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму. Реализм был распространен не только во Франции, но и далеко за ее пределами, приобретая в некоторых странах собственное название: в России - передвижничество, в Италии - веризм маккьяйоли, в Австралии - гейдельбергская школа (Т. Робертс, Ф. Маккаббин), в США - школа мусорного ведра (Э. Хоппер). Реализм – наиболее длительное существующее направление.

Рококо

Ф. Буше «Купание Дианы»

Рококо (от франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины) – направление в искусстве, характеризуемое гедонистическим настроением, грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Стиль рококо пришел на смену барокко, явившись его логическим продолжением и одновременно противоположностью. Общим у барокко и рококо является стремление к завершённости форм.

Живопись в стиле рококо носит декоративный характер, отличается изяществом переливов цвета и вместе с тем некоторой «блеклостью» цветов, утратой самостоятельного значения образа человека в живописи, преобладанием таких жанров как пейзажи, пастораль.

Хронологические рамки рококо – вторая половина XVIII в.- XIX в. Просуществовав около половины века, рококо постепенно уступил место неоклассицизму.

Романтизм

Э. Делакруа «Свобода, ведущая народ»

Романтизм (от франц. romantisme) – направление, пришедшее на смену классицизму. Характеризуется главенствующей идеей индивидуализма в изображении (как противопоставление идеальной красоте классицистов) и передаче страстей; изображением редких, необычных, а также фантастических явлений. Хронологические рамки романтизма – конец XVIII в. — начало XIX в. Романтизму присущи устремлённость неограниченной свободе и бесконечности, ожидание обновления, воспевание личной и гражданской независимости.

Неким синтезом принципов романтизма и «бюргерского реализма» стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера.

Сентиментализм

Сентиментализм (от франц. sentimentalisme, от англ. sentimental - чувствительный, от франц. sentiment - чувство)– направление, характерные черты которого патриархальная идеализация обыденной жизни, культ естественного чувства, разочарованность в цивилизации, полагающейся на разум. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Возник стиль во 2-й половине XVIII в.

Символизм

П. Брейгель «Триумф Смерти»

Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — направление в живописи, характеризуемое использованием в живописи намеков, «недоговорок», таинственности, символов. Слово «символ» в Древней Греции означало монету, разделенную на две части, по которым люди могли узнать друг друга при встрече. Однако позднее это слово превратилось в многогранное и емкое понятие. Символизм возник во Франции в 1870-80-х гг. и достиг наибольшего развития на рубеже XIX и XX вв. Слово символ выступает как знак, универсальный образ, у которого бесконечное количество смыслов. Символизм является попыткой человека передать духовность, отвлеченность жизни, прикоснуться к бездне, выходящей за пределы видимого мира.

Супрематизм

К.С. Малевич «Черный квадрат»

Супрематизм (от лат. supremus - наивысший) - направление в авангардистском искусстве России, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Является разновидностью абстракционизма. Название «супрематизм» подразумевало главенство, превосходство цвета над другими свойствами живописи. Для супрематизма характерны лишённые изобразительного смысла комбинации разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний, сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур.

Сюрреализм

С. Дали «Геополитический младенец»

Сюрреализм (от фр. surrealisme букв. сверхреализм) – направление в живописи, источником вдохновения которого служила сфера подсознания (сновидения, галлюцинации). Сюрреализм возник во Франции в начале 20-х гг. XX в. Художниками использовались различные противоречивые и абсурдные сочетания натуралистических образов и аллюзии, главными ценностями провозглашались свобода и иррациональность. Часто используемыми темами произведений были магия, эротика, подсознание и ирония. Художники стремились создавать картины с фотографической точностью, вместе с тем изображение получалось нелогичным, отталкивающим; или применяли нетрадиционные техники живописи, помогающие передать подсознание. Бывали случаи, когда сюрреалисты творили под действием голода, наркотиков, гипноза, наркоза.

Ташизм

Ташизм - европейская разновидность абстрактного экспрессионизма . Термин впервые был употреблен в 1950 г. бельгийско-французским критиком М. Сёфором для обозначения живописной техники группы художников, методом работы которых было импульсивное и спонтанное нанесение красок на холст и был близок к тому, что в США в это же время называлось живописью действия (action painting).

Примитивизм

А. Руссо «Прогулка по лесу»

Примитивизм – направление в живописи, характеризуемое намеренным опрощением изобразительных средств и подражанием примитивным стадиям развития искусства — первобытного, средневекового, народного, искусства древних внеевропейских цивилизаций, детского творчества. Однако примитивизм формы не влечет примитивизма содержания. Термин «примитивизм» применялся также по отношению к так называемому «наивному» искусству, т.е. творчеству художников, не имеющих профильного образования.

Футуризм

Сентиментализм

Д.Д. Бурлюк «Лошадь-молния»

Футуризм (oт лaт. futurum — бyдyщee) – направление в искусстве, характеризуемое отвержением и разрушением существовавших прежде традиций и стереотипов культуры, взамен предлагалось восхваление техники и урбанизма как главных признаков настоящего и будущего. Футуризм провозглашал себя как прообраз искусства будущего.

Ярче всего проявился в живописи и поэзии Италии и России, возник в начале XX в. Для футуризма характерны энергетические композиции с раздробленными на фрагменты фигурами и пересекающими их острыми углами. Основной идеей футуризма был поиск отражения стремительности движения как важнейшего признака темпа современной жизни.

В России существовало направление кубофутуризма (Д. Бурлюк, О. Розанова), которая была основана на объединении пластических принципов французского кубизма и европейских общеэстетических установок футуризма.

Удовольствие от создания мультипликационного персонажа неизмеримо. Создание и разработка персонажа связаны не только с рисованием его фигуры: каждый персонаж имеет свою форму, личные черты и особенности. Отлично, если вы уже знакомы с основами пропорций головы и изображением эмоций. Но эти знания бесполезны, если вы не знаете как нарисовать туловище персонажа. Художник должен принимать во внимание все эти детали, что бы создать характер, который будет выглядеть правдоподобным в глазах аудитории.

В мультипликации есть несколько различных стилей для персонажей, таких как «болван» и «хулиган». Хотите узнать о них больше? Это то, чему я вас научу в этом уроке.

1. Как Начать

Кстати, шаги, которые мы сегодня проделаем - очень просты. Сперва, нарисуйте основную форму фигуры и затем добавляйте особенности и другие части тела. Это процедура, которой стоит следовать в независимости от того, кого вы рисуете, человека или животное или даже предмет, который вы решили оживить (например, сделать улыбающуюся чашку).

Каждый рисунок, который вы сделаете, будет зависеть от вашей работы на этапе эскиза. На этом этапе, следует улучшать ваш набросок пока конечный результат вас не удовлетворит.

Если вы определились с пропорциями, следующим шагом является разработка экспрессии в движениях тела, руках и ногах. Только одно положение рук может рассказать целую историю.

Руки - это обширный и сложный предмет (даже в мультипликации) которые заслуживают отдельного урока.

Короче говоря, нет никаких секретов в процессе создания персонажей. 95% художников создают персонажей, и делают они это, проходя определенные этапы, потому, что это значительно облегчает процесс!

2. Пропорции

Пропорции, один из важнейших факторов, который нужно принимать во внимание при создании персонажей. Художник должен помнить относительные пропорции частей тела, потому что на основе этого мы определяем структурные особенности наших персонажей. К примеру, у задиры характер воинственный, поэтому он будет обладать маленькой головой, но грудь его будет весьма внушительной! Его руки и ноги - сильные и хорошо очерчены, так же как и его большие скулы. В отличие от этого, скромный характер имеет в основе пропорции ребенка, с большей, по сравнению с телом, головой. И все это в круглых формах! Другие части, такие как лоб и большие глаза отвечают за определение хрупкости личности. И так далее...

Анимационные студии, по большей части используют округлые формы, чтобы оценить рост персонажа. Например: Голова ребенка, обычно больше размеров других частей. Но взрослый персонаж имеет другие пропорции, которые зависят от пола и физической формы героя.

Психоделическая мультяшка? Похоже на то.

При разработке (или анимация) тела персонажа, рекомендуется делать наброски на отдельных листах бумаги. Это дает возможность, иметь перед глазами образец его пропорций при зарисовке других поз, действий.

Пример поворота

Очень важно рисовать персонажа в различных позах, ситуациях и в разной одежде, до тех пор пока вы не найдете для него идеальных пропорций.

Примеры рисунков щенка.

3. Тело - это груша!

Обычной практикой среди дизайнеров является использование грушевидной формы - или аналогичных объектов - для построения формы тела, из-за распространенных ассоциаций. На самом деле, это общепринятая техника в мультипликационных студиях, так как несколько разных художников могут работать с одним персонажем, и при этом они должны выдерживать правильные пропорции.

Пример выше показывает эффективность такой техники. Используя один шаблон, вы можете нарисовать несколько различных персонажей! Причина по которой используется рисование на основе шаблона, возникновение у человека мгновенной ассоциации. Особенно, в случае детей, когда все должно быть упрощенно для облегчения понимания. Рисование тела в форме груши, позволяет поддерживать динамичный вид и делает нашего героя интереснее!

4. Добавление Скелета

Теперь, когда мы знаем как задать форму, мы должны задать структуру скелета. Если вы рисуете какого-либо персонажа в мультяшном стиле, вам необходимо понимать основные различия в строении мышц и скелета, для разных категорий, таких как кошки, птицы и люди. Это знание является важным и ведущим для определения положения суставов героя, таких как локти и колени.

Обратите внимание на основные элементы: скругленные формы - грушевидное тело - положение суставов.

Когда дело доходит до мультипликации, важно помнить, что мы должны рассказывать историю в каждой, создаваемой нами сцене. Это не имеет такого значения, если мы говорим о фотографиях или реалистичном изображении. По той причине, что люди удивительным образом могут скрывать свои настоящие мотивы.

В мультипликации все иначе. Физическое состояние и поза, вашего персонажа должны хорошо "читаться" без какого-либо диалога или окружающей обстановки. Именно по этой причине, это такой увлекательный и очаровательный художественный стиль!

Научитесь рассказывать историю в ваших набросках и вы станете успешным мультипликатором.

Подводя итоги:

Оценивайте пропорцию вашего героя, используя круглые формы;
Обобщайте тело используя известное правило груши;
Отслеживайте направляющие линии которые показывают основное положение суствов;
Заканчивайте построение вашего персонажа, добавляя окончательные элементы, к основной структуре, которую вы построили.

5. Поворот Груши

Работает ли "правило груши" для всех персонажей, которых мы будем создавать? Не всегда. Если мы перевернем эту форму, мы дадим чувство силы и мощи нашему герою! Посмотрите на примеры ниже:

Хрупкий человечек: тело грушей. Сильный человек: тело - перевернутая груша. Легко, не так ли?

Найдете отличия в "грушах" на этом рисунке?

Другая интересная аналогия, на которой могут быть основаны персонажи - предметы, напоминающие определенные физические формы, как на примере ниже:

В принципе, мы используем тоже правило груши. Просто мы используем разные формы, опираясь на ту же технику. Вы, как художник можете использовать тот метод, который лучше всего подходит для вас!

6. Персонаж Болван

"Персонаж-болван" - это такой персонаж, который ходит на двух ногах (даже животные) и выглядит глупо, неуклюже и, как правило, ленив.

Этого персонажа часто изображают как труса. Они обычно стараются быть подальше от неприятностей, чем все остальные. Он также может быть представлен, как ботаник или расстроенный парень.

Есть шаблон, которому можно следовать при создании персонажа такого типа, но он не является определяющим правилом, и может меняться в зависимости от характера героя.

Головы тоньше;
Большие носы (или морды, если животное);
Большие зубы;
Узкие плечи;
Практически нет подбородка;
Правило груши (никогда не перевернута, всегда вверх!).

В принципе, это основные элементы, которые нужны для создания болвана. Поиграйте с ним пока вы не отточите технику на столько, что бы применить ее к любому характеру.

Что? Лев на двух ногах? Подождите... это лев-болван?

Не все животные, которые ходят как люди - "болваны". Многие из них имеют саркастический или иронический тон. В качестве примера таких персонажей, можно вспомнить Вуди Вудпекера и Багз Банни.

7. Применим Наши Знания: Создание Героического Персонажа

Теперь мы вместе нарисуем персонажа основываясь на том чему мы научились. Приступим!

Шаг 1

Я начну рисовать в виде очень приблизительного наброска. Не нужно бояться делать наброски, до тех пор пока вы не найдете идеальных пропорций. Это как игра!

Мы начали с рисования головы и тела, используя круглые формы:

Заметьте, что мы определили пропорции нашего персонажа без особых усилий.

Заметьте, что мы здесь использовали правило перевернутой груши, т.к. наш герой сильный!

Шаг 2

Теперь добавим линии показывающие положение суставов скелета. Заметьте, что мы придаем нашему герою распространенную позу, когда вес тела переносится на одну ногу.

Очень важно отметить область таза в форме чаше, потому что, так будет легче увидеть движение. Это движение в бедрах добавит динамику в позу.

Шаг 3

Отлично! Теперь добавим черты лица и мускулы для нашего героя.

Текут слюнки... А это только эскиз!

Для построения мышц, вам необходимо иметь базовые знания анатомии. В противном случае, вам будет сложно правильно добавить объем в тех местах, где это необходимо.

Шаг 4

После того, как общая структура определена, мы можем добавить одежду.

Отлично! Наш герой закончен! Добавив костюм, несколько отличных аксессуаров, мы добились прекрасного результата. Можно рассказать историю этой картинкой?

Отличная Работа, Вы Справились!

Ну что же, вот и все! Мы разобрали процесс рисования тела персонажа в мультяшном стиле. Более того, мы научились использовать круглые и овальные формы, что бы сформировать тело персонажа. Мы также узнали, различия, которые формируют героический/сильный/хулиганистый и беспомощный/хрупкий тип, и как применять технику груши для достижения этих результатов. И наконец, мы открыли для себя как применять технику "болвана", к людям и животным. И в завершение, мы создали героического персонажа с нуля!

Вы уже убедились, что можете нарисовать мультяшного героя с головы до пят? С нетерпением жду с ним встречу! Делитесь своими рисунками ниже, и если у вас остались какие-то вопросы, буду рад ответить на них в комментариях.

Рисование человека может стать самым ярким и глубоким опытом в жизни художника. Cегодня мы подготовили для вас советы от известного итальянского художника Джованни Чиварди из книги «Рисование фигуры человека» . Пусть эти знания станут источником вдохновения и творческим стимулом, помогающим передавать настроение и воспоминания в форме рисунка.

Рисовать фигуру человека и портрет можно любыми материалами - от карандашей до акварели. Карандаш - наиболее распространенный инструмент в силу своей низкой стоимости и универсальности. Уголь прекрасно подходит для выполнения быстрых рисунков с сильным тональным контрастом и менее пригоден для проработки мелких деталей. Для туши рекомендуется плотная и гладкая бумага хорошего качества. Смешанная техника - это одновременное сочетание разных материалов на одном рисунке.

Экспериментируйте в поисках собственных приемов, которые позволят добиться наибольшей выразительности, и старатесь извлекать пользу из случайных эффектов.

Основы пластической анатомии

Художники изучают анатомию с целью осмысленного изображения фигуры человека. Чтобы воспроизвести ее достоверно, нужно не просто видеть, но и понимать, что рисуешь.

Благодаря знанию анатомии, изображение становится более убедительным и живым, чем сама натура.

В целом форма тела определяется скелетом как основной несущей структурой, мышцами, обтягивающими его, и верхним слоем, состоящим из жирового покрова. Полезно узнать и запомнить относительные размеры сочленяющихся костей и их пропорции относительно друг друга и всего скелета, потому что без этой информации невозможно «переложить» фигуру на бумагу и приобрести навык логично и последовательно изображать ее.

Ниже изображены основные кости черепа и шеи вместе с кожей, хрящами, жиром, мышцами, волосами и прочим в виде слоев.

Скелет мужского торса, заключенный в контуры тела, во фронтальной, латеральной и дорсальной плоскостях. Эти рисунки помогут расширить понимание формы тела.

Верхние и нижние конечности в разных плоскостях. Как и на предыдущем рисунке, скелетная структура показана внутри контуров тела.

Художнику важно учитывать три основных аспекта мышц: их внешний вид (форма, размер, объем), расположение (где она находится относительно скелетной структуры и соседних мышц, насколько глубоко или поверхностно) и ее механизм (функцию, направление мышечной тяги, соответствующие изменения формы и пр.).

Пропорции

Чтобы рисунок вышел правдоподобным, необходимо учитывать пропорции тела и головы. Высота головы от лба до подбородка часто принимается за единицу измерения для определения пропорций тела. Рост стандартной фигуры - примерно 7,5-8 голов. Запомните еще несколько пропорциональных отношений: голова трижды укладывается в общую высоту туловища с шеей, длина верхних конечностей также равняется трем головам, а нижних - трем с половиной.

Несмотря на различия между отдельными индивидуумами, их можно разделить на три основные группы типов со схожими характеристиками внутри каждой - эктоморфы, мезоморфы и эндоморфы.

Кисти и стопы

Легко понять, почему руки и стопы с их устройством и разнообразием возможных жестов считаются самыми сложными для убедительного воспроизведения частями тела, как в рисунке, так и в живописи и скульптуре.

Рисовать свои кисти и стопы - лучший способ изучить их максимально подробно. Вы сможете убедиться, что получаются вполне достойные штудии, сравнимые с рисунками лица, а может быть, даже более выразительные.

Сначала выполняется быстрый (но прилежный) набросок в нужном ракурсе и позе, затем с помощью его «геометризации» передают необходимую анатомическую информацию и объем, после чего производится уточнение деталей и индивидуальных очертаний.

Так же как для головы и тела, полезны будут знания о строении костей стоп и кистей.

Порисуйте свои собственные кисти рук и стопы в разных положениях. Можно использовать зеркало. Берите разные предметы в руки и передавайте динамику и настроение жеста в рисунке.

Голова, лицо, портрет

Основной интерес для художника всегда представляли лицо и фигура. Портрет - это не просто воспроизведение физических черт с целью узнаваемости конкретного персонажа. Это рассказ посредством мимики о его личности, мыслях и эмоциях.

Как нарисовать голову и черты лица, мы подробно рассказывали в статье.

Наброски человека в скетчбуке

Наброском называют быстрый, спонтанный рисунок с натуры, выполненный в сжатые сроки несколькими информативными линиями. Рисовать людей в естественной обстановке, которые не позируют специально и наверняка не догадываются, что их рассматривают и изображают, поначалу покажется сложным. Но реальной причины бояться или теряться нет - вряд ли кто-то будет обращать внимание на то, чем вы заняты.

Умение изображать незнакомых людей в любой позе и при любых обстоятельствах важно для развития технических навыков и оценочного суждения. И, конечно же, регулярная практика набросков отточит дар наблюдательности и интерпретации, научит смотреть глубже и принимать быстрые, уверенные, понятные и точные решения.

Несколько коротких советов о том, как делать наброски с натуры:

Заведите привычку всегда носить с собой карандаш и маленький скетчбук - такой, который легко поместится в сумку или карман, - на случай если что-то привлечет ваше внимание или покажется интересным.
Стоит стремиться повысить наблюдательность и умение вычленять главное и одновременно координировать зрительное восприятие, оценочное суждение и движения руки во время выполнения рисунка.
Не старайтесь отразить на бумаге все, что видите на натуре. Учитывая ограниченное количество времени и риск изменения позы модели в любую секунду, сосредоточьтесь на главном.
Чтобы научиться использовать свою память для воспроизведения последовательности базовых фаз движения, понадобится максимальная концентрация в наблюдении за людьми.

Если вас все еще смущает мысль о рисовании людей с натуры (учтите, что, если кто-то заметит, что вы делаете, одни могут быть польщены, а другие с недовольством уйдут), подготовиться к этому психологически и обрести некоторую уверенность может помочь рисование статуй и скульптур в музеях или памятников в общественных местах.

Уточните, можно ли в музее делать наброски, и если да, то смело отправляйтесь туда и зарисовывайте скульптуры с разных ракурсов.

Так учат рисованию в Париже - во дворике Лувра со скульптурами.

Этапы рисования

Если вы рисуете фигуру целиком (в одежде или обнаженную), можно сначала провести несколько быстрых, светлых линий, чтобы наметить пространство, которое она займет на листе бумаги (максимальная высота, максимальная ширина и др.). Затем наметьте основные части тела (голову, торс и конечности) с учетом относительных пропорций.

Закончите рисунок существенными контурами, тенями и деталями, которые невозможно опустить. Сотрите вспомогательные линии, если нужно.

В книге «Рисование фигуры человека» каждый раздел разобран максимально подробно, есть подробные изображения скелета человека в разных плоскостях. Подробно рассказано, как нарисовать фигуру мужчины, женщины, ребенка, пожилого человека, как изображать обнаженную натуру и человека в одежде.