В трех залах с верхним освещением (117-119) размещены Итальянские мастера 15-го и 16-го века. В Италии процесс превращения феодальной эксплуатации в капиталистическую завершился ранее всего. Отдельные зачатки капиталистического производства появились в некоторых итальянских городах уже в 14-м и 15-м столетии. Там были созданы предпосылки для позднейшей мировой торговли и перехода от ремесла к мануфактуре. На базе экономических изменений совершалась также эволюция духовно-идеологической надстройки, какой является искусство каждого времени. Время, которое требовало гигантов и произвело гигантов, гигантов мысли, страсти и характера, многосторонности и эрудиции.
Эта эпоха называется Возрождением, потому что, сбросив духовные путы средневековья, она привела к возрождению искусства, достигшего своего апогея в античном мире. Золотой фон, на котором средневековые художники писали фигуры святых, был отвергнут в пользу естественного воздушного пространства. Техническим средством передачи его на плоскости картины, имеющей два измерения, явилась математическая конструкция перспективы, которая была открыта во второе десятилетие 15-го века, по всей вероятности, во Флоренции. Тем самым был проложен путь для пейзажной и архитектурной живописи. Предпосылкой этого перелома послужило новое понятие о ценности человеческой личности, в особой степени характерное для эпохи Возрождения. Таким образом возникло желание запечатлеть облик человека на картине, что привело к пышному расцвету портретного искусства.
Реалистическое изображение человеческого тела невозможно без тщательного изучения анатомии. Художники старались выразить красоту человека в правилах пропорций, причем творения античных мастеров, раскопки которых начались в то время, служили им образцом. Заказчиком произведений искусства становится теперь наряду с церковью преисполненная собственного достоинства буржуазия.
Что касается сюжетов картин, то мифологические сцены занимают равное место с библейскими. Для изображения тех и других в одинаковой мере характерны реалистические черты. Ряд шедевров итальянских художников 15-го века (так называемого зал 117 кватроченто), которые можно видеть в зале 117, дают представление о достижениях этого времени.
С прекрасным человеческим образом посетитель знакомится в картине (около 1430-1479), находившегося под влиянием ранненидерландских мастеров (илл. 28). По словам легенды, Себастьян, офицер императора Диоклетиана, был убит за преданность своей вере. Но не тема страдания занимает итальянского живописца, а гармония и пропорциональность человеческого тела. Образцом ему, вероятно, послужили античные скульптуры. Его святой напоминает скорее греческую фигуру Апполона, нежели христианского мученика.
О популярности этого сюжета в 15-м веке говорит и другое изображение Себастьяна, на этот раз кисти феррарского художника Козимо Тура (около 1430-1495). Фигура смоделирована здесь тверже и пластичнее, чем у Антонелло, краски более тусклые и однотонные. В картине, однако, больше динамики. Все оси тела изломлены, что придает изображению драматический акцент.
Если в обеих этих картинах проявляется уже очеловечивание образов святых, чуждое средневековью, то в картине "Портрет мальчика" Бернардино Пинтуриккио
(1454-1513) посетителя встречает совершенно реальный человек (илл.29). Простые очертания полуфигуры мальчика, словно античный бюст, выдвинуты вперед к самому краю картины. Прекрасно выполнил художник лицо юноши. Очаровывает красивый весенний пейзаж, расстилающийся под нежно-голубым небом на втором плане картины.
Насколько сильным было стремление у художников кваттроченто к жизненности также и при изображении святых, показывает одна из картин феррарского мастера Франческо Косса
(1435 или 1436-1477 или 1478). В своем "Благовещении" он рисует диск, обозначающий сияние, не свободно парящим в воздухе, а надевает его наголову ангела. Сцена происходит в богато украшенном зале из цветного мрамора, открывающем вид на дома. Впереди у края картины ползет улитка - символ невинности.
Прелестный образ мадонны создал в картине "Мария за чтением" Лоренцо Каста (около 1460-1535), также выходец из Феррары. На фоне яркого голубого неба четко вырисовывается фигура сидящей женщины, построенная в незамысловатой форме треугольника.
Пальма Веккио
(около 1480-1528) изображает в своей картине "Иаков и Рахиль", созданной около 1515 года, пастушескую идиллию. На фоне богатого ландшафта с пастухами и стадами овец развивается тема нежной любви. То обстоятельство, передана ли здесь библейская легенда об обоих возлюбленных или мифологическая сцена (Парис и Энона прощаются друг с другом на горе Ида), не является решающим. Несравненно важнее тот факт, что вовлечение крестьянской среды в сферу художественного отображения характеризует стремление ренессансного искусства к реализму.
В то время как в других центрах итальянского искусства быстро утверждалось придворно-интеллектуальное направление маньеризма, венецианская живопись старалась сохранить заветы Высокого Возрождения и возобновить связь с классическим реализмом этого периода. Хотя власть Венеции шла уже на убыль, разбогатевший на торговле и промышленности буржуазный патрициат сохранял еще остатки прежнего величия. Все другие городские республики Италии давно уже пали жертвой реакции. Свободная, независимая Венеция, где контр реформация не имела большого влияния, стала в то время прибежищем всех преследуемых итальянских гуманистов. По этим причинам маньеризму не удалось пошатнуть реалистические основы венецианского искусства.
Германия
Альбрехт Дюрер(1471-1528)
Альбрехт Дюрер, великий немецкий художник, крупнейший представитель культуры Возрождения в Германии. Родился в Нюрнберге в семье золотых дел мастера, выходца из Венгрии. Первоначально учился у отца, затем у нюрнбергского живописца М. Вольгемута (1486-89). В годы учебы и в годы странствий по Южной Германии (1490- 94), во время поездки в Венецию (1494-95) впитывал наследие XV века, но главным его педагогом стала природа.
Босх Иероним
(1450-1516)
Босх Иероним, великий нидерландский живописец. Родился в Герцогенбоше. Его дедушка, брат дедушки и все пятеро дядей были художниками. В 1478 Босх женился на богатой патрицианке Алейд ван Мерверме, семья которой принадлежала к высшей аристократии. Детей от этого брака не было, и он не был особо счастливым. Тем не менее он принес художнику материальное благополучие, и, еще не став достаточно известным, Босх мог себе позволить писать так, как хочет.
Зарубежные художники XV (15 век)
Боттичелли Сандро(1445-1510)
Настоящее имя - Алессандро да Марианно ди Ванни ди Амедео Филипепи , великий итальянский живописец эпохи Возрождения. Родился во Флоренции в семье кожевника. Первоначально его отдали в обучение к некоему Боттичелли, золотых дел мастеру, от которого Алессандро Филипепи и получил свою фамилию. Но стремление к живописи заставило его в 1459-65 учиться у известного флорентийского художника Фра Филиппе Липпи. Ранние произведения Боттичелли ( «Поклонение волхвов», «Юдифь и Олоферн» и особенно мадонны - «Мадонна Корсини», «Мадонна с розой», «Мадонна с двумя ангелами» ) написаны под влиянием последнего.
Вероккьо Андреа
(1435-1488)
Настоящее имя - Андреа ди Микеле ди Франческо Чони, выдающийся итальянский скульптор. Родился во Флоренции. Был известным скульптором, живописцем, рисовальщиком, архитектором, ювелиром, музыкантом. В каждом жанре утвердил себя как мастер-новатор, не повторяющий сделанного предшественниками.
Карпаччо Витторе
(ок. 1455 / 1465 - ок. 1526)
Карпаччо Витторе (ок. 1455 / 1465 - ок. 1526) - итальянский живописец. Родился в Венеции. Учился у Джентиле Беллини, испытал сильное воздействие Джованни Беллини и отчасти - Джорджоне. Внимательно наблюдая за событиями современной жизни, этот художник умел насыщать свои религиозные композиции живым повествованием и множеством жанровых деталей. По сути, он создавал энциклопедию быта и нравов Венеции XV века. Про Карпаччо говорят, что этот мастер «до сих пор дома, в Венеции». И даже само представление о Венеции нераздельно связано с воспоминанием о зеленоватых, точно видимых сквозь морскую воду картинах блистательного рисовальщика и колориста.
Леонардо да Винчи
(1452 - 1519)
Один из величайших итальянских художников эпохи Возрождения Леонардо да Винчи был и выдающимся ученым, мыслителем и инженером. Он всю жизнь наблюдал и изучал природу – небесные светила и законы их движения, горы и тайны их возникновения, воды и ветры, свет солнца и жизнь растений. Как часть природы Леонардо рассматривал и человека, тело которого подчинено физическим законам и в то же время служит «зеркалом души». Свою пытливую, деятельную, беспокойную любовь к природе он проявлял во всем. Именно она помогала ему открывать законы природы, ставить ее силы на службу человеку, именно она сделал Леонардо величайшим художником, с одинаковым вниманием запечатлевавшим распускающийся цветок, выразительный жест человека и туманную дымку, заволакивающую далекие горы.
Микеланджело Буонарроти
(1475 - 1564)
«Не родился еще человек, который, подобно мне, был бы столь склонен любить людей»,- писал о себе великий итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт Микеланджело. Он создал гениальные, титанические произведения и еще более значительные мечтал создать. Однажды, когда художник был на мраморных разработках в Карраре, он задумал высечь статую из целой горы.
Рафаэль Санти
(1483 - 1520)
Рафаэль Санти, великий итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения и архитектор. Родился в Урбино в семье Дж. Санти - придворного художника и поэта герцога Урбинского. Первые уроки живописи получил у отца. Когда он умер, Рафаэль перешел в студию Т. Вити. В 1500 переехал в Перуджо и поступил в мастерскую Перуджино сначала как ученик, а потом - как помощник. Здесь усвоил лучшие особенности стиля умбрийской школы Живописи: стремление к выразительной трактовке сюжета и благородство форм. Вскоре довел свое мастерство до того, что отличить копию от оригинала стало невозможно.
Тициан Вечеллио
(1488- 1576)
Родился в Пьеве-ди-Кадоро - маленьком городе на границе венецианских владений в Альпах. Происходил из семьи Вечелли, весьма влиятельной в городке. Отец художника во время войны Венеции с императором Максимилианом оказал большие услуги республике Св. Марка.
В Германии портрет развился как самостоятельный жанр к середине 15 в., тогда как в Нидерландах это случилось на несколько десятилетий раньше. Влияние нидерландского искусства на немецкое было достаточно сильным. Портрет был, как правило, погрудным или плечевым, выполненным чаще всего на черном фоне. Затем на портретах появляется оживляющий элемент - окно, пейзаж. Вскоре пейзаж заполняет весь задний план. Такие портреты с пейзажем были особенно характерны для дунайской школы. В 15-16 веках художники выходят из-под влияния позднеготических традиций, их больше интересует личность, явления жизни в тесной взаимосвязи с окружающей средой.
Альбрехт Дюрер: ранние портреты полны огромной внутренней напряженности. В них он запечатлел образы своих современников -- людей кипучей энергии, ярких дарований и сильных страстей (нюрнбержец Освальд Крелль, 1499).
В период смут и раздоров среди сторонников Реформации, Дюрер написал ряд превосходных портретов, в которых благотворно сказалось соприкосновение художника с нидерландским искусством. Яркость образов, страстность и выразительность сочетаются в этих портретах с пластической обобщенностью (портреты нюрнбергских бюргеров Иеронима Хольцшуэра, 1526, и Якоба Муффеля, 1526). В эти годы Дюрер много работал как гравер и создал ряд превосходных портретов в гравюре на дереве и меди (Вилибальд Пиркгеймер).
Лукас Кранах старший: Ранние работы Кранаха, выполненные в Вене, отличаются яркой эмоциональностью. В эти годы он написал ряд превосходных портретов, среди которых выделяется портрет ректора венского университета доктора Куспиньяни (1503).
Около 1509 года в творчестве Кранаха наблюдается проникновение некоторого влияния итальянского Возрождения, но ненадолго. Вскоре в произведениях Кранаха вновь усиливается плоскостность, линейность, декоративные черты выступают на первый план, портреты приобретают репрезентативный характер,например, парные портреты герцога Генриха Благочестивого и его жены, 1514 -- первые в немецком искусстве портреты в рост. В них интересно отметить сочетание условности в трактовке фигуры, необычайной декоративности костюма с очень острой и неприкрашенной характеристикой лиц.
Кранах создал несколько живописных и гравированных портретов Лютера, представляющие большой исторический интерес и отличающиеся высокими художественными достоинствами.
Ганс Гольбейн Старший: В жанре портрета он достиг вершины спокойного, отточенного, уравновешенного мастерства. И люди на его портретах выглядят непроницаемо, невозмутимо спокойными, хотя индивидуальности выступают ясно и, должно быть, все эти портреты очень похожи на оригиналы. Художественная манера Гольбейна настолько объективна, что его собственная личность остается в тени: кажется, что через него говорит сама натура. Эразм Роттердамский - мудрый и иронический, Амербах - тонкий и обаятельный, Шарль Моретт - замкнутый, Томас Мор - сурово сосредоточенный - они выглядят так не потому что художник хотел это выразить, а потому, что это выразилось само собой, как следствие безошибочно верного воспроизведения объема на плоскости.
Парные портреты бургомистра города Якоба Майера и его жены (1516). Пластичность формы, свободное расположение фигур в пространстве, плавное течение линий, наконец, введение ренессансной архитектуры роднят эти портреты с искусством итальянского Возрождения. Но при этом Гольбейн сохраняет и чисто немецкие черты -- точность в передаче особенностей лица модели и тщательность отделки деталей.
С 1536 года он стал придворным художником короля Генриха VIII, занимаясь с этого времени почти исключительно портретом. Портреты этой поздней поры несколько отличаются от более ранних работ Гольбейна. В них сказались и известное влияние вкусов двора и общая эволюция европейского искусства, постепенно отступавшего от традиций Ренессанса. Ограниченность пространства, уплощение формы и графичность ее трактовки в какой-то мере роднят поздние работы Гольбейна с повсеместно распространившимся в эти годы в Европе искусством маньеризма. В поздних работах Гольбейна преобладают фронтальные положения, движения скованы чопорностью придворного этикета, чувство человеческого достоинства иногда сменяется холодной надменностью. И все же Гольбейн никогда не становится на путь идеализации, и даже поздние его портреты отличаются всегда неприкрашенной правдивостью. Среди лучших картин последних лет можно назвать портреты французского посла в Лондоне Моретта, жен короля Анны Клевской и Джейн Сеймур, самого Генриха VIII.
Особое место в художественном наследии Гольбейна занимают его рисунки. Больше всего среди них портретов. В подавляющем большинстве это исполнявшиеся с натуры подготовительные рисунки, на основании которых художник писал затем живописные портреты. Рисунки эти особенно драгоценны потому, что в них зафиксировано живое и непосредственное впечатление художника, не всегда сохраняющееся в живописном произведении. Они исполнены в разных техниках -- перо, тушь, серебряный карандаш, позднее к ним добавляются уголь и сангина. Иногда они немного подцвечены акварелью. Отличительной особенностью портретных рисунков Гольбейна, в особенности позднего периода, является их поразительная лаконичность. С помощью немногих точнейших штрихов Гольбейн умеет передать характер, уловить выражение лица, создать ощущение пластической формы.
Тяготение к гармоничному идеалу и завершенным классическим формам сочеталось с острым чувством индивидуально неповторимого. Не случайно наиболее значительные достижения здесь связаны с портретом.
Дюрер: от фиксации узкоконкретного идет к созданию образа более цельного, полнокровного, исполненного явно под влиянием итальянских впечатлений, и приходит к образу, полному философских раздумий, высокого интеллекта, внутреннего беспокойства - автопортреты 1493, 98, 1500; 20-е гг. - портреты наиболее близких ему по духу людей - художника ван Орлея, графический портрет Эразма Роттердамского - образы психологически выразительные и чеканно-лаконичные по форме. В изобразительном языке исчезает всякая дробность, красочная пестрота, линеарная жесткость. Портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокое одухотворение, подлинная сила духа отличает каждое лицо. Так художник сочетает идеальное начало с конкретно-индивидуальным. П-т матери.
Гольбейн : портреты - самая сильная часть творчества, написаны всегда с натуры, остро правдивые, иногда безжалостные по своей характеристике, холодно-трезвые, но изысканные по колористическому решению. В ранний период более обстановочны, парадны (п-т бургомистра Майера, п-т жены Майера), в поздний период - более просты по композиции. Лицо, заполняющее почти всю плоскость изображения, характеризовано с аналитической холодностью. Последние годы жизни - придворный портретист Генриха8, лучшие портреты (Томаса Мора, сэра де Моретта, Генриха8, Джейн Сеймур). Блестящие по мастерству портреты, исполненные акварелью, углем, карандашом.
Кранах : П-т Мартина Лютера. П-т Генриха Благочестивого. Парадный: в рост, нейтральный фон, блеск и величие, но без идеализации. Вообще для Кранаха характерна прямолинейная трактовка образов.
- В течение второй половины 15 и в 16 в. искусство Москвы, став общерусским национальным искусством, отражая идеи силы и значительности русского централизованного государства, приобрело ярко выраженные черты торжественности, представительности и величавости. Вместе с тем сквозь религиозную оболочку все яснее стали пробиваться светские тенденции.
- В годы правления Ивана III Москва стала центром единого государства. В то время и в 16 в. происходило окончательное сложение русского феодального государства, росли производительные силы, расширялись торговые связи, возникали предпосылки для образования единого всероссийского рынка. Процессы эти протекали отнюдь не гладко, а в жестокой политической и классовой борьбе. Одно за другим потеряли свою самостоятельность отдельные княжества, подчинился господству Москвы Великий Новгород. При Иване IV к РОССИИ присоединились древние русские земли на западе, расширилась ее территория и па восток. Намного поднялся международный престиж Руси, завязывались оживленные дипломатические сношения со странами Западной Европы, папской курией, государствами Востока. Русские послы стали частыми гостями германского императора, венецианских дожей, турецкого султана. Москву охотно посещали иностраннные инженеры, архитекторы, мастера различных профессий.
- После гибели Византийской империи Москва стала центром и восточно-христианской церкви. На нее с надеждой смотрели греческая и иерусалимская церкви, суля великому князю корону византийских императоров. Московские князья использовали создавшееся положение для обоснования якобы божественного происхождения царской власти и укрепления феодальной монархии. Возникали новые политические теории, доказывавшие необходимость и законность централизации государства. ЭТОМУ были подчинены все средства идеологического воздействия.
- Укрепление централизованного государства сопровождалось классовой борьбой, подчас выливавшейся в восстания крестьян и горожан. В идеологической области классовая борьба выражалась в широком распространении различных ересей - жидовствующих, Матвея Башкина, Феодосия Косого, в непримиримости позиций различных групп духовенства-«нестяжателей» и «осифлян», что вызывало гневные отповеди Нила Сорского и Вассиана Патрикеева, в публицистических сочинениях Ивана Грозного и Ивана Пересветова.
- Передовые люди ратовали за приоритет разума в решении вопросов веры и этики. Идейная жизнь Руси изменялась. Условия общественной жизни, рост международных связей и авторитета молодого Русского государства заставляли шире смотреть на мир и обращаться к опыту науки и культуры других стран. Фактом огромной важности было появление на Руси книгопечатания.
- Идейные сдвиги в конце 15 и в 16 в. ярко отражались в искусстве .
- Образцом для подражания в иконописи стали творения Андрея Рублёва. Главное его произведение икона "Троица" породила множество подражаний.
- Андрей Рублёв - русский живописец. Рублёв был монахом Андрониковамонастыря (Москва), где умер и похоронен; ранее, по-видимому, был связан сТроице-Сергиевым монастырём. В 1405 (согласно летописи) участвовал с ФеофаномГреком и Прохором с Городца в создании росписей и икон Благовещенского собораМосковского Кремля; вместе с Даниилом Чёрным расписывал (в 1408 г.) Успенскийсобор, во Владимире и участвовал в выполнении икон этого собора, а такжеросписей и икон Троицкого собора Троице-Сергиевого монастыря, в котором, вчастности, находилось знаменитая икона "Троица", наиболее совершенноепроизведение Рублёва; в конце жизни расписывал собор Андроникова монастыря.Рублёву приписывают также участие в создании росписей и икон соборов вЗвенигороде и миниатюр Евангелия Хитрово. В своих произведениях, создававшихсяв период национального подъёма, связанного с борьбой против государства, Рублёвгениально воплотил в рамках средневековой иконографии новое,возвышено-одухотворённое понимание красоты и духовной силы человека. Егоросписи и иконы, принадлежащие к вершинам мирового искусства, характеризуютсябольшой человечностью образов, тонкой гармонией композиции и красочной гаммы, вкоторой преобладают светлые тона, плавными певучими линиями.
- Дионисий - русский живописец. Историки сообщают о работах (росписи, иконы) Дионисия: в Пафнутьевом-Боровском монастыре (между 1467 - 1477 гг., совместно с художником Митрофаном), в Успенском соборе Московского Кремля (1481 г., с художниками Тимофеем, Ярцем и Коней), в Иосифовом Волоколамском монастыре (1484-1486гг., с сыновьями Владимиром и Феодосием, старцем Паисием и другие). Сохранилась замечательная работа Дионисия (вместе с сыновьями) - роспись собора Ферапонтова монастыря (1500-1502 гг.). В Третьяковской галереи находятся иконы Дионисия - "Одигитрия" (1482 г.) и две иконы из Павлова-Однорского монастыря (1500 г.). Произведения Дионисия исполнены торжественные ясности и оптимизма. Для них характерны плавные линии рисунка, гармоничность композиции, светлые прозрачные краски, изящные фигуры вытянутых пропорций.
- Строгановская школа живописи возникла в конце XVI века. Она создалась на традициях новгородской. Ее начало было положено на севере, в Сольвычегодске. После покорения Новгорода Иваном Грозным оттуда начали переселяться культурные силы в Москву, верховья Волги, на Север и в другие места. В это время богатые купцы Строгановы, любители иконописного искусства, переехали из Новгорода в Сольвычегодск, организовали там иконописную мастерскую и собрали хороших мастеров иконописного дела. Некоторые из Строгановых и сами занимались иконописанием. Мастера в Строгановской мастерской находились всецело под влиянием своих хозяев и их вкусов, а те больше всего ценили тонкое письмо, играющее яркими красками, золотом и изящной отделкой. В новых условиях мастера постепенно отходили от традиций новгородской школы и вырабатывали свои стилевые особенности, которые и стали уже строгановскими. В XVII веке строгановское письмо получило широкое развитие и его традиции укрепились. Возник строгановский стиль, строгановская школа, которая распространилась не только на Севере, но и в Москве и в городах верхней Волги.
- Характерные особенности композиций строгановской школы - их сложность и миниатюрность. Однофигурные и многофигурные композиции почти всегда усложнены пейзажем с низким горизонтом, а фона - "явлениями" и причудливыми облаками. Сравнивая композиции новгородского и строгановского стилей, мы видим, что новгородские мастера считали достоинством своих композиций простоту и убедительность образов, а строгановские видели красоту в многосложной миниатюрности и богатых украшениях композиции. Эти черты и являются основными особенностями строгановского стиля. Растительность в живописи строгановской школы занимает значительное место. Но если новгородские деревья имеют условную веерообразную и округлую форму, то строгановские ближе к натуре, разнообразнее и детальнее разработаны. В цвете деревья строгановского стиля остаются зелеными, как и новгородские, но только более цветные и яркие. Листва их выполнена не условными треугольниками и инокопью, а в различных формах, ближе к натуре. Стволы деревьев выполняются также не инокопью, а штрихами, условно передающими фактуру древесной коры.
- Тяга к декоративности и виртуозности, изощрённости и парадности характерна для живописи той эпохи. Налицо, с одной стороны, рост мастерства, технического совершенства, с другой - потеря глубины, монументальности, широкого дыхания живописи .
Около 1530 г. была выполнена роспись собора Смоленской Богома-тери Новодевичьего монастыря. Главная тема росписи — прославле-ние Божией Матери, даровавшей победу русскому воинству. Включая в общую композицию многочисленные изображения местных святых, почитаемых в различных областях, художники наглядно выражали идею собирания русских земель вокруг Москвы. Всё это напоминало о мемориальном значении собора — памятника присоединению Смо-ленска.
Церковь воинствующая
Вытеснение личного, авторского начала и развитие официально-госу-дарственного, назидательного подхода к искусству ярко проявились и в самой известной иконе XVI столетия — «Церковь воинствующая». Она является живописным памятником взятию Казани. На огром-ном, вытянутом по горизонтали на четыре метра пространстве иконы представлено шествие русского воинства во главе с царём Иваном IV . В небесах парят ангелы, а во главе процессии скачет на крылатом коне предводитель небесного воинства архистратиг Михаил. В симво-лическом «параде» участвуют не только живые, но и давно умершие персонажи — князья Владимир Святой, Борис и Глеб, Владимир Мо-номах, Александр Невский и Дмитрий Донской . Цель многолюдного шествия — поклонение Божией Матери, сидящей на престоле с Мла-денцем Христом на руках. А вдалеке, на самом краю иконы, изобра-жён охваченный огнём город — покорённая Казань.
Дионисий
В XVI в. развитие русской живописи связывается с именем Дио-нисия(ок. 1440 — после 1502). Он создал фрески Успенского собора Московского Кремля и церкви Рождества Бого-родицы в Ферапонтовом монастыре. Творчество Дионисия оказало влияние на живопись всего XVI в. Парадному, праздничному, торжественному искусству Дионисия стали подражать во многих горо-дах России. Основными сюжетами в живописи того времени оста-вались сюжеты из Библии и Евангелия, лики святых. Однако в отличие от Рублёва, в работах Дионисия прослеживается стремле-ние к внешней красоте, пышности.
Мастерская Дионисия начала изготавливать ико-ны с клеймами, т. е. иконы, обрамлённые со всех че-тырёх сторон небольшими изображениями главных событий жизни святого.
В конце XVI в. возникают две оригинальные шко-лы живописи — «годуновская» и «строгановская».
Годуновская школа
Художники «годуновской школы» (работавшие по заказам семейства Годуновых) стремились возродить традиции раннего периода русской живописи. Они подра-жали стилю Дионисия, копировали произведения Андрея Рублёва. Однако даже хорошая копия всегда уступает оригиналу. Годуновские мастера не умели передать «душу» древней живописи — ощу-щение внутреннего трепета художника перед величием божества.
Строгановская школа
К концу XVI в. в живописи появилось новое художе-ственное направление — строгановская школа. Создателями строгановской школы были богатые купцы-солепро-мышленники Строгановы. Они помогали развитию этого направления своими заказами. В строгановской школе ценились техническое ма-стерство и тщательность исполнения, она отличалась ювелирной тонкостью прора-ботки деталей, широким использованием золота и серебра. Приме-ром может служить небольшая икона «Никита-воин», написанная «строгановским» мастером Прокопием Чириным . Её можно долго рассматривать вблизи, любуясь совершенством техники письма.
В XVI веке в России широко было развито прикладное искусство — художественное изготовление вещей, тканей, игру-шек, украшений. В Новгороде было более двухсот мастеров серебряных дел. В Пскове имелось 140 ла-вок на торгу, где продавали серебряные изделия. Искусные ремесленники занимались резьбой по кости. Русские мастера использовали тра-диционные узоры и мотивы восточного орнамента (гончарные и чеканные сосу-ды, крупные декоративные пуговицы из золота и серебра с филигранными узо-рами).
Книжная миниатю-ра
Художественное ремесло
Больших успехов достигли в XVI в. художественные ремёсла — резьба по дереву и камню, ювелирное дело, лицевое шитьё, отливка колоколов. В Успенском соборе Мо-сковского Кремля до сих пор находится «царское место» (1551) — своего рода трон, деревянные стенки которого украшены резными композициями на тему происхождения власти московских госуда-рей. Его верхняя часть представляет собой ажурный деревянный шатёр с тончайшей резьбой.
Худо-жественное шитье
В XVI в. широко было распространено худо-жественное шитье (вышивание). Им за-нимались девушки и замужние женщины, в том числе и в царской семье.
Загрузка...