Это была настоящая революция. Вместо тщательно выписанных мифологических сюжетов и равнодушно-красивых портретов на художественных выставках появилась реальная жизнь - многоцветная, не приукрашенная, производящая сильное впечатление. У истоков нового стиля стояли французские художники, чьи имена до сих пор почитаются во всем мире.
Основоположники импрессионизма
Название нового течения, которое стали применять не только в живописи, но и в поэзии и музыке, сначала имело пренебрежительное значение. Его породил критик Луи Леруа, использовав для обобщенного карикатурного наименования группы художников из круга Клода Моне (1840-1926) название картины последнего - «Впечатление. Восход солнца» (1872) (фр. Impression, soleil levan). Эти французские художники, чьи работы были не допущены на академическую художественную выставку в Париже, выставили свои работы в Салоне отверженных.
Первая выставка проходила в ателье фотографа Надара на бульваре Капуцинок в апреле-мае 1874 года. Участвовали в ней среди прочих и французские художники, чьи работы считаются первыми образцами истинно новой, прогрессивной живописи. Кроме Моне, это Эдгар Дега (1934-1917), Камиль Писсаро (1830-1903), Пьер Огюст Ренуар (1841-1919), Альфред Сислей (1839-1899), Берта Моризо (1841-1895), Фредерик Базиль (1841-1870). Особый стиль признается за Эдуардом Мане (1832-1883), который никогда не выставлялся с импрессионистами, но находился с ними в тесном взаимодействии и взаимовлиянии. Поль Сезанн (1839-1906), участвуя в выставках, разделял многие взгляды друзей, но потом начал искать и нашел свой путь, где реализм играл значительно меньшую роль. Он стал прямой предтечей формальных поисков первых авангардистов XX века.
Теоретические основы
Выставка в Салоне отверженных - не начало отсчета в истории импрессионизма, а период окончательного оформления этого течения. Свои взгляды на изображение природы французские импрессионисты - художники, несогласные с академическими воззрениями - высказывали за долгое время до этого. Пейзажи Моне, Сислея, Писсаро, Сезанна содержали попытку остановить мгновение, передать мимолетное чувство восхищения миром, наполненного красками и светом. Из-за этого их работы казались недоработанными, небрежными, слишком непохожими на привычные классические образцы.
Между тем влияние творчества таких мастеров прошлого, как Рубенс, Веласкес, Гойя, Делакруа, на ведущих мастеров импрессионизма очевидно. Кроме точности в рисунке, богатства взаимоотношений света и тени, изысканности цвета, французские художники учились внимательному наблюдению над натурой и свободе в выборе тем. Период обучения, когда будущий мастер едет в Италию, изучает музейные коллекции Венеции и Флоренции, копирует шедевры Возрождени,я есть в биографии каждого видного импрессиониста.
Прошло немало времени, пока всем стало ясно, что картины французских художников-импрессионистов носят характер истинно реалистической живописи, что обвинения их в неряшливости и неточности, несоблюдении перспективы, использовании неестественной красочной палитры по сути своей неверны. В их полотнах содержится призыв смотреть на окружающее внимательнее, различать богатство линий и оттенков.
Клод Моне
Не зря именно картина Клода Моне дала имя всему стилю. Этот художник одним из первых оценил значение работы на пленэре, с использованием красок в тюбиках, что позволяло запечатлеть пейзаж в естественном свете, без доработок в студии. «Бульвар Капуцинок» (1873), «Вокзал Сен-Лазар» (1877), «Руанский собор в солнце» (1894), «Водяные лилии» (1915) - это примеры удивительной для того времени свободы взгляда и новаторской живописной техники.
Эдгар Дега
Он любил работу в студии и не принимал стремлений импрессионистов работать только на пленэре. Излюбленных моделей он находил за кулисами театров, в кафешантанах, в мастерских и прачечных... В круг его интересов входила пастель, графика, скульптура. Дега никогда не придавал значения принадлежности к определенному течению, но его всегда зачисляли во французские импрессионисты. Художники этого стиля были близки Дега по выбору сюжетов, свежести и богатству палитры, и знаменитые "Танцовщицы" навсегда останутся одним из величайших шедевров импрессионизма.
Стиль, появившийся в конце XIX века во Франции, - удивительное явление. Сначала фамилии французских художников, нашедших новую дорогу в искусстве, награждались насмешливыми эпитетами, определяющими их как неумелых любителей, хулиганов в возвышенном мире искусства. Но оказалось, что избежать влияния их творческого метода не смогли все последующие поколения художников. Самые значительные коллекции живописи, как музейные, так и личные, не могут обойтись без присутствия французских импрессионистов, а любое их появление на аукционе - событие мирового масштаба.
В каждой стране есть свои герои актуального искусства, чьи имена на слуху, чьи выставки собирают толпы поклонников и любопытствующих, а работы – расходятся по частным коллекциям.
В этой статье мы познакомим вас с самыми популярными современными художниками Франции.
Малика Фавр (Malika Favre)
Малику Фавр к миру изобразительного искусства приобщила художница-мать – в их доме не было телевизора и видеоигр, эти развлечения заменяло рисование. После окончания университета Фавр переехала в Лондон, где живет и работает до сих пор. Именно в Лондоне, после четырех лет работы на студии Airside, она нашла свое призвание и стала профессиональным иллюстратором.
Томас Мэйнардис (Thomas Mainardis)
Томас – французский художник-самоучка. Его картины, стиль которых художник обозначает как поп-экспрессионизм, – это субъективные впечатления и моменты, выхваченные из современной поп-культуры и насыщенные эмоциями и фантазиями. В настоящее время художник живет и работает в маленьком городке между Парижем и Лиллем.
Nushka
Художница Nushka живет и работает в Париже и занимается живописью уже более 10 лет. Изучала живопись Nushka в Детройте у американского художника Заваки, который обучил ее основам рисования, и у Мэгги Синер, которая познакомила ее с механикой цветов. Также училась у художника Hashpa. Благодаря столь богатой базе, живопись художницы сочетает техническое мастерство и стиль с современными темами.
Лоран Ботелла (Laurent Botella)
Лоран обучался живописи в мастерской Maithe Rovino в городе Оссон и в художественной школе Beaux Arts в Тулузе. Его картины выполнены в импрессионистической технике – и техника для Лорана имеет первостепенное значение: композиция и цветовая гамма направлены на то, чтобы подчеркнуть сюжетную составляющую картины. Начиная с 1991 года Лоран Ботелла регулярно участвует в выставках и конкурсах, на которых уже неоднократно удостаивался призов и награды.
Лоран Доптен (Laurent Dauptain)
Лоран Доптен имеет степень магистра в области живописи. Сюжетика его работ необычна: в основном художник рисует свои собственные портреты, экспериментируя с различными техниками. Время от времени Лоран пробует себя в других жанрах, но всегда возвращается к автопортерету. Начиная с 1981 года Доптен постоянно выставляется, много раз участвовал в различных конкурсах и неоднократно получал награды за свою работу, самые значимые из которых включают в себя Гран-при Салона Peintres de l"Armee, 2003 год, премия Тейлора, 2001 год и золотая медаль Салона художник Франции, 1997 год.
Мишель Делакруа (Michel Delacroix)
Мишель Делакруа родился в 1933 году. Его любовь к рисованию зародилась еще во времена немецкой оккупации Парижа. Именно Париж, который даже тогда оставался Парижем, является героем его картин – тихий, спокойный город детства художника. Делакруа долго экспериментировал со стилями, пока в конце концов не остановился на направлении, сделавшемся его фирменным – «наивном» стиле живописи. Делакруа неоднократно удостаивался различных наград, включая Grand Prix des Amateurs d’Art, Париж 1973 год, Grand Prix de la Cote d’Azur, Канны, 1976 год, Premier Prix de Sept Collines, Рим, 1976 год и т.д. Его работы можно найти в нескольких государственных и частных коллекциях, включая Национальный музей современного искусства в Париже и международный музей наивного искусства.
Сильвестр Эврард (Sylvestre Evrard)
Французский художник Сильвестр Эврард живет и работает в городе Лилль. В основном, герои его картин – люди. Стиль и настроение картин художника, по его собственным словам, можно кратко охарактеризовать выражением Андре Мальро: «Искусство – присутствие в жизни того, что должно принадлежать смерти».
Патрисия Перрир-Ради (Patricia Perrier-Radix)
Работы Патрисии отличаются легкостью, непринужденностью и совершенством. Художница не останавливается в поисках своего стиля, постоянно обогащает знания изучением различных материалов, но склоняется к работе акриловой и масляной краской на холсте. Ее картины удивительно эмоциональны – рисуя героев без лиц, Патрисия мастерски передает малейшие оттенки чувств и настроений точностью мимолетных жестов и поз.
Анри Лами (Henri Lamy)
Современный французский фигуративный художник Анри Лами учился масляной живописи, но оказался увлечен непосредственностью и спонтанностью акрила, усиливающего его работы резкими, выразительными цветами. Картины Анри создает капающей с ножа краской, потеки которой переплетаются, соединяются и почти мгновенно высыхают. Вблизи эти акриловые картины могут выглядеть абстракцией и показывают свое истинное лицо лишь зрителю, отошедшему на пару шагов.
Джоанна Перду (Johanna Perdu)
Джоанна, также известная среди коллег и любителей живописи как La D"Jo, получила диплом по специальности в изобразительном искусстве и посвятила себя ему во всем его разнообразии, от живописи до фотографии. Свои идеи она черпает из мира развлечений: музыка, танец, театр, цирк.., а в центре ее картин всегда живые существа из этого волшебного мира. Сегодня ее картины можно встретить в галереях в различных уголках мира. Нарочито наивные работы Перду завоевали внимание критиков и заслужили от них множество отзывов, как правило, восторженных.
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
19 век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказывались. Изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И часть импрессионистов дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Некоторые дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов. Которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832 – 1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекцияМане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем на перемены.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь. Или натюрморты на худой конец. Чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Двое денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” была обвинена в вульгарности. Беременным на полном серьезе не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи 16-19 вв.). Колонны и статуи. Люди аполонской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Реальная жизнь реальных людей.
Однажды писал одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный цвет. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане, язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника. Который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Все новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Когда оно уже ему было не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840 – 1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция Клода Моне можно назвать христоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных – .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание, дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” – главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика – это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать. Гипертрофируя импрессионизм. Что переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разное время года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так, появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одна их фишка.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Он обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841 – 1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru Импрессионизм – это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На его картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам. Которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность написать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен своими ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834 – 1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Ассиметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Все это главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновение жизни, не дав ему опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Поэтому так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с женщиной.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841 – 1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Берту Моризо редко когда ставят в первый ряд с великими импрессионистами. Уверена, не заслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам импрессионизм нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто. Перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция. Как и Дега, она часто не дорисовала некоторых деталей. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена женщине полагалось мечтать выйти замуж. После чего любые хобби забывались.
Поэтому Берта долго отказывалась от замужества. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно тоскал за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж. Но все же дело было в 19 веке. Нет, брюки Моризо носить не стала. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк поработать в одиночестве. Без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины – это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф. Моризо признания не дождалась. Умерла она в 54 года от воспаления лёгких. Не продав при жизни почти ни одной своей работы. В свидетельстве о ее смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея пятерых детей и жену, он все равно упорно работал в том же стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись. Чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера. Которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Когда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы. Которые покажутся на мгновение и исчезнут. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж Самые известные его работы – виды Парижа. С широкими бульварами, суетной и пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то перекликаясь с сериями картин Клода Моне.
Во второй половине девятнадцатого века во Франции зарождается новое направление - импрессионизм. В его основе лежит стремление деятелей искусства самыми разнообразными средствами передать мимолетные впечатления от событий и явлений.
Импрессионизм в живописи
Проникнувшись особенностями этого направления, молодые французские художники начинают работать в данном стиле. С этого времени они пишут свои картины не в мастерской, как было раньше, а под открытым небом. Стремясь максимально доступно выразить свои впечатления, они создают совершенно новый метод живописи. Его основная идея заключается в передаче внешних ощущений тени и света на поверхности предметов с помощью раздельных мазков и исключительно чистых красок. Благодаря этому, различные формы, которые раньше выступали на первый план, теперь растворяются в наполненной жизнью воздушной среде.
В эпоху импрессионизма французские художники работают преимущественно в портретном и пейзажном жанрах, передавая свои впечатления от окружающих событий (зарисовки прогулок, сцены в кафе, на улице). В своих картинах они изображали естественную жизнь, где человек находится в непосредственном контакте с поражающей разнообразием ярких красок окружающей средой. Воздух, в который словно погружены предметы и люди, стал их основной темой.
Рассматривая работы импрессионистов, удивительным образом можно почувствовать ветер, землю, нагретую солнцем, и даже мороз - так метко французские художники передавали богатство естественного цвета. Это течение стало последним крупным девятнадцатого века.
Французские художники-импрессионисты. Клод Моне
Ему принадлежит важная роль в развитии импрессионизма в живописи. является создателем знаменитой картины «Впечатления. Восход солнца». Помимо этого шедевра, художник создал ряд не менее известных работ: «Женщины в саду» (где изобразил свою возлюбленную Камиллу), «Вид с церкви Сен-Жермен», «Набережная Лувра». Картины этого величайшего живописца представлены во многих музеях мира (в Париже, Нью-Йорке, Чикаго, Бостоне, Москве и Санкт-Петербурге).
Эдуард Мане
Его первым значительным произведением считается картина «Любительница абсента». Также огромной популярностью пользуется шедевр «Купание», выставленный в Салоне отверженных, где экспонируются работы, не принятые официальной комиссией. является автором многих картин, среди которых «Портрет родителей», «Завтрак на траве», «Олимпия», «Балкон».
Огюст Ренуар
Многие французские художники, писавшие в стиле импрессионизм, стремились передать жизнерадостное восприятие действительности. Данная тенденция особенно ярко выражена в творчестве Ренуара. Для своих картин он выбирал свежие молодые лица, непринужденные естественные позы. Наибольшую известность получили его работы «Бал в саду», «Зонтики».
Импрессионизм в современном русле
В наши дни основные идеи этого некогда популярного направления остаются актуальны. Современные французские художники в своих произведениях продолжают развивать данный стиль. Ведь пока в человеке живет потребность радоваться всему окружающему, импрессионизм, с его яркими красками и впечатляющими образами, будет и далее существовать.
Загрузка...