История театра — это мир человечества. Элементы театра, возникшие благодаря народным представлениям

Драматургия - особый род искусства. Она существует «на слиянии» литературы и театра, то есть в ней законы литературы и театра проявляются в своем взаимодействии.

История современной русской литературы начинает свой отсчет со второй половины XVIII века, с появления «Древней российской библиофи-лики», ознаменовавшей принципиально новое отношете читателя к отечественной литературе и литературы к самой себе как к самостоятеяьному и самодовлеющему явлению. Такой вывод сделал Д. С. Лихачев в работе «Поэтика древнерусской литературы»: «Древнерусская литература существует для читателя как единое целое, не разделенное по историческим периодам. <...> Коща в сознании читателя авторы и их произведения выстраиваются в хронологической последовательности, это означает, что появилось сознание исторической изменяемости литературы, и это значит, что процесс развития литературы начал совершаться единым фронтом. С каких пор мы можем наблюдать появление этой литературной памяти, этого сознания изменяемости литературы? <...> Его начинает собой грандиозная деятельность Новикова по собиранию и древних памятников в издании, подчеркивающем это историческое сознание в самом его названии: «Древняя российская библиофилика». Но сознание исторической изменяемости стиля и языка появляется только в начале XIX в. Пушкин был первым, кто ощутил в полной мере различие стилей литературы по эпохам, странам и писателям. Он был увлечен своим открытием и пробовал свои силы в различных стилях - разных эпох, народов и писателей. Это означало, что скачок закончился и началось нормальное развитие литературы, осознающей свое развитие, свою историческую изменяемость. Появилось историко-литератур-ное самосознание литературы. «Итак, с труда А. Ф. Новикова, появление которого доказало, что русской литературе, чтобы свободно развиваться, необходимо всмот-реться в свою историю, осознать всю длину пройденного ею пути, со второй половины XVIII века, начинается новая русская литература. Примерно тогда же начинается и русский театр: его зарождение связано с именем Федора Волкова. Таким образом, лишь к середине XIX века русская литература стала абсолютно самостоятельным фактором мировой культуры, и русская сценическая достигла серьезных высот, сформировала важнейшие принципы и постулаты драматического искусства. Но что из себя представлял репертуар русских театров? Самобытные, яркие пьесы отечественных авторов были явлением крайне эпизодическим на их сценах. «Горе от ума» лишь в 1862 году впервые увидел зритель; из всех пьес Н. В. Гоголя в театрах шел только «Ревизор»; драматургия Пушкина и Лермонтова русскому театру была вообще неизвестна. Основную массу постановок осуществляли на материале переводных французских пьес и подражательных русских; излюбленным жанром стал водевиль, и значение театра воспринималось как развлекательное, увеселительное.

Итак, к середине XIX века русская сцена испытывала настоятельную потребность в принципиальном обновлении репертуара; она стремилась обратиться к национальным образам и отечественным проблемам. Тяга к драматургии явственна у всех выдающихся русских писателей начала прошлого века. Но пьесы Пушкина, Лермонтова, Гоголя не образуют собой взаимосвязанных явлений. Они воспринимаются органично лишь взятые в контексте творчества их автора; объединение их в некий самостоятельный ряд выглядит механическим. Однако эти блистательные сами по себе пьесы, если и не сделали «русского театра», были необходимы становлению русской драматургии. И к середине века русская литература уже была готова к встрече с театром. Надо особо отметить, что не только культурная, но и общественная жизнь страны требовала нового театра и новой драматургии. Конец 50-ых - начало 60-ых годов - это ожидание, подготовка и осуществление важнейщих реформ. В обновленной пореформенной России особую силу обретает общественное мнение: большинство впервые за много лет обрело свой голос и активно стремилось, чтобы этот голос прозвучал и был услышан. Особенности этого периода нашей истории комментирует А. Аникст: «Пограничной датой, обозначающей конец одного периода и начало другого, является 1855 год - год смерти Николая 1, тридцатилетнее царствование которого ознаменовалось мрачнейшей реакцией в общественной и духовной жизни страны.

Отмена крепостного права в 1861 году и сопровождавшие его реформы являлись мерами половинчатыми, не решавшими всех противоречий. Тем не менее атмосфера в стране, по сравнению с временами Николая 1, несколько изменилась. Стало возможным более резко изображать зло предшествующего пери-ода. В соответствии с изменившимися условиями и в литературе появились новые веяния. Конец этого периода совпадает с убийством Александра II народовольцами в 1881 году. Время, подлежащее нашему рассмотрению, охватывает четверть века; это были годы весьма плодотворные для русской литературы и, в частности, для драмы. Именно в эти годы русская драма достигает полной зрелости и становится главной силой в театре. Теперь уже не единичные шедевры.., а десятки пьес свидетельствуют о том, что появилась своеобразная русская национальная драма, обладающая большим богатством идей и отличающаяся самобытной художественной формой «^Все эти десятки пьес, если и не написаны самим Островским, то созданы в соавторстве с ним, под его руководством. Островский один сделал то, что в других странах делали поколения драматургов. Целенаправленно и последовательно создавал он русский национальный театр. Уникальность дарования его в удивительном гармоническом сочетании таланта литератора и театрального деятеля. Он не просто создал театральный репертуар. Он сформировал школу актерского мастерства. Разработал устойчивую и необходимую классическому театру систему амплуа. И самое главное - он сформировал нового актера и нового зрителя. Театр Островского - явление целостное. Он характеризуется особым отношением к тексту, культом текста. В самой пьесе, по замыслу драматурга, заложено уже все: и трактовка каждой роли, и необходимые режиссерские приемы, и даже оформление сцены. Режиссер в этом театре - лицо третьестепенное; от актеров и художника требуется лишь максимальное внимание к авторскому тексту. Ведь основа любой классической пьесы - диалог. Все действие держится на разговорах персонажей, на монологах, обмене репликами. Герои - идеальные собеседники. Слово - уже само по себе действие. Жизнь - речь. Большинство пьес Островского отличается полной досказанностью: каждому персонажу для исчерпывающей его характеристики автор дает высказаться вполне.

Творчество зрителя в таком театре заключается в основном в сопереживании происходящему на сцене. Глубокого соразмышления от него еще не требуется. Но к 70-ым годам стремление персонажей Островского к полной откровенности со зрителем заменяется сдержанностью, замкнутостью. Откровенные признания уступают место наме-кам, иносказаниям, умолчанию. Свою роль в театре Островского начинает играть подтекст. В пьесах 70-80-ых годов возникают темы и образы, предвосхищающие принципиально новое явление русской драматургии - театр Чехова. Справедливо отмечает Л. М. Лотман: «Понимание драматизма жизни, которое выразил Островский, его представление о драматическом конфликте, как форме борения личности с порабощением человека «общим порядком бытия «, о речи персонажа как важнейшем элементе драматического действия, сложное соотношение стихий комического и трагического - все эти особенности его произведений готовили возможность революционного переосмысления законов драматургии и театра, происшедшего к концу XIX - началу XX века.

Если домашнее задание на тему: » Становление русского национального театра и русской драматургии оказалось вам полезным, то мы будем вам признательны, если вы разместите ссылку на эту сообщение у себя на страничке в вашей социальной сети.

Свежие новости

Категории

Новости

Сочинения по теме
- Тест ЕГЭ по химии Обратимые и необратимые химические реакции Химическое равновесие Ответы

Федеральное агентство связи

Сибирский государственный университет телекоммуникаций и информатики

Кафедра философии и истории

КОНТРОЛЬНАЯ РАБОТА

по отечественной истории

на тему: "Наука, литература, искусство в послевоенный период"

Выполнила: ст-ка гр. ГС-41

Драчук Н.А

Проверила: И.В. Носова

Новосибирск 2014

Введение

4.1 Живопись

4.2 Графика

4.3 Скульптура

4.4 Архитектура

4.5 Театр

4.6 Музыка

Заключение

Список литературы

Введение

Если заходит речь роли культуры в современном обществе, как правило, на ум приходят произведения художественной литературы, живописные картины. Но ведь всё это лишь небольшая, пусть и очень весомая частица культуры. Культура - очень важная часть человеческой жизни, которая проникает повсюду, проявляясь в самых разных формах. Она занимает в человеческой жизни неоднозначную позицию. С одной стороны, культура закрепляет наиболее ценные и полезные образцы поведения и передает их последующим поколениям, создает духовный мир человека, возвышая его над животным миром. Но с другой стороны, она способна с помощью нравственных норм закреплять несправедливость, суеверия, бесчеловечное поведение. Современный человек не является таковым, если он относится к наследию мировой и отечественной культуры с равнодушием и неуважением. Человек становится по-настоящему культурным только тогда, когда он стремится быть широко образованным.

В своей работе я хотела отразить культурную жизнь советского народа в послевоенный период. Данная тема актуальна тем, что в послевоенное время народу в целом не хватало новых впечатлений, не касающихся военной тематики. Также перед деятелями искусства была поставлена задача, мотивировать народ жить дальше не смотря на трудности этого времени, потому что Великая Отечественная Война привела в упадок развитие культуры нашей страны. Невозмещаемой утратой явилось уничтожение почти целого поколения людей, которые родились в начале двадцатых годов. Война стерла с лица земли многие памятники культуры, Новгородские и Смоленские соборы, дворцы Ленинградских пригородов, янтарную комнату, тысячи музеев, кинотеатров, выставочных и концертных залов, привела к падению образованности в России.

Также, я считаю, что современное поколение заинтересовано в том, что люди того времени, наши бабушки и дедушки, не имеющие почти ни гроша в кармане все же ходили в театры, на концерты, записывались в разные поэтические клубы.

Целью моей работы является изучение и оценка культуры и искусства послевоенного времени, через которые была передана боль людей, живших тогда, а так же патриотический дух победы.

Задачи, которые я перед собой поставила, это исследование развития науки, литературы и искусства в послевоенный период.

Литература, которая мне помогла в написании реферата оказалась крайне полезной. Больше всего мне понравилась книга Сахарова А.Н. "Жизнь России в послевоенный период", так как именно в этой книге оказалась самая нужная информация для моего реферата. Остальные источники были не менее полезны, но достаточный объём необходимой информации, я получила из книги Сахарова.

1. Развитие науки в послевоенный период

В этот период в системе Академии Наук СССР появляются новые институты: физической химии, геохимии и аналитической химии имени В.И. Вернадского, высокомолекулярных соединений, точной механики и вычислительной техники, высшей нервной деятельности, радиотехники и радиоэлектроники, научной информации, языкознания, славяноведения.

Заложенная еще при Сталине база научных достижений СССР в области космических исследований, ядерной энергетики и электроники была возобновлена. В конце 1940-х начале 1950-х были созданы предприятия, по выпуску высокотехнологичной продукции, которая не уступала лучшим образцам мира.

В конце 50-60-х годов СССР вступил в эпоху научно-технической революции, страна была заинтересована в научных исканиях, открывались не только новые НИИ, но и целые научные городки. Было организовано Сибирское отделение наук и Академгородок Новосибирска, в том числе, институт ядерной физики в Дубне (Подмосковье).

Одним из главных мировых центров в области науки явился институт атомной энергии, созданный русским ученым И.В. Курчатовым в 1943. Русские ученые создали важную отрасль науки - физику высоких и сверхвысоких энергий, которая находит самое широкое промышленное применение в строительстве атомных электростанций и технических средств, работающих на атомных двигателях. В конце 1957 был спущен на воду 1-ый в мире ледокол с атомным двигателем (получил название "Ленин"). В 1958 вступает в эксплуатацию АЭС в Сибири мощностью 100 тыс. киловатт. В 1957 Объединенный институт ядерных исследований под руководством Д.И. Блохинцева построил самый крупный в мире (по тем годам) синхрофазотрон.

В 1946-1955 в нашей стране наблюдаются значительные изменения в исследованиях по ракетостроению. В целом, Россия даёт основы современному ракетостроению. Был создан целый ряд различных типов ракет, осуществляется последовательная программа изучения верхних слоев атмосферы с помощью зондирующих ракет. Под руководством С.П. Королева происходило воплощение многих идей и разработок теории космонавтики в промышленности. С начала 1950-х русская наука начинает развиваться в области создания межконтинентальных баллистических ракет (МБР) и ракет-носителей. Для их запуска было положено начало строительству известного космодрома Байконур, где 21 августа 1957 происходит испытание первой в мире межконтинентальной баллистической ракеты, она имела весомое военное значение. Таким образом, Россия начала космическую эру.

апреля 1961 был совершён орбитальный полёт вокруг Земли русским человеком, летчиком-космонавтом Ю.А. Гагариным, на корабле-спутнике "Восток". Русские космонавты-исследователи того времени выполнили широкий круг работ по освоению космоса, тем прочно закрепив за Россией первенство в области ракетной техники и доказав превосходство многих направлений русской науки.

Наши учёные явились первопроходцами в создании квантовой электроники. Квантовая электроника, которая была разработана русскими учеными, она во многом повлияла на развитие физики в целом. Лазеры нашли применение в спектроскопии, исследовании плазмы, зондировании атмосферы, локации, космической связи, вычислительной технике, медицине.

в 1946 были созданы реактивные самолеты "МиГ-9" и "Як-15". С 1947 началось серийное производство реактивных истребителей "МиГ-15". В конце 1940-х - н. 50-х русские ученые получают важные результаты в области исследований больших скоростей. Теоретические и практические разработки М.В. Келдыша, Г.И. Петрова, М.Д. Миллионщикова, Г.П. Свищева и других русских ученых позволили создать новые формы крыльев и управления самолетов. В области прочности самолетных конструкций работали А.И. Макаревский, В.Н. Беляев, A. M. Черемухин и др. В 1950-х русская авиация становится сверхзвуковой. Первый русский серийный сверхзвуковой самолет "МиГ-19" имел скорость до 1450 км/ч.

Русские учёные добились больших высот и в других областях науки.

Русскими биологами А.И. Опариным, Ю.А. Овчинниковым и другими были получены очень важные результаты и сделаны новые открытия в области генетической теории, в изучении структуры и механизма деятельности клетки, физико-химических и биологических основ и закономерностей жизненных процессов живой материи, проблем экологии и рационального использования биологических ресурсов.

В середине 1950-х были открыты методы создания новых веществ с заданными химическими свойствами. Теория цепных химических реакций Н.Н. Семенова легла в основу создания новых полимеров, заменивших дорогие и естественные материалы. Его вклад в мировую науку был отмечен в 1956 присуждением ему Нобелевской премии.

Много неприятностей ожидало гуманитариев, особенно историков. Минц И.И., Разгон И.М., позднее А. Некрич и Н. Эйдельман, подвергались публичным проработкам и сразу стали естественно непререкаемыми авторитетами для коллег и читателей, а их книги дефицитом. Сегодня эти имена - бесспорная классика советской историографии. Многие ученые, и, в первую очередь, философ Александров Г.Ф., были обвинены в преклонении перед Западом.

Отечественная наука была поставлена на передовые рубежи, благодаря достижениям русских ученых. Страна получила приоритет во многих областях соперничества с западными странами в области мирового научно-технического развития.

2. Литература послевоенного периода

Литература первых послевоенных лет, а точнее её духовная основа была образована мироощущением, выстраданным и завоеванным народом-победителем. Страна нуждалась в скорейшем избавлении ран, которые нанесла война, поэтому свои идейные устремления литература тех лет направила на создание благоприятной нравственной и психологической атмосферы всенародного трудового подъёма. Россия, как страна освободительница заняла в мире особое место, тем самым для советской литературы были определены расширение проблематики и круг общественно-политических задач. Писатели того времени пропагандировали мир во всём мире, счастье человека, образ жизни советского человека и интернационализм (стихотворные циклы Бажана, Вургуна, Рустама, Симонова, Суркова, Тихонова). Советские писатели стремились раскрыть основной конфликт того времени - противоборство фашизма и антифашизма.

Интенсивное развитие документальной литературы было вызвано подлинным драматизмом, захватывающей достоверностью накопленной за военные годы жизненной информации и документальной литературы, которая была проникнута благородным стремлением оповестить Родину о заслугах её героев-партизан. Примером тому служат такие произведения как "Люди с чистой совестью" (1946) П.П. Вершигоры, "От Путивля до Карпат" (1945) С.А. Ковпака, "Подпольный обком действует" (кн.1-2, 1949) А.Ф. Федорова, "В Крымском подполье" (1947) И.А. Козлова, "Это было под Ровно" (1948) Д.Н. Медведева. Писатели раскрыли глубокий философский смысл победы над фашизмом, опираясь на действительные человеческие судьбы. Реальные герои Великой Отечественной войны, а точнее их образы, были нарисованы в романе "Повесть о настоящем человеке" (1946) Б.Н. Полевого. Вечная память о погибших, кровная боль за страдания Родины - эти темы звучали в произведениях Твардовского (поэма "Дом у дороги", 1946, стихотворение "Я убит подо Ржевом"), Исаковского (стихотворение "Враги сожгли родную хату"). Испытания военных времён были освящены в поэмах "Прометей" (1947) А.С. Малышко, "Над Ленинградом" (1948) М. Рагима. Военной проблематике были посвящены творческие поиски начинающих писателей К.Я. Ваншенкина, Е.М. Винокурова, С.П. Гудзенко, В. Давтяна, Ю.В. Друниной, М.А. Дудина, М.К. Луконина, А.П. Межирова, С.С. Наровчатова и других.

Советской литературой на каждом из своих этапов была поставлена задача, которая заключалась в создании образа положительного героя. В произведениях многих авторов была затронута тема возвращения к мирному труду. (Роман "Счастье" (1947) Павленко, "Ветер Золотой долины" (1950) Айбека, "Миллионеры" (1948) Мустафина, "Весна в Сакене" (1948) Г.Д. Гулиа, "Кавалер Золотой Звезды" (кн.1-2, 1947-48) С.П. Бабаевского, в поэмах "Флаг над сельсоветом" (1947) А.И. Недогонова, "Весна в "Победе" (1948) Н.М. Грибачева, "Рабочий день" (1948) Луконина, "Утро над Минском" М. Танка, "Новое русло" (1948) А. Кулешова).

Советская литература выступала в эти годы в своей окрепшей многонациональной общности. Многосторонним изображением внутреннего мира и общественных отношений советского человека были наполнены романы "Кружилиха" (1947) В.Ф. Пановой, "Жатва" (1950) Г.Е. Николаевой, "Дни нашей жизни" (1952) В.К. Кетлинской, "Журбины" (1952) В.А. Кочетова, "Буря" (1945-48) Лациса.

Эпическая монументальность и тонкий лиризм были характерны для романов "Первые радости" (1945) и "Необыкновенное лето" (1947-48) Федина. Характер героев этих романов был наполнен жизненностью, типичностью и глубиной.

Был популярен такой жанр, как семейная хроника. Это были такие романы, как "Строговы" (1939-46) Г.М. Маркова, "Хребты Саянские" (1940-54) С.В. Сартакова, "Даурия" (1942-48) К.Ф. Седых, "Амур-батюшка" (1941-46) Н.П. Задорнова, "Алитет уходит в горы" (1947-48) Т.З. Сёмушкина, и др. Пьесы Сельвинского, И. Кочерги, Шанщиашвили и другие; поэмы "Тысяча восемьсот сорок восьмой" (1948) Антокольского, "Первороссийск" (1950) Берггольц, "Павлик Морозов" (1950) С.П. Щипачёва, "Хата рыбака" (1947) Я. Коласа, "Дневник мира" Танка, "Ленин" (1950) Расула Рзы внесли весомый вклад в историческую хронику. В поэзии, появились новые люди, которые принесли национальную проблематику и поэтическую традицию с новым содержанием, которое выражало принцип интернационализма. С каждым разом всё более появлялась потребность в художественном синтезе новых процессов современности. В романе "Русский лес", автор рассмотрел в глубоком историком и философском аспекте сложность периода, который страна переживала в то время.

Конец 50-х, был обусловлен появлением нового поколения (Бакланов, Бондарев, Быков, Богомолов). Также в те годы были созданы очень важные произведения оппозиционной литературы, которые ходили в перепечатках по рукам и были опубликованы лишь во второй половине 80-х годов ("Гулаг" А. Солженицына, рассказы В. Шаламова, "Новое назначение" А. Бека). Главная черта литературы 60-х годов - это поэтический бум. Появились непохожие друг на друга, самобытные поэты. Это Р. Рождественский, Б. Ахмадулина, И. Бродский, Е. Евтушенко, А. Вознесенский, О. Сулейменов. Вместе с поэтическим бумом зародилась популярность авторской песни. Её представителями стали А. Галич, Б. Окуджава, Ю. Визбор, В. Высоцкий.

Литература тех лет отражала духовный мир, сильного духом народа, выстоявшего перед натиском врага и сумевшего победить несмотря ни на что.

3. Искусство послевоенных лет

В послевоенное время быстро восстанавливалась экономика, и темами искусства были героический труд и воспевания "Великой Победы".

4.1 Живопись

В живописи тех лет был популярен исторический и историко-революционный жанр.

В 1950 году группой художников была создана большая картина "Выступление В.И. Ленина на III съезде комсомола" о выступлении в 1920 году в здании Ленкома. Эта картина явилась эталоном. Также Владимиром Серовым была создана картина "Ходоки у Ленина" - исторические события приобрели жанровый характер, оттенки натуралистичности, фотографичности.

Чувства, вызванные Великой Отечественной войной, пробудили интерес к истории Родины. Сближались исторический и бытовой жанры. Примером тому может служить картина Юрия Непринцева "Отдых после боя" (1951) о Василии Теркине. Одной из самых значительных картин послевоенного периода на военную тематику является "Возвращение" Владимира Костецкого (1947). Тогда же появляется картина Александра Лактионова "Письмо с фронта".

Весомое место в развитии живописи того периода занимают полотна прибалтийских и латышских художников - Эдуард Калныньш ("Новые паруса", 1945) и Янич Осис ("Латышские рыбаки", 1956). Здесь изображен

рыбацкий труд, фигурные сцены в пейзажи - картины отличаются сдержанностью, оттенком суровости (характерные черты и для дальнейшей латвийской живописи).

Был широко распространён образ природы, проникнутый радостью и гармонией". Лирический пейзаж получил новое развитие. Этой тематике были посвящены такие работы Сергея Герасимова, как "Зима", 1959, "Пейзаж с рекой", 1959, "Весна", 1954. Воспевалась идея патриотизма. Творчество Василия Мешкова было посвящено этой теме - "Сказ об Урале" (1949), "Кама", "Просторы Камы" (1950). В полотнах он охватывает широкие просторы, подчеркивая величественную суровую природу.

Успешность художников говорит о том, что большую часть в развитии живописи того времени сыграли мастера поколения, которое сформировалось в предыдущие годы.

4.2 Графика

Графика тех времён, наоборот складывалась из работ мастеров военного и послевоенного периодов.

Одним из более массовых и "боевых" видов советского изобразительного искусства явилась сатирическая графика. Активно развивалась политическая карикатура, посвященная международной тематике, которая работала для "Правды" и других центральных газет. Кукрыниксы создают целый ряд значимых работ сатирической направленности - "Уолл-стрижка" (1948), "У постели больного" (1948), "Донна Франко" (1949). Также они создают иллюстрации, например,"Дама с собачкой" (1941-8), акварели к "Фоме Гордееву" (1949). Давид Дубинский делал иллюстрации к повестям Гайдара "Р.В. С." и "Чук и Гек", позже к "Поединку" Куприна (1959-60). Конец творчества Фаворского выпадает на эти годы: он создает свои произведения в технике работы по дереву ("Слово о Полку Игоревом", 1950; "Маленькие трагедии", 1961).

4.3 Скульптура

После войны происходит усиление монументальных тенденций. Николай Томский создает монументы генерала Апанасенко (Белград, 1949) и Черняховского (Вильнюс, 1950 - перевезен в Воронеж). В них сочетается мера сходства и лепка, гармония скульптуры с архитектурным постаментом, четкость и выразительность.

Были установлены не только памятники героям войны, но и историческим персонажам и деятелям культуры. В 1953 был воздвигнут Памятник Юрию Долгорукому, в 1958 году - Маяковскому. Михаилом Аникушиным был создал памятник Пушкину (1957), изображенного в позе чтеца. В 1940-50-х был воздвигнут памятник Чайковскому у Консерватории.

Вернувшись на родину, скульптор Сергей Коненков создает работу "Освобожденный человек" (1947). А в 1949 году "Портрет старейшего колхозника деревни Караковичи И.В. Зуева" - своего односельчанина и друга детства. Скульпторами того периода было создано множество работ, которые явились достоянием нашей страны.

4.4 Архитектура

Архитекторы послевоенного периода занимались восстановлением разрушенных зданий и параллельно создавали новые. Они восстанавливали города, стараясь исправить их старые недостатки.

Большое внимание уделялось совершенно новому ген. плану застройки Сталинграда (Волгограда), полностью уничтоженного во время войны. Алабян и Симбирцев предложили свои идеи. На плане города появился центральный ансамбль - площадь Борьбы, аллея Героев, пропилеи с огромной лестницей к Волге. В одну систему были объединены промышленные районы. Смысл народного подвига выразился в обновлённых чертах возродившегося города. Новые застройки сливались с древнерусскими шедеврами - это я вилось главной чертой плана восстановления города Советские критики 1970-х годов говорили: "в сложном процессе выработки архитектуры восстановления городов, в целом безусловно положительном, назревала тем не менее опасность некоторой мании грандиозности, "принявшей эстафету" от черт гигантомании, свойственной ряду произведений довоенной архитектуры. Получила развитие и тенденция к излишнему декоративизму, квалифицированному позднее как украшательство". Такими явились московские высотки, самой удачной было признано здание признавали здание МГУ, архитекторами были Борис Иофан (смещён с должности главного архитектора), Лев Руднев, Сергей Чернышёв, Павел Абросимов, Александр Хряков В.Н. Насонов. Оформлением фасадов скульптурами занималась мастерская Мухиной.

В то время главной проблемой всё же оставалось обычное жильё, оно было разрушено войной. Было запущено массовое жилищное строительство. Поначалу оно было малоэтажным, так как отсутствовала необходимая производственно-техническая база. Архитекторы экспериментируют с поквартально застройкой. Например, район Песчаных улиц, архитекторы Зиновий Розенфельд, В. Сергеев. Впоследствии этот эксперимент перенимают и другие города.

В эти годы, как, впрочем, и в годы войны, продолжалось строительство Московского и начинается строительство Ленинградского метро, станции которого украшают известные живописцы-монументалисты и скульпторы.

4.5 Театр

Огромный, сложнейший творческий путь прошли в то время столичные театры.

Творчество московских театров в целом в первый послевоенный сезон не могло полностью удовлетворить идейные и художественные запросы зрителей. Как указывалось в постановлении ЦК партии "О репертуаре драматических театров и мерах по его улучшению" от 26 августа 1946 г., в театрах резко уменьшилось число пьес советских авторов на современные темы. В Театре им. Моссовета из 9 спектаклей только 2 были посвящены вопросам современной советской жизни, в Театре им. Евг. Вахтангова - 3 из 10, в Камерном - 3 из 11. Среди современных пьес, поставленных в первый послевоенный год на московских сценах, шли и такие, художественный уровень которых был невысок.

Партия, призывая деятелей культуры и искусства к дальнейшему укреплению тесного контакта с жизнью, напоминала драматургам, режиссерам, актерам, что "советский театр может выполнить свою важную роль в деле воспитания трудящихся только в том случае, если он будет активно пропагандировать политику Советского государства, которая является жизненной основой советского строя". Партия ставила перед театром задачу создать яркие, полноценные в художественном отношении сценические произведения о жизни советского общества, о советском человеке на новом этапе его развития. "Драматурги и театры должны отображать в пьесах и спектаклях жизнь советского общества в ее непрестанном движении вперед, всячески способствовать дальнейшему развитию лучших сторон характера советского человека, с особой силой выявившихся во время Великой Отечественной войны". Это была фактически программа творческой деятельности театров.

Наряду с ранее существовавшими театрами в Москве после войны появились новые. В 1945 г. были созданы Московский драматический театр, Театр драмы и комедии. В 1951 г. открылся Московский драматический театр им.А.С. Пушкина. В 1957 г. в семью московских театров вошел коллектив Театра-студии молодых актеров, переименованный позже в Театр-студию "Современник".

В репертуар входили постановки, которые были посвящены ратным подвигам советских людей. В решении театрами народно-героической военной тематики заметно проявились новые тенденции - желание наряду с вымышленными героями вывести на сцену действительных, исторически конкретных участников недавних событий, показать героическую борьбу народа против фашизма во всей ее широте как борьбу истинно всенародную. Театр раскрывал конфликт между обывательским, мещанским мировоззрением, тормозящим развитие советского общества, и передовым сознанием людей, всем существом стремящихся в будущее, работающих на благо Родины не за страх, а за совесть. В поэтическом воспроизведении военной действительности несомненный интерес представлял спектакль Театра им. Моссовета.

В начале 50-х годов ряд московских театров пережил творческий кризис. На деятельности театров пагубно сказалась теория бесконфликтности, получившая распространение в советской драме. Ослабление идейной активности неизбежно влекло за собой спад художественного мастерства, появление штампов в актерском и режиссерском искусстве.

Наиболее интересные творческие поиски и эксперименты театров на рубеже 40-50-х годов были связаны преимущественно с постановками произведений русской классики, а также первых советских пьес. Заметно усилился интерес к драматургии М. Горького. Пьесы М. Горького шли на сценах МХАТ ("Дачники", "Мещане"), Малого театра ("Мещане", "Васса Железнова"), Театра им. Евг. Вахтангова (новая сценическая редакция "Егора Булычева"), Театра драмы ("Зыковы"), Театра им. М.Н. Ермоловой ("Дачники" и "Достигаев и другие"), Театра им. Моссовета ("Сомов и другие"), Театра транспорта ("Последние"), Драматического театра им.К.С. Станиславского ("Чудак"). Драмы М. Горького, как это было не раз в истории советского театра, вновь стали важной школой создания реалистических сценических характеров.

Театры отражали процесс новой консолидации творческих сил всего советского искусства, служащего народу - строителю коммунизма.

4.6 Музыка

Многожанровость - вот что отличало советскую музыку послевоенного периода. Композиторам стала интересна современная тематика. Появлялись яркие произведения, которые воспевали Коммунистическую партию и ее вождя В.И. Ленина. Большая часть произведений того периода пополнила золотой фонд советской музыкальной культуры. Были удостоены Ленинской премии 7-я симфония С. Прокофьева и 11-я симфония Д. Шостаковича, "Патетическая оратория" Г. Свиридова, балет "Спартак" А. Хачатуряна и многие другие произведения.

В то время советская музыка была ознаменована новыми процессами, которые были вызваны самой жизнью, ее запросами. Возникли новые формы пропаганды искусства среди широких народных масс. Десятки тысяч людей устремились в народные университеты культуры, кружки музыкальной самодеятельности. Этот процесс, с одной стороны, вызвал бурный рост самого народного искусства, совершенствование его форм, повел к сближению народного и профессионального искусств, с другой - способствовал расширению связи с жизнью, с народом. Усиливалось общественное значение деятельности композиторов, их творчество становилось более доступным и близким широким массам. Искусство приблизилось к народу, а народ - к искусству.

Творческие итоги развития советской музыки послевоенного периода поистине огромны. Музыка явилась воспитателем эстетических вкусов народа, коммунистического сознания. Был внесен выдающийся вклад в развитие не только нашей, но и мировой музыкальной культуры.

Но всё же этот период отличался неравномерным развитием музыкального искусства.

Успешными оказались жанры оперетты и балетной музыки. Произведения этих жанров занимали хорошее положение в репертуарах театров и пользовались грандиозным успехом у слушателей. Примером тому служат "Вольный ветер" И. Дунаевского (1947г.), "Поцелуй Чаниты" Ю. Милютина (1956 г). Тематика и образы современной героической советской молодежи - строителей новой жизни - ярко воплощены в опереттах "Трембита" Ю. Милютина (1949 г.), "Белая акация" И. Дунаевского (1955 г.), "Весна поет" Д. Кабалевского (1957 г.), "Москва - Черемушки" Д. Шостаковича (1958 г.), "Сто чертей и одна девушка" Т. Хренникова (1965 г.) и др. Хотелось бы отметить, что большую популярность приобрели такие спектакли, как "Фонари-фонарики" (1958 г.), "Цирк зажигает огни" (1960 г.) Ю. Милютина и некоторые другие.

Балетная музыка развивалась блистательно. Балетные коллективы нашей страны и зарубежных стран и сейчас обращаются к творениям композиторов того времени. Балеты "Спартак" А. Хачатуряна (1954г.), "Жанна д"Арк"Н. Пей-ко (1958 г.) и "Сказ о каменном цветке" С. Прокофьева (1954 г.), были посвящены героической тематике.

В послевоенный период едва ли не самую значительную роль приобрел жанр симфонической музыки. Именно эта сфера творчества отмечена самыми интересными поисками, новаторским решением в области программно-симфонической музыки, сочетанием внутри жанра элементов широкой песенности с богатым симфоническим развитием. Жанр симфонической музыки в послевоенные годы обогатился многими выдающимися произведениями, получившими мировое признание и вошедшими в репертуар лучших дирижеров и оркестров мира. Это 7-я симфония (1952 г.) и оратория "На страже мира" (1950 г.) С. Прокофьева, 27-я симфония Н. Мясковского (1950 г.), 10-я, 11-я, 12-я и 13-я симфонии Д. Шостаковича (1953, 1957, 1961 и 1963 гг.), его же кантатно-ораториальные произведения "Песнь о лесах" (1949 г.) и "Над родиной нашей солнце сияет" (1952 г.), концерт для скрипки с оркестром (1954 г.), вокально-симфоническая поэма "Стенька Разин" (1965 г.); вокально-симфоническая поэма "Памяти Сергея Есенина" (1955 г.) и "Патетическая оратория" (1959 г.) Г. Свиридова; 4-я симфония (1957 г.), триада концертов для скрипки, фортепиано и виолончели (1949-1952 гг.), кантата "Ленинцы" (1959 г.), посвященные советской молодежи, и "Реквием" (1963 г.) Д. Кабалевского, концерты для скрипки (1961 г.) и виолончели (1964 г.) Т. Хренникова и многое другое.

После Отечественной войны значительно активизировалось развитие вокальных жанров: популярной массовой песни, камерной вокальной музыки, хоровой и кантатно-ораториальной. Достижения в этой области тем более велики, что именно здесь нашли наиболее полное отражение волнующие темы современности: борьба за мир, героика труда, темы революции. Такие песни, как знаменитые "Гимн демократической молодежи" А. Новикова (текст Л. Ошанина), "Песня мира" Д. Шостаковича (текст Е. Долматовского), "Летите, голуби" И. Дунаевского (текст М. Матусовского), "Мы за мир" С. Туликова (текст А. Жарова), "В защиту мира" В. Белого (текст И. Френкеля), определили на известный период направление развития жанра не только советской, но и зарубежной песни. В послевоенный период бурно расцвело песенное творчество В. Соловьева-Седого, удостоенного Ленинской премии, а также композиторов М. Блантера, И. Дунаевского, Захарова, Б. Мокроусова, А. Новикова, В. Мурадели, С. Капа, С. Туликова.

Инструменталы заметно демократизируют свои творения. В то время проходит важный процесс сближения музыкальных жанров, их взаимопроникновения.

Успехи композиторов в области хоровой музыки в большой мере связаны с усилением внимания к ней широких кругов советской общественности.

Уже в первые месяцы после окончания войны был проведен Всесоюзный конкурс музыкантов-исполнителей. В этом конкурсе активное участие приняла музыкальная молодежь - инструменталисты и вокалисты. Многие молодые московские музыканты приняли участие в международных конкурсах, завоевав первые места в труднейших соревнованиях талантов. За последнее десятилетие молодые советские исполнители участвовали более чем в 25 международных конкурсах скрипачей, пианистов, виолончелистов, вокалистов, камерных ансамблей, заняв там, как правило, первые места.

Музыкальная самодеятельность приобрела в те годы большую значимость. Была заложена традиция проведения конкурсов самодеятельного искусства, "праздников песни", способствовавших рождению многих хоровых коллективов, выросших затем в профессиональные.

Миллионы рабочих и служащих были вовлечены в различные самодеятельные кружки и музыкальные коллективы вовлечены. Также больших успехов в те годы достигла музыкальная наука. Во всех своих жанрах: исследовательском жанре, музыкальной критики, публикации. Было выпущено множество работ, которые были посвящены истории русской и зарубежной музыкальной классики, истории русской советской музыки, музыки народов СССР, проблемам народности, реализма, теоретическим вопросам музыки, музыкальной эстетики.

Музыкальная жизнь послевоенного периода характеризовалась значительными достижениями во всех областях творчества, исполнительства, музыкально-театральной жизни, музыкальной самодеятельности, образования, просветительской и научно-критической деятельности.

наука литература послевоенный период

Заключение

У каждого из нас помимо родителей должны быть родная история, родная земля, родной язык, родная культура. Важно знать культуру своей страны так же, как и важно знать и изучать историю. Ведь не зная, а порой попросту не желая узнать, прошлого, нельзя достоверно осмыслить и понять настоящее, а тем более заглянуть в будущее. Культура закладывает в человеке духовные основы. Благодаря культуре, мы более чувственны.

Именно в послевоенный период в России произошла научно-техническая революция. Русские точные науки проживали свои лучшие годы, а также изучение собственной истории и языка. В эти годы всё больше развивалось ракетостроение, началось осваивание космоса, а ядерная энергетика и электроника были возобновлены. На рубежах 50-60-х годов начали открываться новые научные центры, в том числе был основан Новосибирский Академгородок. Был построен известный космодром Байконур, а 12 апреля 1961 был совершён орбитальный полёт вокруг Земли русским человеком, летчиком-космонавтом Ю.А. Гагариным, на корабле-спутнике "Восток". А русские биологи открывали всё больше нового.

Литература первых послевоенных лет, а точнее её духовная основа была образована мироощущением, выстраданным и завоеванным народом-победителем. Советские писатели стремились раскрыть основной конфликт того времени - противоборство фашизма и антифашизма. Интенсивное развитие документальной литературы было вызвано подлинным драматизмом, захватывающей достоверностью накопленной за военные годы жизненной информации и документальной литературы, которая была проникнута благородным стремлением оповестить Родину о заслугах её героев-партизан. Советской литературой на каждом из своих этапов была поставлена задача, которая заключалась в создании образа положительного героя. В произведениях многих авторов была затронута тема возвращения к мирному труду. Советская литература выступала в эти годы в своей окрепшей многонациональной общности. Литература тех лет отражала духовный мир, сильного духом народа, выстоявшего перед натиском врага и сумевшего победить несмотря ни на что. В послевоенное время быстро восстанавливалась экономика, и темами искусства были героический труд и воспевания "Великой Победы".

В живописи тех лет был популярен исторический и историко-революционный жанр, война, победа, образ военного человека и человека простого, гармония природы и человека. Графика тех времён, наоборот складывалась из работ мастеров военного и послевоенного периодов. Одним из более массовых и "боевых" видов советского изобразительного искусства явилась сатирическая графика. Активно развивалась политическая карикатура, посвященная международной тематике. В эти же годы советская скульптура была также направлена в революционно-военное направление. Архитекторы послевоенного периода занимались восстановлением разрушенных зданий и параллельно создавали новые. Они восстанавливали города, стараясь исправить их старые недостатки. В то время главной проблемой всё же оставалось обычное жильё, оно было разрушено войной. Было запущено массовое жилищное строительство. В эти годы, как, впрочем, и в годы войны, продолжалось строительство Московского и начинается строительство Ленинградского метро, станции которого украшают известные живописцы-монументалисты и скульпторы. Огромный, сложнейший творческий путь прошли в то время столичные театры. Театры отражали процесс новой консолидации творческих сил всего советского искусства, служащего народу - строителю коммунизма. Творческие итоги развития советской музыки послевоенного периода поистине огромны. Музыка явилась воспитателем эстетических вкусов народа, коммунистического сознания. Был внесен выдающийся вклад в развитие не только нашей, но и мировой музыкальной культуры. Но всё же этот период отличался неравномерным развитием музыкального искусства. Музыкальная жизнь послевоенного периода характеризовалась значительными достижениями во всех областях творчества, исполнительства, музыкально-театральной жизни, музыкальной самодеятельности, образования, просветительской и научно-критической деятельности.

В годы Отечественной войны советское искусство с честью выполнило свой патриотический долг. Художники, музыканты, архитекторы, учёные, писатели, поэты и другие люди искусства пришли к победе, перенеся тяжелые переживания, что и позволило им создать произведения со сложным и многогранным содержанием. Страна нуждалась в оживлении, поднятии с колен. Этому во многом способствовала культурная жизнь. Я считаю, что искусство того времени безусловно является достоянием. И каждый из нас должен ценить тот вклад, который был внесен деятелями искусства послевоенного времени.

Список литературы

1. Ильина Т.В. "История искусств. Отечественное искусство". - М., 1994

. "История Москвы в годы Великой Отечественной войны и в послевоенный период" Издательство "Наука", М., 1967 г.

Сахаров А.Н. "Жизнь России в послевоенный период" - М.: Русское слово, 2006

Репетиторство

Нужна помощь по изучению какой-либы темы?

Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.

Теа́тр (греч. θέατρον - основное значение - место для зрелищ, затем - зрелище, от θεάομαι - смотрю, вижу) - зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств - литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр.

Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.

Во все времена театр представлял собой искусство коллективное; в современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители.

Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом, - с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны.

ТЕАТР (от греч. theatron – места для зрелища, зрелище), основной род зрелищного искусства. Родовое понятие театра подразделяется на виды театрального искусства: драматический театр, оперный, балетный, театр пантомимы и т.д. Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале (от греческого глагола «теаомай» – смотрю). Однако сегодня значение этого термина чрезвычайно многообразно. Его дополнительно употребляют в следующих случаях:

1. Театром называют здания, специально построенные или приспособленные для показа спектаклей («Театр уж полон, ложи блещут» А.С.Пушкин).

2. Учреждение, предприятие, занимающееся показом спектаклей, а также весь коллектив его сотрудников, обеспечивающих прокат театральных представлений (Театр Моссовета; гастроли Театра на Таганке и т.п.).

3. Совокупность драматургических или сценических произведений, структурированных по тому или иному принципу (театр Чехова, театр эпохи Возрождения, японский театр, театр Марка Захарова и т.д.).

4. В устаревшем значении (сохранившемся только в театральном профессиональном арго) – сцена, подмостки («Благородная бедность хороша только на театре» А.Н.Островский).

5. В переносном значении – место каких-либо происходящих событий (театр военных действий, анатомический театр).

Как и любой другой вид искусства (музыка, живопись, литература), театр обладает своими, особыми признаками. Это искусство синтетическое: театральное произведение (спектакль) складывается из текста пьесы, работы режиссёра, актёра, художника и композитора. В опере и балете решающая роль принадлежит музыке.

Театр - искусство коллективное. Спектакль - это результат деятельности многих людей, не только тех, кто появляется на сцене, но и тех, кто шьёт костюмы, мастерит предметы реквизита, устанавливает свет, встречает зрителей. Недаром существует определение "работники театрального цеха": спектакль - это и творчество, и производство.

Театр предлагает собственный способ познания окружающего мира и, соответственно, собственный на бор художественных средств. Спектакль - это и особое действие, разыгранное в пространстве сцены, и особое, отличное, скажем, от музыки образное мышление.

В основе театрального представления лежит текст, например пьеса для драматического спектакля. Даже в тех сценических постановках, где слово как таковое отсутствует, текст бывает необходим; в частности, балет, а иногда и пантомима имеет сценарий - либретто. Процесс работы над спектаклем состоит в перенесении драматургического текста на сцену - это своего рода "перевод" с одного языка на другой. В результате литературное слово становится словом сценическим.

Первое, что видит зритель после того, как откроется (или поднимется) занавес, - это сценическое пространство, в котором размещены декорации. Они указывают место действия, историческое время, отражают национальный колорит. При помощи пространственных построений можно передать даже настроение персонажей (например, в эпизоде страданий героя погрузить сцену во мрак или затянуть её задник чёрным). Во время действия с помощью специальной техники декорации меняют: день превращают в ночь, зиму - в лето, улицу - в комнату. Эта техника развивалась вместе с научной мыслью человечества. Подъёмные механизмы, щиты и люки, которые в давние времена приводились в действие вручную, теперь поднимает и опускает электроника. Свечи и газовые фонари заменены на электролампы; часто используют и лазеры.

Ещё в античности сформировалось два типа сцены и зрительного зала: сцена коробка и сцена амфитеатр. Сцена коробка предусматривает ярусы и партер, а сцену амфитеатр зрители окружают с трёх сторон. Сейчас в мире используют оба типа. Современная техника позволяет изменять театральное пространство - устраивать помост посреди зрительного зала, сажать зрителя на сцену, а спектакль разыгрывать в зале.Большое значение всегда придавали театральному зданию. Театры обычно строились на центральной площади города; архитекторы стремились, чтобы здания были красивыми, привлекали внимание. Приходя в театр, зритель отрешается от по вседневной жизни, как бы поднимается над реальностью. Поэтому не случайно в зал часто ведёт украшенная зеркалами лестница.

Усилить эмоциональное воздействие драматического спектакля помогает музыка. Иногда она звучит не только во время действия, но и в антракте - чтобы поддержать интерес публики. Главное лицо в спектакле - актёр. Зритель видит перед собой человека, таинственным способом превратившегося в художественный образ - своеобразное произведение искусства. Конечно, произведение искусства - не сам исполнитель, а его роль. Она творение актёра, созданное голосом, нервами и чем то не уловимым - духом, душой. Чтобы действие на сцене воспринималось как цельное, необходимо его продуманно и последовательно организовать. Эти обязанности в современном театре выполняет режиссёр. От таланта актёров в спектакле зависит, конечно, многое, но тем не менее они подчинены воле руководителя - режиссёра. Люди, как и много веков назад, приходят в театр. Со сцены звучит текст пьес, преображённый силами и чувствами исполнителей. Артисты ведут свой диалог - и не только словесный. Это беседа жестов, поз, взглядов и мимики. Фантазия художника декоратора с помощью цвета, света, архитектурных сооружений на площадке заставляет пространство сцены "заговорить". И всё вместе заключено в строгие рамки режиссёрского замысла, что придаёт разнородным элементам завершённость и цельность.

Зритель сознательно (а порой и бессознательно, будто против воли) оценивает игру актёров и режиссуру, соответствие решения театрального пространства общему замыслу. Но главное - он, зритель, приобщается к искусству, непохожему на другие, творимому здесь и сейчас. Постигая смысл спектакля, он постигает и смысл жизни. История театра продолжается.

Виды и жанры театрального искусства

ВОДЕВИЛЬ - вид комедии положении с песнями-куплетами и танцами. Возник во Франции; с начала XIX в. получил общеевропейское распространение. Лучшим произведениям присуши задорное веселье, злободневное отображение действительности.

ДРАМА - один из ведущих жанров драматургии, начиная с эпохи Просвещения, в котором изображается мир реального человека в его остроконфликтных, но не безысходных отношениях с обществом или собой. В XX в. драма отличалась серьезным содержанием, отражала различные аспекты жизни человека и общества, исследовала человеческую психологию.

КОМЕДИЯ - вид драмы, в котором действие и характеры трактованы в формах комического. Как и трагедия, родилась в Древней Греции из обрядов, сопровождавших шествия в честь бога Диониса. Комедия, трезво исследуя человеческую природу, высмеивала пороки и заблуждения людей. Лучшие образцы этого жанра отличаются бескомпромиссность» анализа, остротой и смелостью в высмеивании пороков общества. В разных странах возникали свои варианты комедии. Известны «ученая» комедия итальянских гуманистов и испанская комедия Лопе де Вега и Кальдерона, английская комедия эпохи Возрождения, французская классицистская комедия эпохи Просвещения, русская реалистическая комедия. По принципу организации действия различают комедию характеров, положений, идей. По типу Сюжетов комедии могут быть бытовыми и лирическими, по характеру комического - юмористическими, сатирическими.

МЕЛОДРАМА - пьеса с острой интригой, преувеличенной эмоциональностью, резким противопоставлением добра и зла, морально-поучительной тенденцией. Возникла в конце XVII в. во Франции, в России - в 20-е гг. XIX в.

МИМ - комедийный жанр в античном народном театре, короткие импровизационные сценки сатирического и развлекательного характера.

ОПЕРА - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Литературная основа оперы - либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

МИСТЕРИЯ - жанр средневекового западноевропейского религиозного театра. Мистерии представлялись на площадях городов. Религиозные сцены в них чередовались с интермедиями.

МОНОДРАМА - драматическое произведение, исполняемое одним актером.

МОРАЛИТЕ - жанр западно-европейского театра XV-XVI вв., назидательная аллегорическая драма, персонажи которой олицетворяли различные добродетели и пороки.

МЮЗИКЛ - музыкально-сценическое произведение, главным образом комедийного характера, в котором используются средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусств, жанр сформировался в США в конце XIX в.

ПАРОДИЯ - 1) жанр в театре, на эстраде, сознательная имитация в сатирических, иронических и юмористических целях индивидуальной манеры, стиля, стереотипов речи и поведения; 2) искаженное подобие чего-либо.

ПАСТОРАЛЬ - опера, пантомима или балет, сюжет которых связан с идеализированным изображением пастушеской жизни.

СОТИ - комедийно-сатирический жанр французского театра XV-XVII вв., разновидность фарса.

ТРАГЕДИЯ (в переводе с греческого - «песнь козлов») - вид драмы, проникнутый пафосом трагического. В античности отображал непосредственную жизнь персонажей трагических событий, действие преобладало над рассказом. В эпоху Возрождения в пьесах было отброшено считавшееся обязательным единство действия, трагическое часто соединялось с комическим. В дальнейшем трагедия строго регламентируется: опять преобладает единство действия, места и времени; наблюдается размежевание комического и трагического. В современном театре трагедия в чистом виде встречается редко. Основу трагедии составляют острые общественные конфликты, коренные проблемы бытия, столкновения личности с судьбой и обществом. Трагическая коллизия обычно разрешается гибелью героя.

ТРАГИКОМЕДИЯ - драматическое произведение, обладающее признаками как комедии, так и трагедии. В основе ее лежит ощущение относительности существующих критериев жизни; одно и то же явление драматург видит и в комическом, и в трагическом освещении, характерна для XX в.

ФАРС - 1) вид средневекового западно-европейского народного театра бытового комедий но-сатирического характера, существовавший в XIV-XVI вв. Близок немецкому фастнахтшпилю, итальянской комедии дель арте и др.; 2) в театре XIX-XX вв. комедия-водевиль легкого содержания с чисто внешними комическими приемами.

ФЕЕРИЯ - жанр театральных спектаклей, в которых для фантастических сцен применяются постановочные эффекты. Возник в Италии в XVII вв.

ФЛИАКИ - народные театральные представления в Древней Греции, особенно распространенные в III-IV вв. до н.э. в греческих колониях: короткие импровизационные шутки-сценки из повседневной жизни о веселых похождениях богов и героев.

2. Театр Древней Греции .

Возникновение театра в древней Греции.

Театр - одно из древнейших искусств. Его истоки теряются в первобытном обществе. Театр возник из народных охотничьих и земледельческих игр, носящих магический характер. Веря, что подражание животному, его внешности и повадкам может повлиять на результат охоты, первобытные люди устраивали пляски одетых в звериные шкуры людей.

С возникновением земледелия появились празднества, отмечавшие сбор урожая. На празднике в честь бога виноделия Диониса виноградари в козлиных шкурах изображали различные эпизоды из жизни Диониса, воспевали силу виноградной лозы, дающей радость.

Из этой песни людей в козлиных шкурах возникла трагедия (трагос - по-гречески «козел»).

Из этих же праздников, посвященных Дионису, возникла и комедия (от слова комос - необузданное веселье). Комедия в отличие от серьезных и скорбных трагедий возбуждала смех.

Со временем греческие театральные зрелища утратили связь с почитанием бога Диониса, они рассказывали о жизни других греческих богов, героев, а также об обыкновенных людях.

Устройство театра в древней Греции .

Театры в Древней Греции строились под открытым небом, на склоне гор и холмов. Они были рассчитаны на несколько тысяч, а то и на несколько десятков тысяч зрителей. Зрители сидели на поднимавшихся уступами каменных скамьях лицом к широкой круглой или квадратной площадке - орхестре.

Греческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопокГреческий театр. В центре - орхестра. На ней справа и слева - хор, посередине - статуя Диониса. Орхестру замыкает скёнэ - крытое помещение ДЛЯ переодевания актеров. Перед скенэ - три актера. Рисунок современного художника по данным раскопок

На орхестре находились актеры и хор, одетые в соответствии С пьесой.

Позади орхестры имелось помещение для переодевания актеров- скещ (отсюда современное название-сцена). В нем актеры надевали одежды и большие ярко раскрашенные маски. Первоначально маски изготовлялись из дерева, а затем из полотна, пропитанного гипсом и покрытого краской. Маски позволяли всем зрителям, даже сидящим очень далеко, видеть соответствующее действию «выражение лица» - скорбное, страдальческое, строгое, веселое. Помимо этого, широко раскрытый рот маски создавал нечто вроде рупора, усиливая голос актера.

Рост актера увеличивался при помощи так называемых котурнов - сандалий с очень толстой подошвой. Женские роли в греческом театре исполнялись мужчинами.

Трагические и комические поэты в древней Греции.

В Афинах устраивались состязания трагических и комических поэтов. Каждый из них должен был написать и поставить три пьесы. Победитель награждался венком из вечнозеленого лавра. Знаменитые греческие трагические поэты V в. до н. э. - Эсхйл, Софокл и Эврипид. Участник греко-персидских войн Эсхил в трагедии «Персы» осудил персидского деспота Ксеркса за жестокость и своеволие, воспел отвагу греков в борьбе за свободу родины. Герои многих трагедий Эсхила - боги и полубоги. В трагедии «Прикованный Прометей» герой мифа, титан Прометей, изображен бескорыстным другом и благодетелем человечества, смелым борцом против произвола и насилия, воплощенного в образе Зевса.

В трагедиях Софокла действуют не столько боги, сколько люди. В трагедии «Антигона» изображена смелая женщина, выступившая против несправедливого решения царя и за это приговоренная к казни. Антигона мужественно встретила приговор. Погибнув, она одержала победу, так как сам царь впоследствии раскаялся и отменил, хотя и поздно, свой приговор. Трагедия «Антигона» была страстным призывом к человечности, к верности долгу, к справедливости.

Эврипид приблизил трагедию к зрителю, сделал ее более понятной и актуальной. Поэт смело поднимает волнующие многих современников вопросы о несправедливости неравенства женщины. Он изображает людей со всеми их страстями, чувствами и стремлениями, показывает иДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамиДревнегречес¬кий актер. На лице его - трагическая маска. На ногах-котурны. Статуэтка из слоновой кости, раскрашенная краскамих такими, какими они есть в жизни.

Крупнейшим комическим поэтом был Аристофан. В своих произведениях он зло разоблачал недостатки современной ему афинской демократии, выставляя в смешном виде многих ее руководителей. Аристофан резко выступал против войн между греками, выгодных лишь кучке рабовладельцев, прославлял людей мирного труда. Во многих комедиях Аристофана высмеиваются лживость, жадность и несправедливость олимпийских богов. Так, в комедии «Птицы» он изображает Зевса вором и обманщиком, Посейдона - взяточником, Геракла - обжорой. Комедии Аристофана пользовались в народе заслуженным успехом.

Значение греческого театра.

Театр был величайшей силой в греческих государствах. Авторам трагедий и комедий внимал весь народ. Песня хора из трагедии «Антигона» - «Много есть чудес на свете, человек их всех чудесней» - стала любимой песней афинян.

Театр называли «школой для взрослых». Он воспитывал любовь к родине, уважение к труду, мужество и другие замечательные качества, подмечал недостатки в устройстве общества.

Греческий театр оказал огромное влияние на развитие театрального искусства народов современной Европы. Театр нашего времени заимствовал не только терминологию греческого театра, но и обязан грекам многими своими особенностями и приемами. Пьесы древнегреческих драматургов, созданные более двух тысяч лет назад, оказали влияние на творчество многих великих драматических писателей нового времени. В нашей стране и некоторых других странах до сих пор ставятся на сцене пьесы Эсхила, Софокла и Эврипида. По специальному решению Всемирного Совета Мира все прогрессивное человечество недавно отметило юбилей Аристофана. Мысли и чувства людей отдаленной эпохи, выраженные в трагедиях и комедиях греков, волнуют нас.

3. Творчество Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана .

Эсхил

Подлинным основоположником трагедии стал Эсхил. Он автор более семидесяти произведений, из которых до нас дошли только семь: «Персы», «Умоляющие», «Семеро против Фив», «Прикованный Прометей», «Агамемнон», «Хоэфоры», «Эвмениды». Все пьесы Эсхила пронизаны сильным религиозным чувством, в их основе - конфликт между человеческими страстями и духовностью.

Эсхил был основоположником гражданской по своему идейному звучанию трагедии, современником и участником греко-персидских войн, поэтом времени становления демократии в Афинах. Главный мотив его творчества – прославление гражданского мужества, патриотизма. Один из самых замечательных героев трагедий Эсхила – непримиримый богоборец Прометей – олицетворение творческих сил афинян. Это образ несгибаемого борца за высокие идеалы, за счастье людей, воплощение разума, преодолевающего власть природы, символ борьбы за освобождение человечества от тирании, воплощенной в образе жестокого и мстительного Зевса, рабскому служению которому Прометей предпочел муки.

Софокл

Софокл написал 125 драмы, из которых сохранились семь трагедий: «Антигона», «Аякс», «Эдип-царь», «Электра» и др. По мнению Аристотеля, Софокл изображал людей идеальных, тогда как Еврипид - таких, какие они есть на самом деле. Еврипид являлся скорее комментатором, а не участником событий, глубоко интересовался женской психологией. Наиболее известными из 19 дошедших до нас произведений являются «Медея» и «Федра».

Особенностью всех древних драм был хор, который пением и танцами сопровождал все действие. Эсхил ввел двух актеров вместо одного, уменьшив партии хора и сосредоточив основное внимание на диалоге, что стало решительным шагом для превращения трагедии из чисто мимической хоровой лирики в подлинную драму. Игра двух актеров давала возможность усилить напряженность действия. Появление третьего актера – нововведение Софокла, которое позволило обрисовать различные линии поведения в одном и том же конфликте.

Еврипид

В своих трагедиях Еврипид отразил кризис традиционной полисной идеологии и поиски новых основ мировоззрения. Он чутко откликался на животрепещущие вопросы политической и социальной жизни, и его театр представлял собой своеобразную энциклопедию интеллектуального движения Греции во второй половине V в. до н. э. В произведениях Еврипида ставились разнообразные общественные проблемы, излагались и обсуждались новые идеи.

Античная критика называла Еврипида «философом на сцене». Поэт не являлся, однако, сторонником определенного философского учения, и его взгляды не отличались последовательностью. Двойственным было его отношение к афинской демократии. Он прославлял ее как строй свободы и равенства, вместе с тем его пугала неимущая «толпа» граждан, которая в народных собраниях решала вопросы под влиянием демагогов. Сквозной нитью, через всё творчество Еврипида проходит интерес к личности с ее субъективными устремлениями. Великий драматург изображал людей с их влечениями и порывами, радостями и страданиями. Всем своим творчеством Еврипид заставлял зрителей раздумывать над своим местом в обществе, над отношением к жизни.

Аристофан

Самым известным автором комедии был Аристофан, умевший направлять свои сатирические «стрелы» против современных ему политических деятелей, писателей, философов. Наиболее яркие его произведения - «Осы», «Лягушки», «Облака», «Лисистрата». Герои комедий Аристофана - не легендарные личности, а жители современных Аристофану Афин: торговцы» ремесленники, рабы. В комедиях нет такого почтения к богам, как в трагедиях. Их иногда даже высмеивали.

Аристофан дает смелую сатиру на политическое и культурное состояние Афин в то время, когда демократия начинает переживать кризис. В его комедиях представлены различные слои общества: государственные деятели и полководцы, поэты и философы, крестьяне и воины, городские обыватели и рабы. Аристофан достигает острых комических эффектов, соединяя реальное и фантастическое и доводя осмеиваемую идею до абсурда. У Аристофана гибкий и живой язык, то приближающийся к обыденному, подчас очень грубый и примитивный, то пародийно-приподнятый и богатый неожиданными комедийными словообразованиями.

Науки и литература Древней Греции создавались свободными людьми, одаренными поэтически-мифологическим восприятием мира. Во всем, что постигал грек, он открывая гармонию, будь мироздание или человеческая личность. В своем мифологическом восприятии грек одухотворял все, чего касалось его сознание. Гармоничность и одухотворенность- вот что определяет органичность и целостность греческой культуры и в первую очередь - искусство.

4. Театр Древнего Рима .

В III--II веках до н. э. большую роль в Риме занимает театр, сюжеты пьес заимствованы у греков, но действующие лица имеют римское происхождение.

Римский театр возник, когда разложился патриархально-родовой строй. Он не знал общественно-хороводных форм греческого театра и не опирался на самодеятельность городского населения. Римский театр сразу был профессиональным.

Римский театр не был связан с культом божества, как в Греции, поэтому он не имел того же общественного значения. Актёры были не уважаемыми, а презираемыми людьми. Их набирали из числа рабов и вольноотпущенников и за плохое исполнение могли побить. Спектакли ставились в честь государственных праздников, а также в любое другое время по инициативе кого-либо из знатных граждан.

Долгое время в Риме не существовало постоянных театральных зданий.

Для представлений строились специальные временные деревянные сооружения, которые по окончании представления ломались. Сценической площадкой был деревянный помост, поднятый над землёй на половину человеческого роста. К нему вели три узких лесенки в несколько ступеней - по ним поднимались персонажи, приехавшие (по сюжету) из другого города. Фоном служила задняя стена балагана с занавеской. Для зрителей ставили скамьи, но иногда смотреть спектакли разрешалось только стоя.Так играли довольно долго, в том числе и комедии Плавта.

Однако с развитием драматургии вырастала необходимость вносить изменения и в исполнение. Необходимость постройки постоянного специального театрального здания в Риме обсуждалась сенатом. Однако сенат считал, что театр изнеживает юношество и развращает женщин - и в 154 году прекратил начатое несколько лет назад строительство каменного театра.

Первый постоянный каменный театр был сооружён около 55 г. до н.э. полководцем Гнеем Помпеем Великим и вмещал 17 тысяч зрителей.

Римский театр отличался от греческого. Размеры орхестры уменьшились наполовину, она превратилась в полукруг. (в эллинистическом театре орхестра занимала три четверти круга).

У этрусков и римлян, как и у всех народов, существовали обрядовые и культовые песни и игры, бытовал и театр народной комедии, идущий от этрусков театр гистрионов, к греческому миму был близок народный театр ателана (от города Ателлы) с постоянно действующими лицами-масками: глупец Буккон, дурак Макк, простак Папп, хитрец Доссен. Поскольку театральное представление не было связано с культом божества, а приурочивалось к праздникам, цирковым представлениям, гладиаторским боям, триумфам и погребениям государственных деятелей, освящениям храмов, то римский театр носил прикладной функциональный характер. Римская республика, а тем более империя, была государством олигархического типа, поэтому развитие культурной жизни также пошло по-другому, что сказалось и на театре. Он не мог пустить глубокие корни при таких условиях. Иным, чем в Греции, был статус актера. В отличие от греческого, он не был полноправным членом общества и его профессия презиралась.

Организация римского театра имела свою специфику. Хор не участвовал в представлении, актеры не носили масок. Проблематика римской драматургий не поднималась до нравственной высоты древнегреческой. До нашего времени полностью дошли сочинения лишь двух драматургов: Плавта и Теренция, комедиографов, один из которых происходил из низших слоев общества, а другой был рабом, отпущенным хозяином на волю за талант. Сюжеты их комедий были почерпнуты из пьес новоаттической комедии, их главный герой - ловкий пронырливый раб. Трагический жанр представлен только произведениями Сенеки, философа-стоика, который писал пьесы на мифологические сюжеты для узкого круга избранных, и они, строго говоря, не имеют отношения к театру.

С утверждением Римской империи большое распространение получают пантомимы. Тем не менее римская драматургия оказала большое влияние на драматургию нового времени периода классицизма: Корнеля, Расина (в послеантичной Европе греческий язык был известен немногим).

5. Организация театральных представлений в Древней Греции и Древнем Риме .

В Риме, так же как и в Греции, театральные представления происходили нерегулярно, а приурочивались к определенным праздникам. Вплоть до середины 1в. до.н.э. в Риме не было построено каменного театра. Спектакли проходили в деревянных сооружениях, которые после их окончания разбирались. Особых мест для зрителей в Риме первоначально не устраивали, и они смотрели "сценические игры" стоя или сидя на склоне примыкавшего к сцене холма.

Первый каменный театр в Риме был построен Помпеем во второе его консульство, в 55 г. до н.э. После него в Риме были построены и другие каменные театры.

Особенности римского театрального здания были следующие: места для зрителей представляли собой точный полукруг; полукруглая орхестра предназначалась не для хора (его в римском театре уже не было), а была местом для привилегированных зрителей; сцена была низкой и глубокой.

Постановки римского театра отличались зрелищностью и предназначались главным образом для плебейских зрителей. "Хлеба и зрелищ" этот лозунг был очень популярен среди простых людей в Риме. У истоков римского театра стояли люди низкого звания и вольноотпущенники.

Одним из источников театральных представлений в Риме были народные песни. К их числу относятся фесценины - едкие, злые стишки, которыми перебрасывались ряженые сельские жители во время праздников урожая. Многое пришло в театр от ателланы - народной комедии масок, зародившейся у племен осков, живших на территории Италии близ города Ателлы.

Ателлана принесла в римский театр установившиеся маски, берущие свое начало в древних этрусских сатурнинских играх, проводимых в честь древнеиталийского бога Сатурна. В ателлане были четыре маски: Макк - дурак и обжора, Букк - глупый хвастун, пустослов и простак, Папп - простоватый дурашливый старичок и Доссен - уродливый ученый-шарлатан. Эта милая компания на протяжении длительного времени веселила честной народ.

Следует назвать и еще древнейший вид драматического действия - мим . Первоначально это была грубоватая импровизация, исполнявшаяся на итальянских праздниках в частности на весеннем празднике Флоралий, а впоследствии мим стал литературным жанром.

В Риме было известно несколько жанров драматических представлений. Еще поэт Гней Невий создал так называемую претекстату-трагедию, действующие лица которой носили претексту - одежду римских магистратов.

Комедия в Риме была представлена двумя видами; комедия тогата и комедия паллиата. Первая - веселая пьеса, основанная на местном ителийском материале. Ее персонажами были люди простого звания. Свое название тогата получила от верхней римской одежды - тоги. Авторы таких комедий Титиний, Афраний и Атта известны нам лишь по отдельным сохранившимся фрагментам. Название комедии паллиата было связано с коротким греческим плащом - pallium. Авторы этой комедии обращались прежде всего к творческому наследию греческих драматургов, представителей новоаттической комедии - Менандру, Филемону и Дифилу. Римские комедиографы часто в одной комедии соединяли сцены из разных греческих пьес.

Самыми известными представителями комедии паллиата являются римские драматурги Плавт и Теренций.

Плавт, которому мировой театр обязан многими художественными открытиями (неотъемлемой частью действия стала музыка, она звучала и в лирических, и в острокомедийных сценах), был личностью универсальной: он писал текст, играл в спектаклях, которые сам же ставил ("Ослы", "Горшок", "Хвастливый воин", "Амфитрион" и др.). Он был подлинно народным художником, как и его театр.

Теренция более всего интересуют семейные конфликты. Он изгоняет из своих комедий грубый фарс, делает их утонченными по языку, по формам, в которых выражаются человеческие чувства ("Девушка с Андоса", "Братья", "Свекровь"). Не случайно в эпоху Возрождения опыт Теренция так пригодился новым мастерам драматургии и театра.

Нарастание кризиса привело к тому, что древнеримская драматургия либо пришла в упадок, либо реализовалась в формах, не связанных собственно с театром. Так крупнейший трагический поэт Рима Сенека пишет свои трагедии не для представления, а как "драмы для чтения". Зато ателлана продолжает развиваться, число ее масок пополняется. В ее постановках нередко затрагивались политические и социальные проблемы. Традиции ателланы и мима, по сути дела, никогда не умирали в народе они продолжали существовать в эпоху средневековья и в эпоху Возрождения.

В Риме достигло очень высокого уровня мастерство актеров. Любовью и уважением публики пользовались трагический актер Эзоп и его современник комический актер Росций (1 в. до н.э.).

Театр античного мира стал неотъемлемой частью духовного опыта всего человечества, заложил многое в основу того, что мы сегодня зовем современной культурой.

6. Театр эпохи Средневековья . Религиозный и народный театр

История средневекового театра - это культурный срез целой эпохи (средневековье - эпоха феодального строя, V-XVII вв.), по которому можно изучать сознание средневекового человека. В сознании этом противоречиво соединялись здравый народный смысл и самые причудливые суеверия, истовость веры и насмешка над церковными догматами, стихийное жизнелюбие, тяга к земному и суровый, насаждаемый церковью аскетизм. Нередко народные, реалистические начала вступали в конфликт с идеалистическими религиозными представлениями и «земное» брало верх над «небесным». И сам средневековый театр зародился в глубинных пластах народной культуры.

Еще на исходе раннего средневековья на площадях и улицах городов и в шумных тавернах появлялись странствующие забавники - гистрионы. Во Франции их называли жонглерами, в Англии - менестрелями, на Руси - скоморохами. Искусный гистрион являл собой театр одного актера. Он был фокусником и акробатом, плясуном и музыкантом, мог показать номер с обезьянкой или медведем, разыграть комическую сценку, пройтись колесом или рассказать удивительную историю. В этих рассказах и представлениях жил веселый дух ярмарки, вольной шутки.

Еще более дерзостным было искусство вагантов. Здесь царили пародия и сатира. Ваганты, или «бродячие клирики», - это недоучившиеся семинаристы и расстриги-попы. На мотивы церковных гимнов они распевали хвалу «Бахусу всепьющему», пародировали молитвы и церковные службы. Гистрионы и ваганты, гонимые церковью, объединялись в братства, притягивая к себе самый разный люд. Таким, например, было во Франции «Братство беззаботных ребят» во главе с Принцем Дураков. «Ребята» разыгрывали потешные «дурацкие» действа (соти́), в которых высмеивалось всё и вся, а церковь представала в облике Матери-Дурехи.

Церковь преследовала гистрионов и вагантов, но уничтожить любовь народа к театральным зрелищам была бессильна. Стремясь сделать церковную службу - литургию более действенной, духовенство начинает само использовать театральные формы. Возникает литургическая драма на сюжеты из Священного писания. Её разыгрывали в храме, а позже на паперти или церковном дворе. В XIII-XIV вв. появляется новый жанр средневекового театрального представления - миракль («чудо»). Сюжеты мираклей заимствуются из легенд о святых и деве Марии. Один из самых известных - «Миракль о Теофиле» французского поэта XIII в. Рютбефа.

Вершина средневекового театра - мистерия .

Расцвет этого жанра приходится на XV в. В мистериях участвовало практически все население города: одни - в качестве актеров (до 300 и более человек), другие - зрителей. Представление приурочивалось к ярмарке, к торжественному случаю и открывалось красочным шествием горожан всех возрастов и сословий. Сюжеты брали из Библии и Евангелия. Действа шли с утра до вечера в течение нескольких дней. На деревянном помосте сооружались беседки, в каждой из которых происходили свои события. На одном конце помоста находился богато украшенный Рай, на противоположном - Ад с разверстой пастью дракона, орудиями пыток и огромным котлом для грешников. Декорации в центре были предельно лаконичны: надписи над воротами «Назарет» или золоченого трона было достаточно, чтобы обозначить город или дворец. На подмостках появлялись пророки, нищие, черти во главе с Люцифером... В прологе изображали небесные сферы, где Бог-отец восседал в окружении ангелов и аллегорических фигур - Мудрости, Милосердия, Справедливости и т. д. Потом действие перемещалось на землю и дальше - в Ад, где сатана поджаривал грешные души. Праведники выходили в белом, грешники - в черном, черти - в красных трико, разрисованных страшными «рожами».

Наиболее патетические моменты в представлениях были связаны со скорбящей Богоматерью и страданиями Иисуса. В мистерии были и свои комические персонажи: шуты, нищие, черти, которых побаивались, но частенько дурачили. Патетическое и комическое сосуществовали, не смешиваясь друг с другом. События развивались при самом пристальном внимании и вмешательстве высших и низших сил. Небо, земля и преисподняя составляли один огромный мир, а человек в этом мире был и песчинкой и центром - ведь за его душу боролись силы куда более могущественные, нежели он сам. Наиболее популярными были мистерии Арну́ля Греба́на, а также одно из редких произведений на мирскую тему - «Мистерия об Осаде Орлеана», в которой воссоздавались события Столетней войны (1337-1453) между Англией и Францией и подвиг Орлеанской девы - Жанны д"Арк, возглавившей борьбу французского народа с английскими захватчиками и затем преданной французским королем, которому она вернула трон. Будучи площадным действом, обращенным к массовой аудитории, мистерия выражала и народные, земные начала, и систему религиозно-церковных представлений. Эта внутренняя противоречивость жанра привела его к упадку, а впоследствии послужила причиной его запрещения церковью.

Другим популярным жанром были моралите́. Они как бы отпочковались от мистерии и стали самостоятельными пьесами назидательного характера. Разыгрывались притчи о «Благоразумном и Неблагоразумном», о «Праведнике и Гуляке», где первый берет себе в спутники жизни Разум и Веру, второй - Непослушание и Беспутство. В этих притчах страдание и кротость вознаграждаются на небесах, а жестокосердие и скупость приводят в Ад.

Играли моралите́ на балаганных подмостках. Имелось нечто вроде балкона, где представляли живые картины небесных сфер - ангелов и бога Саваофа. Аллегорические фигуры, поделенные на два лагеря, появлялись с противоположных сторон, образуя симметричные группы: Вера - с крестом в руках, Надежда - с якорем, Скупость - с кошельком золота, Наслаждение - с апельсином, а у Лести был лисий хвост, которым она поглаживала Глупость.

Моралите́ - это диспут в лицах, разыгранный на подмостках, конфликт, выраженный не через действие, а через спор персонажей. Подчас в сценках, где говорилось о грехах и пороках, появлялся элемент фарса, социальной сатиры, в них проникало дыхание толпы и «вольный дух площади» (А. С. Пушкин).

В площадном театре, будь то мистерия, моралите, соти́ или выступление гистрионов, отразились жизнелюбие средневекового человека, его веселая дерзость и жажда чуда - вера в победу добра и справедливости.

И не случайно в XX в. интерес к средневековому театру возрастает. Драматургов, режиссеров привлекает в нем обращенность к массам, четкое, присущее народному сознанию разграничение добра и зла, «вселенский» охват событий, склонность к притче, яркой «плакатной» метафоре. Поэтику этого народного зрелища использует В. Э. Мейерхольд при постановке пьесы В. В. Маяковского «Мистерия-Буфф». В Германии пьесу-притчу утверждает Б. Брехт. На рубеже 60-70-х гг., во времена студенческого движения протеста, Л. Ронкони в Италии ставит на площади «Неистового Роланда» Л. Ариосто, а во Франции А. Мнушкина - спектакли Великой французской революции («1789», «1791»). Древняя театральная традиция как бы обретает новую жизнь, соединяясь с исканиями современных деятелей театра.

Жанры средневекового религиозного театра

В IX в. зарождается первый жанр средневекового религиозного театра –литургическая драма . Это театральное действо входило в состав богослужения (литургии).

Причины появления этого жанра, скорее всего, связаны с желанием священников привлечь как можно больше людей к религии, сделать богослужение (в Средние века христианская служба велась на латыни) более понятным для малограмотного простонародья.

Литургическая драма родилась из церковного тропа – диалогизированного переложения евангельского текста, который обычно завершался пением. После него литургия продолжала идти своим чередом

Первая литургическая драма – сцена трёх Марий, которые приходят к гробу Господню. Эта драма разыгрывалась на Пасху. Её сюжет заключался в том, что Марии (священники, надевшие на голову надплечные платки, обозначавшие женские одежды) приходили ко гробу, в котором должно было лежать тело распятого Христа, чтобы обмазать его миром. Однако в гробнице они встречались с ангелом (молодой священник в белом одеянии). В этой сцене уже появлялся диалог и индивидуальные ответы (между ангелом и Мариями), что и позволяет говорить о том, что это действо являлось первой литургической драмой.

Организацией постановки литургической драмы занимались сами священники. Представления происходили в храме.

На начальном этапе своего существования литургическая драма тесно примыкала к мессе, текст её полностью совпадал с текстом богослужения, как по содержанию, так и по стилю. Литургическая драма исполнялась на латыни, была проникнута торжественным настроением, как и месса. «Актёры» напевно декламировали свои слова.

Постепенно драма всё больше обособляется от службы. Появляются два самостоятельных цикла литургической драмы – рождественский (включал эпизоды: шествие пастухов, предвещавших рождение Христа, поклонение волхвов, сцена гнева царя Ирода, приказавшего убить всех младенцев в Вифлееме) и пасхальный (в его состав входили эпизоды, связанные с воскресением Христа).

Со временем литургическая драма развивается также от статичности и символичности к действенности. В неё начинают внедряться бытовые элементы.

Изначально созданная для того, чтобы сделать богослужение более понятным для прихожан, литургическая драма опрощала религиозные идеи, что, однако, таило в себе большую опасность для религии, так как вело к её профанации.

В 1210 г. указом папы Иннокентия III были запрещены представления литургической драмы внутри зданий церквей. На этом литургическая драма как жанр перестаёт существовать.

Однако религиозный театр не исчезает. Литургическая драма выходит из церкви на паперть и становится полулитургической драмой.

Мирских мотивов в этом представлении становится ещё больше. Она утрачивает свою прочную связь со службой и с церковным календарём, следовательно, выбор дня для проведения спектакля становится более свободным. Полулитургическая драма разыгрывается и в дни ярмарки. Вместо латыни спектакли начинают проходить на народных языках.

«Божественные» роли по-прежнему исполнялись церковнослужителями. В представлении использовались церковные одеяния и утварь. Действо сопровождалось пением хора, исполнявшего религиозные гимны на латыни.

Церковнослужители принимали огромное участие в организации представлений полулитургической драмы (предоставление территории для спектакля (паперть), исполнение главных ролей, подбор репертуара, подготовка «костюмов» и «реквизита»).

Однако религиозные сюжеты начинают активно переплетаться со светскими. Театральная культура стремится отмежеваться от религии, что, однако, полностью на протяжении всей эпохи средневековья так и не произойдёт.

Мистерия

Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру. Мистерия произошла из процессий в честь церковных праздников.

Название происходит от лат. ministerium – церковная служба

Расцвет мистериального театра приходится на XV-XVI вв.

Представления организовывались городскими цехами и муниципалитетами, а не церковью. Участвовали в мистериях все жители города.

Представления мистерий часто организовывались в ярмарочные дни.

Утром в день открытия ярмарки свершался церковный молебен, затем организовывалось торжественное шествие, в котором принимал участие весь город. После него разыгрывалаь непосредственно мистерия.

Мистерии делились на три цикла – ветхозаветный (ветхий завет, от сотворения мира до рождения Христа), новозаветный (новый завет, рождение, жизнь, смерть, воскресение и вознесение Христа)и апостольский (жития святых).

В организации и представлении мистерии принимали участие представители различных городских цехов. Каждый цех получал в действе свой самостоятельный эпизод.

Представление длилось целый день, а иногда и несколько дней.

Существовало три типа организации сценического пространства и соответственно три типа представления мистерий.

Передвижной (характерный в первую очередь для Англии). Отдельные эпизоды мистерий показывались в фургонах с высоким помостом, открытым со всех сторон. Фургоны эти назывались педженты. После показа определённого эпизода фургон переезжал на соседнюю площадь, а на его место подъезжал новый с актёрами, отыгрывавшими очередной эпизод. И так далее до конца мистерии.

Кольцевой. На площади располагался один помост. Сваи для него располагались кольцеобразно. На помосте существовало несколько обособленных отделений, изображавших различные места действия. Зритель располагались вокруг помоста.

Беседочный. На площади одновременно изображалось несколько мест действия. Это был ряд беседок, расположенных на едином помосте по прямой линии и обращённых к зрителям фронтально. В каждой беседке разыгрывались отдельные эпизоды в зависимости от того, какое место действия эта беседка изображала. Публика переходила от одной беседки к другой.

Такая организация сценического пространства связана с важнейшим для средневекового театра принципом – симультанностью (одновременностью). Принцип этот подразумевал одновременность нахождения на площади нескольких мест действия и соответственно одновременность действий, происходящих в них. Симультанность восходит к средневековым представлениям о времени.

При организации представлений активно использовалась машинерия, декорациям, особенно тем, которые изображали рай или ад, уделялось огромное внимание. Зрелищная сторона был чрезвычайно важна.

В мистерии соседствовали натурализм (особенно проявлявшийся в представлении различных кровавых сцен) и условность.

Несмотря на то, что организовывалась мистерия светскими лицами, она являлась своеобразной религиозной службой, которую творил целый город.

Участие в мистерии считалось делом благочестивым. Очень многие роли были настолько популярны среди соискателей, что организаторы устраивали аукцион, с которого эти роли продавались.

Мистерия включала в себя совершенно разнородные элементы. Несмотря на то, что основным содержанием её был какой-либо эпизод из Библии, в мистерию очень активно проникали бытовые элементы. Кроме того, иногда мистериальное представление разбавлялось целыми фарсовыми сценками, представлявшими собой практически отдельный спектакль никак по сюжету не связанный с мистерией. Кроме того, очень большой популярностью пользовались эпизоды с участием чертей. А также зачастую в мистериях появлялся такой персонаж как шут.

Изначально организацией мистерий занимались любители, впоследствии начинают создаваться целые союзы, обязанностью которых являлась постановка мистерии. Как правило, они назывались братствами по аналогии с другими средневековыми братствами.

Наиболее известной такой организацией было Братство Страстей Господних во Франции, которое с 1402 г. получило даже монополию на организацию в Париже не только мистерий, но и мираклей и «прочих религиозных моральных пьес» (как гласил патент, выданный членам братства королём).

Миракль

Название этого жанра происходит от латинского слова miraculum (чудо).

Возникает во Франции в XIIIв.

Миракль происходит из гимнов в честь святых и чтений их житий в церкви. Поэтому основой для сюжетов служили истории о чудесах, совершённых Девой Марией и святыми.

Организацией представлений мираклей во Франции занимались особые сообщества – пюи (puys). Название их происходит от слова podium.

Моралите

Ещё один жанр, имеющий отношение к религиозному театру Средних веков.

Появляется в XV-XVI вв.

Это аллегорическая пьеса, в которой действуют персонажи-аллегории. Каждый из них является олицетворением какого-либо отвлечённого понятия (греха, добродетели, качества и т.д.). Суть сюжета сводилась к истории о том, как человек оказывается перед выбором между добром и злом.

Люди, выбиравшие добродетель, в конце были вознаграждены, а предавшиеся пороку – наказаны. Таким образом, каждое моралите было проникнуто дидактизмом.

Прямой связи с сюжетами библейскими у моралите нет, однако, его нравоучительность позволяет причислять этот жанр к религиозному театру средневековья.

Сценической площадкой для моралите были подмостки, сооружавшиеся на площади.

Персонажи-аллегории носили надписи на груди, которые разъясняли зрителям, кто находится перед ними. Кроме того, каждый из них имел свой неотъемлемый атрибут, с которым всегда появлялся на сцене и который также символически пояснял, что это за аллегория.

Решительные перемены в первое революционное десятилетие произошли с русским театром. Революция способствовала созданию советского режиссерского театра. В эти годы в стране возникло много новых театральных коллективов, среди них Большой драматический в Ленинграде, первым художественным руководителем которого был А.А. Блок, Театр им В.Э. Мейерхольда, Театр им. Е.Б. Вахтангова, Московский театр им. Моссовета. Первым советским театральным спектаклем стала "Мистерия - Буфф" в постановке В.Э. Мейерхольда, (1921). В.Э. Мейерхольд обосновывал принципы публицистического, страстного, агитационного театра-митинга, он внедрял в театральное действие элементы цирка и кинематографа, гротеск и эксцентрику.

Новатором театрального искусства был Е.Б. Вахтангов. В его творчестве сближались эстетические принципы К.С. Станиславского и В.Э. Мейерхольда: глубокая правдивость раскрытия внутреннего мира человека органически сочеталась со стремлением придать спектаклю гиперболическую, причудливо гротескную форму. Вводя в спектакль музыку и танцы, используя условно-обобщенные декорации, варьируя световые эффекты, Вахтангов обогатил современный сценический язык. Осуществленная им в 1922 году постановка "Принцессы Турандот" К. Гоцци знаменовала собой утверждение принципа "праздничной театральности". Согласно замыслу Вахтангова, исполнители на всем протяжении спектакля сохраняли шутливо-ироническое отношение к сюжету разыгрываемой ими пьесы-сказки и к своим персонажам: то "входили в образ", целиком погружаясь в переживания героев, то "выходили из образа", непринужденно и весело общаясь с публикой. Живой контакт между актерами и зрительным залом, легкая, элегантная форма обеспечили спектаклю долгую сценическую жизнь.

К этому времени относится и начало профессионального театра для детей, у истоков которого стояла Н.И. Сац. К концу 30-х годов в стране насчитывалось уже более 70 детских театров.

Талантливая молодежь, прошедшая фронты гражданской войны, пришла в литературу. Только с 1920 по 1926 гг. впервые выступили в печати более 150 писателей, среди них. В.А. Каверин, Н.С.Тихонов, Л.М. Леонов, М.А.Шолохов, Н.Н. Асеев, А.А. Фадеев. Известными фигурами в культурной жизни республики в первое советское десятилетие были те литераторы, творческая деятельность которых началась и была признана еще до революции: А. С. Серафимович, В.В. Маяковский, С.А. Есенин, Д. Бедный, М. Горький. Эти имена олицетворяли собой преемственность в развитии русской художественной культуры. Особое место в этой плеяде занимал М. Горький. В 20-е были опубликованы его произведения "Мои университеты", "Дело Артамоновых". По инициативе Горького было организовано издательство "Всемирная литература".

В 20 - 30-е годы ведущей темой в литературе являлась тема революции и социалистического строительства. Первые попытки художественного осмысления революции относятся уже к первым ее месяцам и годам. Это стихи В.В.Маяковского, поэма А.А. Блока "Двенадцать". Неизбежный распад старого мира, приближение революции - главная идея романа М.Горького "Жизнь Клима Самгина" (1925 - 1936). Проблема человека в революции, его судьбы нашли отражение в эпопее М.А. Шолохова "Тихий Дон" (1928-1940). Символом героизма и нравственной чистоты стал образ Павла Корчагина - героя романа Н.А. Островского "Как закалялась сталь" (1934). Тема индустриального развития страны раскрывалась в произведениях Л.М.Леонова "Соть", М.С.Шагинян "Гидроцентраль", Ф.В.Гладкова "Цемент", В.П.Катаева "Время - вперед!".

В 30-е годы заметно повышается роль исторического романа, проявляется глубокий интерес к истории отечества и к наиболее ярким историческим персонажам. Отсюда и целая серия серьезнейших исторических произведений: "Кюхля" Ю.Н. Тынянова, "Радищев" О.Д. Форш, "Емельян Пугачев" В.Я. Шишкова. В эти же годы блестящие образцы поэзии дали в своем творчестве А.А. Ахматова, О.Э. Мандельштам, Б.Л. Пастернак. В жанре сатиры успешно работали М.М. Зощенко, И.А. Ильф и Е.П. Петров. Классикой советской детской литературы стали произведения С.Я. Маршака, А.П. Гайдара, К.Я. Чуковского.

Достояние, которое ведет свою историю с 17 века. Именно тогда началось формирование основных принципов театрализованных представлений и был заложен фундамент этого вида искусства в России.

Истоки русского театра

Русский народ всегда славился умением разнообразить свой досуг. Издавна на Руси проводились ярмарки и праздники, на которых главными действующими лицами становились скоморохи. Именно так в народе звались артисты, среди которых были и певцы, и музыканты, и актеры.

Обычно театрализованные представления были приурочены к какому-либо церковному или Однако с течением времени празднества могли устраивать без всякого повода. Скоморохи были людьми без крова и денег, часто они собирались в отдельные группы и ходили по городам и селам с целью заработка. В своих представлениях они использовали различные , гусли), кукол, самодельные костюмы.

Чуть позже артисты, приходя в новый город, воздвигали на его площади специальную постройку, где жили и принимали зрителей. Такая постройка стала называться балаганом, впоследствии и все театрализованные представления получили то же имя. В репертуаре скоморохов были социальная сатира, шутки, баллады, сказки.

И хотя с появлением настоящего театра отношение к балаганам стало резко отрицательным и негативным, нельзя забывать о том влиянии, которое оказали старорусские развлечения на становление театра.

Элементы театра, возникшие благодаря народным представлениям

Поскольку театр в 17 веке в России только начинал свой долгий путь, многие элементы и детали были переняты у скоморохов и взяты из народных представлений.

Во-первых, это театральные помещения. Первым таким залом стала Потешная палата, куда с 1613 года приглашали выступать скоморохов. В полной мере подобные представления нельзя было назвать театром, потому что они носили цирковой характер с обилием юмора и различных трюков.

Во-вторых, сценические подмостки. Во время своих выступлений скоморохи собирали вокруг себя большую толпу людей, и появилась необходимость демонстрировать свои таланты на каком-то возвышении, чтобы весь люд смог это увидеть. Первые подмостки были построены для показа кукольного театрального представления.

В-третьих, устные драмы. Скоморохи исполняли произведения, которые написал народ. Так родился знаменитый герой Петрушка.

Придворный театр 17 века

Еще царь во времена своего правления задумался о создании придворного театра. Однако для реализации этой идеи необходимы были зарубежные специалисты, поскольку на Руси не было еще знатных драматургов и артистов, способных с достоинством служить Мельпомене.

В 1644 году в Россию из Страсбурга прибыла труппа актеров, которая в течение месяца готовила свое выступление. Однако по неизвестным причинам они были высланы из страны.

Полноценный театр в 17 веке в России появился при Озвучил идею боярин Артамон Матвеев, который часто бывал в Европе и видел, каким может быть искусство. Первый русский театр 17 века начал свою работу в 1672 году.

Пастор из немецкой слободы Иоганн Готфрид Грегори по приказанию Матвеева за несколько недель собрал труппу актеров, состоящую из мужчин и юношей, и дал им уроки драматического искусства. Также он написал первую пьесу по мотивам библейских сказаний об Есфири.

В селе Преображенском была построена настоящая театральная сцена. Премьера спектакля состоялась 17 октября. Представление шло десять часов, но и царь, и бояре, и царица со своей свитой высидели до конца.

В 1673 году перенесли в Кремль. Драматург был хорошо вознагражден за свою работу и поспешил приступить к написанию новой пьесы. На этот раз он писал о Юдифи, также используя библейский сюжет. Театр в 17 веке в России стал главным развлечением царя.

После смерти Грегори в 1675 году во главе придворного театра стал его помощник Гивнер, который создал несколько удачных драматических постановок. Однако придворный русский театр 17 века прекратил свое существование в 1676 году, после смерти царя Алексея Михайловича.

Школьный театр

Театр в 17 веке в России только начинал свое бурное развитие, в том числе и при духовных учебных заведениях. Это стало возможно при посильном участии церкви, которая стремилась укрепить свои позиции в народе.

Первые школьные театры были открыты при Киево-Могилянской и Славяно-греко-латинской академии. Основу репертуара составляли представления на религиозную тематику, однако там находилось место и для интермедии. Сатира затрагивала интересы духовенства, и в конечном итоге школьные театры прекратили свое существование ближе к 18 веку.

Школьный театр также оказал влияние на традиции. Интермедия стала прообразом современной комедии. Актеры подчинялись принципам классицизма в своих постановках, а также использовали символы, в том числе и в предметах одежды.

Иностранные гастроли

Театр в 17 веке в России перенял неоценимый опыт от иностранных гастрольных трупп Италии, Пруссии и Франции. Благодаря им вершилось торжество духовной мысли, они были источниками социального и творческого развития.

С приходом к власти театр, живопись, музыка 17 века были обречены на долгий застой, поскольку новый царь мало интересовался искусством. Но судьба распорядилась так, что век его правления был недолог.

Взошедший на престол Петр Первый дал новый виток развитию театра и искусства в целом в России.

Свежие новости

Категории

Новости