Балет (фр. ballet, от лат. ballo - танцую) - вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.

Чаще всего в основе балета лежит какой-то сюжет, драматургический замысел, либретто, но бывают и бессюжетные балеты. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец. Немаловажную роль здесь играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего. В современном балете широко используются также элементы гимнастики и акробатики.

Зарождение балета

Балет зародился в Италии в эпоху Возрождения (XVI в.) вначале как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии во Франции расцветает придворный балет как пышное торжественное зрелище. Музыкальную основу первых балетов («Комедийный балет королевы», 1581) составляли народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Ж. Ж. Новером. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных пластических образах, утвердил активную роль музыки как «программы, определяющей движения и действия танцовщика».

Дальнейшее развитие балета

Дальнейшее развитие и расцвет балета приходится на эпоху романтизма.

Современный балетный костюм (костюм феи Драже из спектакля «Щелкунчик»)

Ещё в 30-е годы XVIII в. французская балерина Камарго укоротила юбку (пачку) и отказалась от каблуков, что позволило ей ввести в свой танец заноски. К концу XVIII в. балетный костюм становится значительно более лёгким и свободным, что в немалой степени способствует бурному развитию техники танца. Пытаясь сделать свой танец более воздушным, исполнительницы старались встать на коньчики пальцев, что привело к изобретению пуант. В дальнейшем пальцевая техника женского танца активно развивается. Первой применившей танец на пуантах как выразительное средство была Мария Тальони.

Драматизация балета требовала развития балетной музыки. Бетховен в своём балете «Творения Прометея» (1801) предпринял первую попытку симфонизации балета. Романтическое направление утверждается в балетах Адана «Жизель» (1841) и «Корсар» (1856). Балеты Делиба «Коппелия» (1870) и «Сильвия»(1876) считаются первыми симфонизированными балетами. Вместе с тем обозначился и упрощённый подход к балетной музыке (в балетах Ч.Пуньи, Л.Минкуса, Р. Дриго и др.), как музыке мелодичной, чёткой по ритму, служащей лишь сопровождением для танца.

В Россию балет проникает и начинает распространяться ещё при Петре I в нач. XVIII в. В 1738 по ходатайству французского танцмейстера Жана-Батиста Ланде в Санкт-Петербурге была открыта первая в России школа балетного танца (ныне Академия Русского балета им. А. Я. Вагановой).

История русского балета начинается с 1738 года. Именно тогда, благодаря прошению господина Ланде, появилась первая в России школа балетного искусства - известная ныне на весь мир Санкт-Петербургская Академия танца имени Агриппины Яковлевны Вагановой. Правители российского престола всегда заботились о развитии танцевального искусства. Михаил Федорович первым из русских царей ввел в штат своего двора новую должность плясуна. Им стал Иван Лодыгин. Он должен был не только танцевать сам, но и обучать этому ремеслу других. В его распоряжение поступило двадцать девять юношей. Первый театр появился при царе Алексее Михайловиче. Тогда было заведено показывать между актами пьесы сценический танец, который именовали балетом. Позднее по специальному указу императора Петра Первого танцы стали составной частью придворного этикета. В 30-е годы восемнадцатого столетия дворянская молодежь была обязана обучаться танцам. В Петербурге бальный танец стал обязательной дисциплиной в Шляхетском кадетском корпусе. С открытием летнего театра в Летнем саду, зимнего - во флигеле Зимнего дворца кадеты начинают участвовать в балетных танцах. Преподавателем танцев в корпусе был Жан-Батист Ланде. Он прекрасно понимал, что дворяне в дальнейшем не посвятят себя балетному искусству. Хотя они наравне с профессионалами танцевали в балетах. Ланде, как никто другой, видел надобность в русском балетном театре. В сентябре 1737 он подал прошение, в котором сумел обосновать необходимость создания новой специальной школы, где девочки и мальчики простого происхождения обучались бы хореографическому искусству. Вскоре такое разрешение было дано. Из дворцовой челяди отобрали двенадцать девочек и двенадцать стройных юношей, которых и начал обучать Ланде. Ежедневный труд принес результаты, публика была в восторге от увиденного. С 1743 бывшим ученикам Ланде начинают выплачивать жалованье как артистам балета. Школа очень быстро сумела дать русской сцене прекрасных артистов кордебалета и великолепных солистов. В истории остались имена лучших учеников первого набора: Аксиньи Сергеевой, Авдотьи Тимофеевой, Елизаветы Зориной, Афанасия Топоркова, Андрея Нестерова

Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Ш.-Л. Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца.

Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро» (1877), «Спящая красавица» (1890), «Щелкунчик» (1892) обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. В хореографии новаторство Чайковского было воплощено балетмейстерами Мариусом Петипа и Л. И. Ивановым положившими начало симфонизации танца. Традиция симфонизации балетной музыки была продолжена Глазуновым в балетах «Раймонда» (1898), «Барышня-служанка»(1900), «Времена года» (1900).

Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века. В своих балетах балетмейстер Большого театра А. А. Горский стремился добиться последовательности развития драматического действия, исторической достоверности, старался усилить роль кордебалета, как массового действующего лица, преодолеть разделённость пантомимы и танца. Крупный вклад в русское балетное искусство внёс М. М. Фокин существенно расширив круг идей и образов в балете, обогатив его новыми формами и стилями. Его постановки для «Русских сезонов» балетов «Шопениана», «Петрушка», «Жар-птица» и др. принесли славу русскому балету за рубежом. Завоевала мировую известность созданная Фокиным для Анны Павловой миниатюра «Умирающий лебедь» (1907). В 1911-13 на почве «Русских сезонов» образовалась постоянная труппа «Русский балет Дягилева». После ухода из труппы Фокина её балетмейстером стал Вацлав Нижинский. Самой известной его постановкой стал балет «Весна священная» на музыку Стравинского.

Танец модерн

Танец модерн - направление в танцевальном искусстве появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.

От балета отталкивался свободный танец, создателей которого интересовала не столько новая техника танца или хореография, сколько танец как особая философия, способная изменить жизнь. Это возникшее в начале ХХ века движение (родоначальницей его считается Айседора Дункан), служило истоком многих направлений современного танца и дало импульс реформе самого балета.

«Мы хотим не просто танцевать, а говорить танцем»
Г. Уланова

Удивительный, прекрасный и многогранный мир балета никого не оставит равнодушным. Впервые это слово прозвучало в Италии, сам жанр возник во Франции, помимо этого, балет является настоящей гордостью России, более того, в XIX веке именно русский спектакль, созданный П.И. Чайковским , стал подлинным образцом.

Что такое балет?

Это музыкально-театральный жанр, в котором тесно переплелись несколько видов искусств. Так, музыка, танец, живопись, драматическое и изобразительное искусство объединяются между собой, выстраивая слаженный спектакль, разворачивающийся перед публикой на театральной сцене. В переводе с итальянского, слово «балет» означает – «танцую».

Когда возник балет?

Первое упоминание о балете относится к XV веку, сохранились сведения, что придворный учитель танцев Доменико да Пьяченца предложил для очередного бала объединить несколько танцев, написав к ним торжественный финал и обозначив, как балет.

Однако, сам жанр возник немного позднее в Италии. Точкой отсчета признан 1581 год, именно в это время в Париже Бальтазарини поставил свой спектакль на основе танца и музыки. В XVII веке, популярность получают смешанные представления (опера-балет). При этом, большее значение в таких постановках отводится именно музыке, а не танцу. Лишь благодаря реформаторской работе балетмейстера из Франции Жан Жоржа Новера жанр приобретает классические очертания со своим «хореографическим языком».

Становление жанра в России

Сохранились сведения, что первое представление «Балет об Орфее и Эвридике», было представлено в феврале 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Большой вклад в формирование жанра внес талантливейший балетмейстер Шарль-Луи Дидло. Однако, настоящим реформатором принято считать знаменитого композитора П.И. Чайковского. Именно в его творчестве происходит становление романтического балета. П.И. Чайковский уделил особое внимание именно музыке, превратив ее из сопровождающего элемента в мощный инструмент, помогающий танцу тонко улавливать и раскрывать эмоции и чувства. Композитор преобразовал форму балетной музыки, а также выстроил единое симфоническое развитие. Немалую роль в развитие балета сыграло и творчество А. Глазунова («Раймонда »), И. Стравинского («Жар-птица», «Весна священная», «Петрушка »), М. Равеля («Дафнис и Хлоя»), а также работа балетмейстеров М. Петипа, Л. Иванова, М. Фокина. В новом столетии выделяется творчество С. Прокофьева , Д. Шостаковича, Р. Глиэра , А. Хачатуряна.
В XX композиторы начинают поиски для преодоления стереотипов и установленных правил.

Кто такая балерина?

Балеринами раньше называли вовсе не всех, кто танцует в балете. Это высшее звание, которое получали танцовщицы по достижению определенной суммы артистических заслуг, а также через несколько лет после работы в театре. Изначально всех кто выпускался из Театрального училища принимали танцовщицами кордебалета, за редким исключением – солистками. Некоторым из них удавалось достигнуть звания балерины через два-три года работы, некоторым – только перед пенсией.

Основные компоненты

Главными составляющими балета являются классический танец, характерный танец и пантомима. Классический танец берет начало еще во Франции. Он невероятно пластичен и изящен. Сольные танцы называются вариациями и адажио. Например, хорошо всем известное Адажио из балета «Лебединое озеро» П. И. Чайковского. Причем эти номера могут быть и в ансамблевых танцах.
Помимо солистов, участие в действии принимает кордебалет, который создает массовые сцены.
Зачастую танцы кордебалета относятся к характерным. Например, «Испанский» танец из «Лебединого озера». Этим термином обозначают народные танцы, введенные в спектакль.

Публикации раздела Театры

Знаменитые русские балеты. Топ-5

К лассический балет - удивительный вид искусства, родившийся в Италии в эпоху зрелого Возрождения, «переехавший» во Францию, где заслуга его развития, включая основание Академии танца и кодификацию многих движений, принадлежала королю Людовику XIV. Франция экспортировала искусство театрального танца во все европейские страны, включая Россию. В середине XIX века столицей европейского балета был уже не Париж, подаривший миру шедевры романтизма «Сильфиду» и «Жизель», а Петербург. Именно в Северной столице в течение почти 60 лет работал великий хореограф Мариус Петипа, создатель системы классического танца и автор шедевров, которые до сих пор не сходят со сцены. После Октябрьской революции балет хотели было «сбросить с корабля современности», но его удалось отстоять. Советское время ознаменовалось созданием немалого количества шедевров. Представляем пять отечественных топ-балетов - в хронологическом порядке.

«Дон Кихот»

Сцена из балета «Дон-Кихот». Одна из первых постановок Мариуса Петипа

Премьера балета Л.Ф. Минкуса «Дон Кихот» в Большом театре. 1869 год. Из альбома архитектора Альберта Кавоса

Сцены из балета «Дон-Кихот». Китри - Любовь Рославлева (в центре). Постановка А.А. Горского. Москва, Большой театр. 1900 год

Музыка Л. Минкуса, либретто М. Петипа . Первая постановка: Москва, Большой театр , 1869, хореография М. Петипа. Последующие постановки: Санкт-Петербург, Мариинский театр , 1871, хореография М. Петипа; Москва, Большой театр, 1900, Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1902, Москва, Большой театр, 1906, все - хореография А. Горского.

Балет «Дон Кихот» - полное жизни и ликования театральное представление, вечный праздник танца, которое никогда не утомляет взрослых и на которое родители с удовольствием ведут детей. Хотя он и называется именем героя знаменитого романа Сервантеса , но отталкивается от одного его эпизода, «Свадьбы Китерии и Базилио», и рассказывает о приключениях молодых героев, любовь которых в конце концов побеждает, невзирая на противодействие упрямого папаши героини, захотевшего выдать ее замуж за богатого Гамаша.

Так что Дон Кихот тут почти ни при чем. Весь спектакль высоченный худой артист в сопровождении низенького пузатенького коллеги, изображающего Санчо Пансу, расхаживает по сцене, порою мешая смотреть сочиненные Петипа и Горским прекрасные танцы. Балет, в сущности, является концертом в костюмах, праздником классического и характерного танца, где всем артистам любой балетной труппы находится дело.

Первая постановка балета состоялась в Москве, куда Петипа время от времени наезжал, дабы поднять уровень местной труппы, которую нельзя было сравнить с блистательной труппой Мариинского театра. Но в Москве дышалось посвободнее, так что балетмейстер, по существу, поставил балет-воспоминание о прекрасных годах молодости, проведенных в солнечной стране.

Балет имел успех, и два года спустя Петипа перенес его в Петербург, что вызвало необходимость переделок. В Северной столице характерными танцами интересовались гораздо меньше, чем чистой классикой. Петипа расширил «Дон Кихота» до пяти актов, сочинил «белый акт», так называемый «Сон Дон Кихота», настоящий рай для любителей балерин в пачках, обладательниц хорошеньких ножек. Количество амурчиков в «Сне» достигало пятидесяти двух...

До нас «Дон Кихот» дошел в переделке московского хореографа Александра Горского, который увлекался идеями Константина Станиславского и желал сделать старый балет более логичным и драматически убедительным. Горский разрушил симметричные композиции Петипа, отменил пачки в сцене «Сна» и настаивал на использовании смуглого грима у танцовщиц, изображающих испанок. Петипа обозвал его «свиньей», но уже в первой переделке Горского балет прошел на сцене Большого театра 225 раз.

«Лебединое Озеро»

Декорации к первому преставлению. Большой театр. Москва. 1877 год

Сцена из балета «Лебединое озеро» П.И. Чайковского (балетмейстеры Мариус Петипа и Лев Иванов). 1895 год

Музыка П. Чайковского , либретто В. Бегичева и В. Гельцера. Первая постановка: Москва, Большой театр, 1877, хореография В. Рейзингера. Последующая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1895, хореография М. Петипа, Л. Иванова.

Всеми любимый балет, классическая версия которого была поставлена в 1895 году, на самом деле родился восемнадцатью годами ранее в московском Большом театре. Партитура Чайковского, мировая слава которого была еще впереди, была своеобразным собранием «песен без слов» и казалась слишком сложной для того времени. Балет прошел около 40 раз и канул в Лету.

После смерти Чайковского «Лебединое озеро» поставили в Мариинском театре, и от этой версии, ставшей классической, отталкивались все последующие постановки балета. Действию были приданы большая ясность и логичность: балет рассказывал о судьбе прекрасной принцессы Одетты, волею злого гения Ротбарта обращенной в лебедя, о том, как Ротбарт обманул полюбившего ее принца Зигфрида, прибегнув к чарам своей дочери Одиллии, и о смерти героев. Партитура Чайковского была сокращена приблизительно на треть дирижером Рикардо Дриго и переоркестрована. Петипа создал хореографию первого и третьего действий, Лев Иванов - второго и четвертого. Это разделение идеальным образом отвечало призванию обоих гениальных хореографов, второму из которых пришлось жить и умереть в тени первого. Петипа - отец классического балета, создатель безупречно гармоничных композиций и певец женщины-феи, женщины-игрушки. Иванов - балетмейстер-новатор, необычайно чутко чувствующий музыку. В роли Одетты–Одиллии выступила Пьерина Леньяни, «королева миланских балерин», она же первая Раймонда и изобретательница 32 фуэте, самого трудного вида вращения на пуантах.

Можно ничего не знать о балете, но «Лебединое озеро» известно всем. В последние годы существования Советского Союза, когда престарелые лидеры довольно часто сменяли один другого, проникновенная мелодия «белого» дуэта главных героев балета и всплески рук-крыльев с экрана телевизора возвещали о печальном событии. Японцы так любят «Лебединое озеро», что готовы смотреть его утром и вечером, в исполнении любой труппы. Ни одна гастрольная труппа, которых в России и особенно в Москве множество, не обходится без «Лебединого».

«Щелкунчик»

Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Марианна - Лидия Рубцова, Клара - Станислава Белинская, Фриц - Василий Стуколкин. Мариинский театр. 1892 год

Сцена из балета «Щелкунчик». Первая постановка. Мариинский театр. 1892 год

Музыка П. Чайковского, либретто М. Петипа. Первая постановка: Санкт-Петербург, Мариинский театр, 1892, хореография Л. Иванова.

По книгам и сайтам до сих пор кочует ошибочная информация о том, что «Щелкунчик» поставлен отцом классического балета Мариусом Петипа. На самом деле Петипа сочинил лишь сценарий, а первую постановку балета осуществил его подчиненный, Лев Иванов. На долю Иванова выпала непосильная задача: сценарий, созданный в стиле модного тогда балета-феерии с непременным участием итальянской гастролерши, находился в очевидном противоречии с музыкой Чайковского, которая хоть и была написана в строгом соответствии с указаниями Петипа, но отличалась большим чувством, драматической насыщенностью и сложным симфоническим развитием. Кроме того, героиней балета была девочка-подросток, а балерине-звезде было уготовано лишь финальное па-де-де (дуэт с партнером, состоящий из адажио - медленной части, вариаций - сольных танцев и коды (виртуозного финала)). Первая постановка «Щелкунчика», где первый - по преимуществу пантомимный акт, резко отличался от второго - дивертисментного, не имела большого успеха, критики отмечали лишь Вальс снежных хлопьев (в нем участвовали 64 танцовщицы) и Па-де-де Феи Драже и Принца Коклюша, источником вдохновения для которого послужило Иванову Адажио с розой из «Спящей красавицы», где Аврора танцует с четырьмя кавалерами.

Зато в ХХ веке, который смог проникнуть в глубины музыки Чайковского, «Щелкунчику» было уготовано воистину фантастическое будущее. Не счесть постановок балета в Советском Союзе, странах Европы и США. На российских просторах особенно популярны постановки Василия Вайнонена в ленинградском Государственном академическом театре оперы и балета (ныне Мариинский театр в Санкт-Петербурге) и Юрия Григоровича в московском Большом театре.

«Ромео и Джульетта»

Балет «Ромео и Джульетта». Джульетта – Галина Уланова, Ромео – Константин Сергеев. 1939 год

Миссис Патрик Кемпбепл в роли Джульетты в трагедии Шекспира «Ромео и Джульетта». 1895 год

Финал балета «Ромео и Джульетта». 1940 год

Музыка С. Прокофьева , либретто С. Радлова, А. Пиотровского, Л. Лавровского. Первая постановка: Брно, Театр оперы и балета, 1938, хореография В. Псоты. Последующая постановка: Ленинград, Государственный академический театр оперы и балета им. С. Кирова, 1940, хореография Л. Лавровского.

Если шекспировская фраза в известном русском переводе гласит «Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте» , то о написанном на этот сюжет балете великого Сергея Прокофьева говорили: «Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете» . Воистину изумительная по красоте, богатству красок и выразительности партитура «Ромео и Джульетты» в момент ее появления показалась слишком сложной и неподходящей для балета. Артисты балета попросту отказывались под нее танцевать.

Прокофьев написал партитуру в 1934-м, и первоначально она предназначалась не театру, а прославленному Ленинградскому академическому хореографическому училищу для празднования его 200-летия. Проект не был осуществлен в связи с убийством в 1934 году в Ленинграде Сергея Кирова, в ведущем музыкальном театре второй столицы грянули перемены. Не осуществился и план постановки «Ромео и Джульетты» в московском Большом. В 1938 году премьеру показал театр в Брно, и только два года спустя балет Прокофьева наконец был поставлен на родине автора, в театре тогда уже имени Кирова.

Балетмейстер Леонид Лавровский в рамках весьма приветствовавшегося советской властью жанра «драмбалета» (формы хореографической драмы, характерной для балета 1930-50-х годов) создал впечатляющее, волнующее зрелище с тщательно вылепленными массовыми сценами и тонко очерченными психологическими характеристиками персонажей. В его распоряжении была Галина Уланова , утонченнейшая балерина-актриса, которая так и осталась непревзойденной в роли Джульетты.

Партитуру Прокофьева быстро оценили западные хореографы. Первые версии балета появились уже в 40-х годах XX века. Их создателями были Биргит Кулберг (Стокгольм, 1944) и Маргарита Фроман (Загреб, 1949). Известные постановки «Ромео и Джульетты» принадлежат Фредерику Аштону (Копенгаген, 1955), Джону Кранко (Милан, 1958), Кеннету МакМиллану (Лондон, 1965), Джону Ноймайеру (Франкфурт, 1971, Гамбург, 1973).И. Моисеева , 1958, хореография Ю. Григоровича, 1968.

Без «Спартака» понятие «советский балет» немыслимо. Это настоящий хит, символ эпохи. Советский период разрабатывал иные темы и образы, глубоко отличные от традиционного классического балета, унаследованного от Мариуса Петипа и Императорских театров Москвы и Петербурга. Волшебные сказки со счастливым концом были сданы в архив, и на смену им пришли героические сюжеты.

Уже в 1941 году один из ведущих советских композиторов Арам Хачатурян говорил о намерении написать музыку к монументальному, героическому спектаклю, который должен быть поставлен на сцене Большого театра. Темой для него был выбран эпизод из древнеримской истории, восстание рабов под руководством Спартака. Хачатурян создал красочную партитуру, использующую армянские, грузинские, русские мотивы и насыщенную прекрасными мелодиями и огненными ритмами. Постановку должен был осуществить Игорь Моисеев.

Понадобилось много лет, чтобы его произведение вышло на суд зрителей, и появилось оно не в Большом театре, а в Театре им. Кирова. Хореограф Леонид Якобсон создал потрясающий новаторский спектакль, отказавшись от традиционных атрибутов классического балета, в том числе от танца на пуантах, использовав свободную пластику и обув балерин в сандалии.

Но хитом и символом эпохи балет «Спартак» стал в руках хореографа Юрия Григоровича в 1968 году. Григорович поразил зрителя совершенно выстроенной драматургией, тонкой прорисовкой характеров главных героев, искусной постановкой массовых сцен, чистотой и красотой лирических адажио. Он назвал свое произведение «спектаклем для четырех солистов с кордебалетом» (кордебалет - артисты, занятые в массовых танцевальных эпизодах). В роли Спартака выступил Владимир Васильев, Красса - Марис Лиепа , Фригии - Екатерина Максимова и Эгины - Нина Тимофеева. Кардебалет был по преимуществу мужской, что делает балет «Спартак» единственным в своем роде.

Помимо известных прочтений «Спартака» Якобсоном и Григоровичем, существует еще около 20 постановок балета. Среди них версия Иржи Блазека для Пражского балета, Ласло Сереги для Будапештского балета (1968), Юри Вамоша для Арена ди Верона (1999), Ренато Дзанеллы для балета Венской государственной оперы (2002), Натальи Касаткиной и Владимира Василёва для руководимого ими Государственного академического театра классического балета в Москве (2002).

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru

Введение

Балет (фр. ballet, от лат. ballo -- танцую) -- вид сценического искусства, основными выразительными средствами которого являются неразрывно связанные между собой музыка и танец.

1. Зарождение балета

2. Дальнейшее развитие балета

Дальнейшее развитие и расцвет балета приходится на эпоху романтизма.

Современный балетный костюм (костюм феи Драже из спектакля «Щелкунчик»).

История русского балета начинается с 1738 года. Именно тогда, благодаря прошению господина Ланде, появилась первая в России школа балетного искусства -- известная ныне на весь мир Санкт-Петербургская Академия танца имени Агриппины Яковлевны Вагановой. Правители российского престола всегда заботились о развитии танцевального искусства. Михаил Федорович первым из русских царей ввел в штат своего двора новую должность плясуна. Им стал Иван Лодыгин. Он должен был не только танцевать сам, но и обучать этому ремеслу других. В его распоряжение поступило двадцать девять юношей. Первый театр появился при царе Алексее Михайловиче. Тогда было заведено показывать между актами пьесы сценический танец, который именовали балетом. Позднее по специальному указу императора Петра Первого танцы стали составной частью придворного этикета. В 30-е годы восемнадцатого столетия дворянская молодежь была обязана обучаться танцам. В Петербурге бальный танец стал обязательной дисциплиной в Шляхетском кадетском корпусе. С открытием летнего театра в Летнем саду, зимнего -- во флигеле Зимнего дворца кадеты начинают участвовать в балетных танцах. Преподавателем танцев в корпусе был Жан-Батист Ланде. Он прекрасно понимал, что дворяне в дальнейшем не посвятят себя балетному искусству. Хотя они наравне с профессионалами танцевали в балетах. Ланде, как никто другой, видел надобность в русском балетном театре. В сентябре 1737 он подал прошение, в котором сумел обосновать необходимость создания новой специальной школы, где девочки и мальчики простого происхождения обучались бы хореографическому искусству. Вскоре такое разрешение было дано. Из дворцовой челяди отобрали двенадцать девочек и двенадцать стройных юношей, которых и начал обучать Ланде. Ежедневный труд принес результаты, публика была в восторге от увиденного. С 1743 бывшим ученикам Ланде начинают выплачивать жалованье как артистам балета. Школа очень быстро сумела дать русской сцене прекрасных артистов кордебалета и великолепных солистов. В истории остались имена лучших учеников первого набора: Аксиньи Сергеевой, Авдотьи Тимофеевой, Елизаветы Зориной, Афанасия Топоркова, Андрея Нестерова

Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Ш.Л. Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца.

Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро» (1877), «Спящая красавица» (1890), «Щелкунчик» (1892) обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия. Воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. В хореографии новаторство Чайковского было воплощено балетмейстерами Мариусом Петипа и Л. И. Ивановым положившими начало симфонизации танца. Традиция симфонизации балетной музыки была продолжена Глазуновым в балетах «Раймонда» (1898), «Барышня-служанка»(1900), «Времена года» (1900).

Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века. В своих балетах балетмейстер Большого театра А.А. Горский стремился добиться последовательности развития драматического действия, исторической достоверности, старался усилить роль кордебалета, как массового действующего лица, преодолеть разделённость пантомимы и танца. Крупный вклад в русское балетное искусство внёс М. М. Фокин существенно расширив круг идей и образов в балете, обогатив его новыми формами и стилями. Его постановки для «Русских сезонов» балетов «Шопениана», «Петрушка», «Жар-птица» и др. принесли славу русскому балету за рубежом. Завоевала мировую известность созданная Фокиным для Анны Павловой миниатюра «Умирающий лебедь» (1907). В 1911-13 на почве «Русских сезонов» образовалась постоянная труппа «Русский балет Дягилева». После ухода из труппы Фокина её балетмейстером стал Вацлав Нижинский. Самой известной его постановкой стал балет «Весна священная» на музыку Стравинского.

балетный чайковский романтизм сценический

3. Танец модерн

Танец модерн -- направление в танцевальном искусстве появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.

Размещено на Allbest.ru

...

Подобные документы

История происхождения балета как вида сценического искусства, включающего в себя формализованную форму танца. Отделение балета от оперы, появление нового вида театрального спектакля. Русский балет С.П. Дягилева. Мировой балет в конце IX и начале XX в.

реферат , добавлен 08.02.2011

Танец как вид искусства. Виды и жанры хореографии. Балет Италии XVII века. Романтический балет в России. Позиции рук и ног, положение корпуса и головы в классическом танце. Либретто балета "Бахчисарайский фонтан". Деятели французского балета XVIII века.

шпаргалка , добавлен 04.11.2014

Рассмотрение танца как вида искусства, материалом которого являются движения и позы человеческого тела, составляющие единую художественную систему. Возможности хореографии в раскрытии эмоций человека. Единство духа и тела в музыкальной пластике балета.

контрольная работа , добавлен 24.12.2012

Философско-эстетические особенности культуры эпохи Ренессанса. Место музыки в системе искусств Возрождения. Музыка и танец: аспекты взаимодействия. Хореография на подступах к самоопределению. Жанровая палитра танцевального искусства эпохи Возрождения.

курсовая работа , добавлен 19.12.2010

Основные составляющие балета, процесс его создания на основе литературного произведения. Предназначение костюмов и декораций, роль героев в балетной постановке. История возникновения балета вследствие разделения танца на бытовой и сценический виды.

презентация , добавлен 25.02.2012

Фольклорные танцы как истоки русского балета, роль крепостного балета в его развитии. Первые русские профессиональные танцоры. Балет XIX-го и XX-го вв. – продолжение народных традиций в русском классическом танце. Зарождение современного искусства танца.

реферат , добавлен 20.05.2011

Распространение романтизма как направления в искусстве. Синтез искусства, философии, религии в романтической художественной системе. Упадок балетного искусства в Европе, его расцвет в России. Выдающиеся балетмейстеры и хореографы эпохи романтизма.

контрольная работа , добавлен 11.03.2013

Балет до 1900 г.. Происхождение балета как придворного зрелища. Мастерство ранних итальянских учителей танцев. Балет в эпоху Просвещения. Романтический балет. Балет 20 в.. Русский балет С.П. Дягилева. Балет в США. Мировой балет. Великобритания. Франция.

реферат , добавлен 08.11.2008

Понятие хореографии как разновидности искусства, его характеристика и отличительные особенности, история становления и развития. Этапы расцвета искусства балета, его ведущие школы и направления. Развитие хореографии и балета в современной Украине.

реферат , добавлен 04.10.2009

История возникновения балета. Зарождение основ балетной техники в Парижской опере в 1681 г. Упразднение балета в Туркменистане в 2001 году. Балеты известных композиторов. Выдающиеся мастера балетного искусства России. Классическая балетная школа.

Балет - искусство поэтическое. Ему свойственны темы возвышенные, героические, лирические. Сказочно чудесный мир танцевальных образов глубоко волнует и пробуждает благородные стремления.

В балетных спектаклях сливаются воедино увлекательный сюжет, созданный литератором, музыка, сочиненная композитором, танец, придуманный балетмейстером и исполненный артистами, живописные декорации и костюмы, изготовленные по замыслу художника.

Это сложное искусство развилось довольно поздно. Балету немногим более четырехсот лет, хотя искусство танца существует уже несколько тысячелетий (см. ст. «Народный танец»).

Зародился балет в Италии в XV в. От народных танцев название «баллетти» (итальянское «балларе» - танцевать, а «баллетти» - танцы) перешло к более сложным танцам, исполнявшимся на придворных балах. При дворах владетельных лиц нередко устраивались костюмированные представления с танцами, пением и декламацией, в которых участвовали сами придворные. Эти первые балеты состояли из малосвязанных между собой «выходов» персонажей, чаще всего взятых из греческой мифологии. Одну богато и пышно одетую пару сменяла другая. После всех «выходов» начинался общий танец, или «большой балет».

Такое представление было устроено в Италии на грандиозном пиру в г. Тортоне (1489). Античные боги и герои, танцуя, разносили гостям кушанья. Морские божества несли рыбные блюда, богини плодородия подавали фрукты и сласти. Этот гастрономический балет завершался пышным выходом Вакха - бога вина. Такие же представления появились и при многих европейских дворах.

Постепенно в придворных балетах мифологических героев вытесняют комические маски, изображавшие людей из народа - прачек, трактирщиков, сапожников и т. п. Все роли в балете исполнялись только мужчинами.

Одеяния и маски участников придворного балета были громоздкими и неудобными. Например, сапожник должен был танцевать в закрывавшем его с головой огромном башмаке, а костюм скрипача состоял из большой скрипки. Героев античности также одевали в тяжелый костюм, напоминавший придворное платье. В таких костюмах танцевать было очень трудно, поэтому все балетные движения ограничивались плавной ходьбой, грациозными поклонами и изящными позами. Кроме того, если в придворных балах женщины участвовали наряду с мужчинами, то на сцене женские роли исполнялись мальчиками в масках и париках.

Придворные танцевали вразнобой, так как правил исполнения танцевальных движений еще не существовало.

По указу французского короля Людовика XIV, для выработки правил и системы танцев была основана в 1661 г. Королевская академия танца. В нее входили тринадцать назначенных королем учителей танцев. В 1669 г. был основан музыкальный театр (Королевская академия музыки), где в операх-балетах сперва танцевали только придворные. Вначале балетные спектакли почти не отличались от придворных представлений. Музыка, танец и пение слабо связывались друг с другом и не производили цельного художественного впечатления. Танцы были те же, что и при дворе, - медленные менуэты, гавоты, далекие от своего народного первоисточника. Женщинам разрешено было появиться на сцене лишь в 1681 г. Им приходилось танцевать в тяжелых длинных платьях и в туфлях на высоких каблуках. Подобные костюмы мешали танцовщицам исполнять сложные виртуозные танцы, а потому мастерство мужских танцев превосходило женские танцы грацией, изяществом, плавностью и техникой.

В Италии мода на придворный балет прошла значительно раньше, и танцевальное искусство стало полностью профессиональным. Итальянские танцовщики славились виртуозностью танцевальной техники. Но еще многое мешало балету стать настоящим искусством - и сопровождающие танец тексты, и громоздкие костюмы, и маска, скрывавшая все лицо артиста.

Только в 1773 г. танцовщик Максимилиан Гардель впервые сбросил традиционную маску. Немного позже балерина Мари Камарго добилась некоторой свободы движений, укоротив юбку чуть выше щиколотки и отказавшись от каблуков, а Мари Салле стала танцевать в свободных легких одеждах, напоминающих греческую тунику. Танцы постепенно становились все более осмысленными.

Особенно большой вклад в развитие западноевропейского балета сделал французский балетмейстер Жан-Жорж Новерр (1727-1810). В своих «Письмах о танце» (1760) он призывал создать «действенный», т. е. содержательный и выразительный танец, в котором чувства, мысли и события раскрывались бы в пантомиме и танцевальных движениях. Эти передовые идеи Новерру удалось осуществить лишь частично в балетных спектаклях, поставленных при герцогском дворе в Штутгарте и на других сценах.

Взгляды Новерра оказали огромное влияние на дальнейшее развитие балета. От традиционного костюма и маски отказались. Артисты балета стали танцевать в свободной, легкой

одежде. Танцевальные движения их стали более естественными, выразительными и разнообразными. Ученики и последователи Новерра создали первые в истории хореографии балетные спектакли, где воедино слились музыка, костюм, декорации и осмысленный, одухотворенный танец. Поставленный Добервалем более полутораста лет назад балет «Тщетная предосторожность» продолжает жить на сценах балетных театров и в наши дни.

В годы французской буржуазной революции балетное искусство обогатилось элементами народного танца, ранее неприемлемыми для придворных артистов. Искусство революционной эпохи обратилось к героическим образам античности.

Одну из замечательных хореографических постановок того времени «Приношение свободе» создал балетмейстер Пьер Гардель. В нее был введен танец, исполнявшийся под музыку «Марсельезы».

В XVIII в. хореография обогатилась выразительными средствами. Артисты балета, одетые в легкие туники и сандалии, могли уже танцевать на высоких полупальцах. Движения рук стали свободны и пластичны; в мимике, движениях, жестах актеры стремились передать чувства своих героев.

Около 1800 г. было изобретено трико (плотно облегающий ноги и тело вязаный костюм телесного цвета), и движения танцовщиков получили полную свободу. Значительно повысился уровень танцевального мастерства. Однако мужской танец все еще продолжал оставаться более виртуозным, чем женский.

На основе достижений балетного искусства итальянский танцовщик и педагог Карло Блазис (1803-1878) разработал систему обучения танцу, строящуюся на пяти исходных позициях ног. Блазис использовал «арсенал» движений, заимствованных поколениями артистов и балетмейстеров из народного и придворного танца, из античного искусства. Эта система в дальнейшем получила название «классической».

В первой половине XIX в. окончательно сформировались итальянская и французская школы классического балета.

Для итальянского балетного театра были характерны виртуозная техника, сложные прыжки, резкие, жесткие движения рук. Порой ради внешнего блеска и виртуозности исполнители жертвовали осмысленностью и выразительностью танца. Одиноким оставался в миланском театре «Ла Скаля» балетмейстер С. Вигано, который с успехом ставил серьезные и сложные балеты на музыку Бетховена, на сюжеты трагедий Шекспира и т. д.

В отличие от итальянской французская балетная школа славилась грациозностью, пластичностью, мягкостью линий, но в то же время ей была свойственна холодность исполнения. Балетный спектакль во Франции XVIII в. обычно ставили на античный или мифологический сюжет.

Артисты королевского театра даже не стремились правдиво воспроизводить исторические или национальные черты, а подражали придворным манерам и костюмам. Древнегреческие пастухи выходили на сцену в башмаках с красными каблуками по образцу придворных франтов, в обсыпанных пудрой париках с буклями. Все это порождало у многих балетмейстеров и артистов разочарование в классицизме, толкало их на поиски новых средств, которые полнее могли бы передать правду жизни.

В России профессиональное балетное искусство появилось в XVIII в. Хотя на первых порах учителями и постановщиками были иностранцы, русские танцовщики творчески воспринимали от них то, что отвечало требованиям тесно связанной с народным танцем русской танцевальной культуры, что ее обогащало, облагораживало. Заимствованные элементы они стремились наполнить национальным духом.

Так формировалась русская школа классического танца. Важнейший этап ее развития связан с пребыванием в России французского балетмейстера Шарля Дидло (1767 -1837) - одного из создателей романтизма в балетном искусстве. Живые человеческие чувства, поэтическая возвышенность содержания художественных картин, свободная и смелая манера исполнения - вот что особенно привлекало в его балетах и явилось новым словом в искусстве. Он помог артистам создать исторически правдивые образы, по-новому истолковал содержание старых мифов, поставив на их основе балеты «Ацис и Галатея», «Зефир и Флора», «Амур и Психея».

Дидло ввел как средство художественной выразительности «летающий балет», т. е. полеты артистов над сценой, осуществляемые с помощью механических устройств.

Еще на английской сцене Дидло начал ставить жанровые реалистические балеты. Но самыми выдающимися созданиями Дидло были поставленные им в России драматические балеты «Кавказский пленник» (по А. С. Пушкину), «Венгерская хижина», «Раульде Креки». Дидло, которого современники называли «Шекспир и Байрон балетной сцены», умело чередуя веселые и драматические эпизоды, заставлял зрителя с глубоким сочувствием следить за судьбами героев. Правда, в балетах Дидло было еще много пантомимы, а танец носил вспомогательный характер, так как герои танцевали преимущественно на пирах и всяких торжествах.

В России Дидло воспитал таких известных балерин, как Авдотья Истомина и Мария Данилова. После Дидло с каждым новым поколением русский балет становился более самобытным.

Русские балетмейстеры Вальберх, Глушковский ввели национальные темы в балет.

Ни один балетный спектакль не может быть создан без балетмейстера. Содержание музыки, написанной композитором, он раскрывает в танцевальных образах, продумывает композицию и сочетание танцев, разрабатывает все роли. В художественной форме танцевальных образов передаются сложные эмоциональные переживания, могучие взлеты человеческого духа. Порой в танце балетмейстеру удается выразить не меньше мыслей и чувств, чем это можно сделать словами.

Творческая фантазия Дидло дала начало романтическому балету, выражающему стремление к возвышенному, поэтизирующему мечту и сказку. Героями собственно романтического балета стали всевозможные фантастические существа - эльфы, сильфиды, призраки и тени. Балерина Мария Тальони и ее отец, балетмейстер Филипп Тальони, были в 30-х гг. XIX в. наиболее типичными представителями этого нового балета.

Лучший балет романтической поры - «Жизель» был поставлен в 1841 г. в Париже. В нем изображается трагедия чистой, доверчивой крестьянской девушки, глубоко потрясенной неверностью любимого. Жизель умирает от горя и превращается в лесную фею-вилису. Этот вечно юный балет говорит на языке танца о больших чувствах и до сих пор входит в репертуар советского и зарубежного театра.

Не менее волнующее создание эпохи романтизма - балет «Эсмеральда», поставленный выдающимся французским балетмейстером Ж. Перро (1810-1892) по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери» (см. ст. «Виктор Гюго»). Здесь не было ни одного фантастического существа. Перро стремился в танце непосредственно выразить драматическое действие. Талант этого балетмейстера не получил признания на родине и по-настоящему расцвел в Англии и особенно в России.

История русского балета тесно связана с развитием русской классической музыки. До появления балетной музыки П. И. Чайковского музыка служила только сопровождением к танцам: от нее требовали лишь определенного темпа, ритма и запоминающейся мелодии. Симфоническая балетная музыка Чайковского, глубокая, красочная, выразительная, помогала зрителю домысливать то, что невозможно выразить в танце. В балете «Щелкунчик» композитор раскрыл светлый, радостный мир детских грез, в «Лебедином озере» поведал о любви, разрушающей злые чары, в «Спящей красавице» показал торжество добра над злом. Красота и чистота внутреннего мира человека, воспетая Чайковским, навсегда стала главным содержанием русского балетного искусства.

Работая над «Спящей красавицей», Чайковский не раз обращался за советом к замечательному балетмейстеру Мариусу Петипа (1822- 1910). Француз по происхождению, он почти шестьдесят лет отдал русскому балету. Большому знатоку классического танца Петипа особенно удались балеты «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Баядерка», в которых танцы словно сливались с музыкой.

Другой выдающийся постановщик балетов Чайковского, Лев Иванов (1834 -1901), создал в «Лебедином озере» изумительные лирические танцы лебедей (2 и 4-й акты балета). Иванов стремился выразить в танце все богатство содержания музыки.

Полного слияния музыки, танца и живописи в балетном спектакле достигли в начале XX в. балетмейстеры М. Фокин и А. Горский. Им удавалось не только правдиво воспроизводить жизнь на балетной сцене, но и находить для каждого балета отвечающие содержанию своеобразные выразительные средства. Сотрудничая с лучшими художниками, Горский и Фокин подняли на высокий уровень искусство оформления спектакля.

На Западе во второй половине XIX в. балет пришел в упадок, потерял самостоятельное значение и превратился в придаток к опере, в то время как русское балетное искусство продолжало развивать лучшие черты классического балета.

Классический балет отличается строгим рисунком движения, благородной чистотой и одухотворенностью исполнения.

Все средства выразительности в классическом балете служат для раскрытия глубокого содержания, сложных переживаний героев.

Гастроли русского балета в Париже и Лондоне (в начале XX в.) произвели на западных зрителей ошеломляющее впечатление. Выдающаяся русская балерина Анна Павлова была признана одной из величайших танцовщиц классической школы. В танце «Умирающий лебедь» (музыка Сен-Санса, постановка М. Фокина), который длился всего три минуты, Павлова раскрывала целую гамму переживаний. Блестящее мастерство русских балетмейстеров и артистов, вдохновенное искусство Анны Павловой оказали огромное влияние на возрождение европейского балета. Павлова, а за ней и другие педагоги открыли в Англии школы классического танца. Подготовленные ими талантливые артисты образовали профессиональные труппы, существующие и в наши дни («Балет Мари Рамбер», «Королевский балет» - бывший «Сэдлере Уэллс»). В их репертуаре есть не только балеты отечественных композиторов, но и замечательные произведения Чайковского.

В 30-е гг. XX в. возродился национальный балет во Франции, Италии и других странах. Много заимствовано им у русской и советской школы классического танца, пользующейся исключительной популярностью на Западе.

Лучшее из классического наследия русской школы получило свое дальнейшее развитие в советском балете. Его по праву можно считать новым, более высоким этапом хореографического искусства. Классический танец в советском балете в соответствии с требованиями нашей эпохи непрерывно развивается, совершенствуется и обогащается, впитывая лучшие особенности танцевального искусства нашей страны.

На советской сцене «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Жизель» живут новой жизнью. Сохранив все ценное от прошлых постановок, они проникнуты иным восприятием музыки, новым представлением о величии и красоте жизни, наполнены особой драматической напряженностью. Советское балетное искусство стремится раскрыть лучшее в человеке, все богатство его внутреннего мира. Оно не только радует глаз, но и пробуждает в зрителях благородные стремления, высокие чувства и мысли.

Советскому хореографическому искусству принадлежит заслуга создания больших реалистических балетов, посвященных народным героям и борцам за свободу разных стран и эпох. Это «Красный мак» Глиэра (см. ст. «Р. М. Глиэр»), поставленный В. Тихомировым и Л. Лащилиным; «Пламя Парижа» Б. Асафьева, балетмейстер Вайнонен; «Спартак» Хачатуряна (см. ст. «Арам Хачатурян»); «Лауренсия» А. Крейна, балетмейстер В. Чабукиани; «Тропою грома» Кара Караева, балетмейстер К. Сергеев; «Каменный цветок» С. Прокофьева, балетмейстер Ю. Григорович.

В золотой фонд советского балета вошли такие замечательные произведения, как «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева и «Ромео и Джульетта» С. Прокофьева (см. ст. «С. С. Прокофьев»), Постановщики этих балетов балетмейстеры Р. Захаров и Л. Лавровский сумели перевести на язык танца поэтическое содержание великих произведений Пушкина и Шекспира.

Советский народ гордится такими выдающимися исполнителями, как Уланова (см. ст. «Г. С. Уланова»), М. Плисецкая, О. Лепешинская, Р. Стручкова, К. Сергеев, В. Чабукиани, и многими другими славными воспитанниками советской балетной школы.

Всеобщее восхищение зарубежных зрителей вызвали гастроли советских артистов, сумевших вместе с постановщиками превратить балет в «напряженную драматическую инсценировку, полную живости, хореографических выдумок… сценических эффектов и эмоциональности» - как писала зарубежная печать. Выступления советского балета в ряде стран Европы и Америке расценивались как «события исторического значения».

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter .